La música popular es un caos de estilos, subestilos y miles de músicos que tocan a su manera según su instinto y su talento explotando los hallazgos musicales, trucos y técnicas que van encontrando a lo largo de su vida. Así lo vemos en los cientos de métodos de guitarra y de otros instrumentos que se publican en los USA desde hace decenios. En cada uno de ellos encontramos la explicación de algún truco o técnica que no conocíamos, porque su autor es uno más de los millones de músicos populares que , con los años, ha descubierto trucos y técnicas particulares suyas. La música popular es el reino de la multiplicidad, de millones de particulares haciendo cada uno su música a su manera explotando lo que cada particular tiene de único ( sea su físico, su mente o su talento especial en algo) . Por ello surgen millones de músicas distintas como reflejo de los millones de particulares que existen en cada generación en el mundo , cada uno de ellos con "algo " especial que, cuando es aplicado a la música, crea "algo" especial y único también en ese arte, aunque solo sea una única nota que nadie más toca. Los filósofos medievales se pasaron varios siglos estudiando el problema de los particulares y los universales. Veían que el mundo estaba poblado por millones de particulares, cada uno con su talento especial, su visión del mundo, su personalidad, su físico, su estilo de vida y sus ideas. Como en la torre de Babel, los millones de particulares nunca coincidían en nada, ni en ningún pensamiento ni en ninguna acción conjunta ni en ninguna ideología. Todos hablaban lenguas distintas y era imposible que se pusieran de acuerdo en nada. Los filósofos medievales buscaron el universal, es decir aquello que compartían los millones de particulares y que podían reconocer como común a todos ellos y que los unía de alguna manera. Algunos filósofos encontraron este Universal en el Ser puesto que todos compartimos tener un Ser, otros lo encontraron en la Vida puesto que todos estamos vivos, otros en el interés común puesto que todos formamos parte de una sociedad y nos interesa que esta sociedad funcione, otros lo encontraron en la ideología política capaz de unir a muchos hombres en una lucha general, otros lo encontraron en el arte que podía emocionar a muchos hombres de naturalezas distintas, otros en la ciencia que desde Descartes y el método científico buscaba las verdades comprobadas y ciertas que todos los particulares pudieran aceptar, especialmente en la medicina que interesaba a todos que fuera efectiva. Los filósofos encontraron este Universal en la misma filosofía que es la única disciplina que permite a los particulares dialogar y argumentar sobre temas universales como la ética o el bien a pesar de no conocer cada filósofo las circunstancias internas de cada particular. Los músicos , por su parte y especialmente a partir del Renacimiento, buscaron una música que fuera más elevada que la música vulgar donde miles de trovadores cantaban y componían , cada uno según sus propias técnicas y trucos. A esta música se la ha llamado "clásica" desde entonces o académica porque es la que se enseña en los Conservatorios. Es una música que se considera una ciencia y está regulada por muchas reglas de composición, de armonía, de las formas musicales, de la teoría musical y de las técnicas de interpretación con los instrumentos. La música llamada "clásica" aspira a superar el caos que es la música popular con sus millones de particulares cada uno haciendo música a su manera, para reducir toda esa multiplicidad a unas pocas técnicas y reglas musicales , las más civilizadas, estudiadas y razonables. Como dicen los músicos populares, estudiar música en un Conservatorio es perder la libertad y entrar dentro de un corsé de reglas y técnicas obligatorias. Eso es precisamente lo que busca la música "clasica". Además, por un largo aprendizaje de muchos años, los músicos clásicos saben someterse a los dictados de las partituras y de los directores de orquesta sin caer en los enfrentamientos personales habituales en la música vulgar. Tampoco deforman sus manos y dedos por tocar durante años la misma pieza sino que al usar las técnicas más refinadas simplemente sus manos van adaptándose al trabajo requerido poco a poco y con los años de estudio. Por ello no se convierten en monstruos que han desarrollado unas manazas con las que pueden tocar cualquier cosa ( como el guitarrista de blues Robert Johnson que en los años 30 se retiró durante 6 meses a una cabaña para practicar con la guitarra sin descanso y cuando volvió tocaba con una facilidad que sus amigos llamaban "diabólica", como si hubiera vendido su alma al diablo para tocar así) y que por ello pierden de vista el valor de cada música porque han perdido la dimensión justa de lo que es tocar música. Los músicos clásicos también desconfían de aquellos músicos vulgares que explotan unos instrumentos más fáciles de tocar que los instrumentos de conservatorio y que por ello se permiten el lujo de tocar pasajes de la música clásica fácilmente hasta desvirtuarlos , cosa que también hacen con sus propias músicas porque al tocar con instrumentos fáciles de tocar que usan muchos efectos de sonido electrónicos, la música pierde valor y esos músicos vulgares se ven obligados a seguir manteniendo la atención del público a base de caer en el virtuosismo vacío y el exhibicionismo. La música clásica intenta evitar todos estos males , buscando instrumentos que sean difíciles de tocar ( pero no imposibles de tocar), que requieran varios años de estudio y con los cuales se pueda hacer música trabajada y no fácil ni futil. En los países anglosajones, especialmente Australia, hay una clara distinción entre la música clásica y la música popular. La música clásica se enseña en las Universidades y se la llama "ciencia musical" porque sus practicantes aspiran a saber qué es lo que están haciendo con cada nota que tocan, qué función tiene cada acorde y qué técnica en concreto están usando con cada movimiento de su dedo. Se estudia científicamente la composición de cada pieza , nota a nota . La música popular se enseña en los colegios de artes y oficios ( llamados TAFE en Australia) en dos años, junto a otros oficios como peluquero, mecánico, jardinero, contable. La enseñanza de oficios es muy práctica en Australia de manera que en solo dos años salen de esas escuelas miles de músicos que saben tocar desde jazz hasta country y muchos otros subestilos. En Inglaterra estas escuelas se llaman Art Schools y en ellas se enseña pintura, diseño, fotografía, música, confección. La mayoría de los músicos ingleses de rock han estudiado en estas escuelas ( por ejemplo los de Pink Floyd y de Yes). La musica popular es aceptada como actividad profesional en bares, pubs, discotecas, salas musicales ,shows de televisión. La música clásica solamente pueden trabajar en ella los que tengan la carrera de Ciencia Musical y sus lugares de trabajo son las óperas y salas de concierto. Al aceptar en esos países que existen estos dos tipos de música, la popular y la clásica, aceptan también que los hombres son en su mayoría irreducibles a ser cortados por un mismo patrón y que por ello siempre existirán millones de particulares, cada uno distinto y , por lo tanto, también existirá la música vulgar formada por millones de variantes que correspondan a los millones de particulares que la practican. Pero también se reconoce que existe la posibilidad del Universal , es decir, de encontrar aquello en lo que puedan estar de acuerdo millones de particulares: este universal puede ser el Estado moderno que provee de servicios a su población, puede ser una lengua común como el inglés o el español que permita a todos los particulares entenderse, al menos en asuntos prácticos, para evitar el efecto de Torre de Babel, puede ser una ciencia estable y comprobada en la que todos estén de acuerdo, puede ser una música elevada con cuyas reglas y normas estén de acuerdo sus practicantes y sus oyentes: es la música clásica. Curiosamente, no estamos oyendo ninguna declaración proveniente de los músicos clásicos contra internet y su música gratuita que está arruinando a los músicos populares. Y es que los músicos de carrera, de Conservatorio, están viendo con gran regocijo cómo se les acaba el chollo a los músicos populares que durante muchos años, desde la invención del gramófono, la guitarra eléctrica y los amplificadores, han dominado la música en los países, cantando sus cancioncillas llenas de recursos musicales impactantes para un público lerdo que llenaba estadios de fútbol para verlos cantar y que compraba en número de millones sus discos. Ahora los músicos populares, muchos de los cuales no saben música y cantan de oído, ya no venden discos y ya no ganan tanto dinero desde que existe internet y sus descargas ilegales de música. Es como una justicia que llega tarde para los músicos de Conservatorio, que se han pasado largos años estudiando para sacar su carrera de músico clásico, estudiando asignaturas de composición, teoría musical, técnica instrumental, dirección de orquesta, armonía, contrapunto para ver luego cómo músicos sin estudios ganaban mucho dinero haciendo cancioncillas para un público ignorante mientras ellos, los músicos de carrera, veían como las salas de conciertos de música clásica cada vez tenían menos público, así como las óperas y ellos se veían obligados a ganarse la vida trabajando como profesores de música en conservatorios y colegios. Durante muchos años los músicos de carrera se han quejado de esta situación injusta pero ningún gobierno ni ninguna legislación les ha atendido, cuando para los otros oficios y profesiones se pide un curso de esto o de lo otro para ser contratado por una empresa. En la música es la única actividad remunerada donde cualquier gil sin estudios puede cobrar por hacer un trabajo que en los otros oficios se considera intrusismo profesional ilegal. Ahora por fin los músicos de carrera están viendo cómo los músicos populares dejan de ganar tanto dinero por un trabajo que no lo vale y vuelven a ser lo que fueron en otros siglos, cantantes de taberna y de tugurios que cobraban cuatro duros por sus canciones. Y es que cuando aparece el invento del gramófono, hace ya más de 100 años , y después aparece el invento de la guitarra eléctrica en los años 30 con los amplificadores de gran potencia, la música entra en una crisis parecida a la crisis en la que entró la pintura cuando se descubrió la fotografía. Ya no tenía sentido pintar paisajes y retratos puesto que una fotografía los hacía mejores y en pocos segundos . Los pintores se vieron obligados a encontrar otros motivos para pintar. En la música ocurrió igual. Cuando se inventa el gramófono se puede escuchar cualquier pieza musical una y otra vez, sin necesidad de esperar varias semanas a que esa pieza musical vuelva a ser tocada por alguna orquesta en directo. Cuando se inventa la guitarra eléctrica y sus amplificadores, ya no se necesita una gran orquesta de 100 músicos para hacer mucho ruido e impresionar al público sino que con una sola guitarra eléctrica conectada a varios amplificadores se puede hacer todavía más ruido espectacular. Además , hasta entonces la guitarra clásica había sido un instrumento poco explotado debido a su pobre potencia sonaro, pero cuando aparece la guitarra eléctrica las inmensas posibilidades de la guitarra con todas sus sutilidades y matices son descubiertas por fin puesto que ahora el más mínimo sonido producido tocando la guitarra es amplificado y transformado por pedales de efectos. El mundo descubre un nuevo instrumento de posibilidades inmensas que hasta entonces había estado ocultado por la poca sonoridad de la guitarra española. Aparecen en estos 70 años de historia de la guitarra eléctrica cientos de virtuosos de ella que exploran y explotan alguna de sus miles de posibilidades de sonido y de ejecución. Aparece toda una serie de subestilos musicales creados expresamente para explotar alguna característica de la interpretación a la guitarra eléctrica. Al mismo tiempo se da también una confrontación entre los músicos "clásicos" y los nuevos músicos que aparecen especializados en tocar con estos instrumentos electrónicos, no solamente con la guitarra sino también con el órgano y el bajo. Hasta hace bien poco, los músicos "clásicos" renunciaban a tener nada que ver con la música "pop" y "rock" y ni tan solo con el "jazz" (Andrés Segovia no quería saber nada de la guitarra de jazz) por considerarlas músicas vulgares y ruidosas. Por su parte, los virtuosos que aparecen para explotar estos nuevos instrumentos electrónicos toman prestado de la música "clásica" una gran cantidad de frases, motivos, secuencias, acordes y páginas enteras que adaptan primero a la nueva música eléctrica popular y luego toman como punto de partida para crear sus propios temas musicales. Durante décadas los músicos "clásicos" y los nuevos músicos "pop" no se hablan. En ese estado de cosas aparece el "Concerto" de Jon Lord que intenta mostrar a una orquesta sinfónica y a un grupo de rock , primero peleándose y luego colaborando. Jon Lord simboliza como nadie este conflicto en la música de los últimos 50 años. Jon Lord tenía una formación clásica pero tocaba en un grupo de rock. Jon Lord tenía dos personalidades. Cuando prevalecía su personalidad "clásica" era un hombre caballeroso, civilizado, culto que podía componer piezas inspiradas en Bach , Stravinsky o Elgar. Cuando prevalecía su lado "rockero" se convertía en un tipo violento, vulgar, agresivo que podía pasarse mucho rato destrozando su órgano Hammond en un concierto con su grupo Deep Purple o tocando solos exhibicionistas. El conflicto interno de Jon Lord es un conflicto que han vivido muchos músicos en estos últimos 50 años. Jon Lord se inspiraba en lo que había aprendido tocando música clásica, para enriquecer las canciones de su grupo Deep Purple con acompañamientos de calidad. Pero no soportaba tener que tocar al piano la "Patética" de Beethoven en una sala de conciertos de música clásica y necesitaba salir de gira con su grupo de rock y tocar "rock and roll" como un loco. Miles de músicos de los últimos 50 años han vivido el mismo conflicto interior. A pesar de reconocer la superioridad de la música clásica, no podían evitar caer en la tentación de tocar los nuevos y maravillosos instrumentos electrónicos, que además eran mucho más fáciles de tocar y más divertidos. La disciplina muy rígida y la falta de libertad que caracterizaban a la música clásica y a la vida diaria en los Conservatorios saltaban por los aires cuando esos músicos se ponían a improvisar en un tema de jazz o de rock.

Cicerón

Figuras retóricas musicales

EL REINO DE LO RACIONAL Y LO IRRACIONAL Como decía el filósofo medieval Boecio, la música es el reino donde chocan lo racional y lo irracional. El músico es racional en tanto que sigue unas técnicas estudiadas al tocar, sigue una partitura y un ritmo y no puede equivocarse. Pero el músico es también irracional , sobretodo cuando improvisa o cuando compone, entonces se deja llevar por un "no-se-qué" llamado "inspiración" o "genialidad" pero que se parece más a los arrebatos de Dioniso, Pan o Orfeo. Es una irracionalidad sin explicación que los griegos antiguos intentaron formalizar con esos mitos de Dioniso, Pan y Orfeo y que Platón detestaba , a él le ponía enfermo todo lo que fuera irracional. El músico es irracional cuando decide qué acordes y qué notas componen su obra musical porque no sabe por qué escoge esas notas y acordes y tampoco sabe por qué esas notas y acordes van a gustar a su público. La música es el reino donde se relacionan la parte racional del hombre con su parte irracional. Siempre ha sido así y cada nueva figura de la música que aparece repite el mismo esquema: compone e interpreta música sin saber casi nunca cómo lo hace y su público la adora de una manera irracional y la elogia diciendo que es " genial". Al mismo tiempo, esta parte irracional de la música es también la responsable que en este negocio haya tan mal ambiente, tantas rencillas entre músicos, tantas envidias y tan mal rollo. La irracionalidad de los músicos los lleva al enfrentamiento y a la incompatibilidad entre ellos. Solamente se libran de estos males aquellos músicos de carrera que poseen además una sólida cultura general que les permite controlar, hasta cierto punto, esa parte irracional que tiene la música. Pero en los músicos "pop" falta esa sabiduría y los malos rollos surgen enseguida entre ellos porque este tipo de músicos no sabe casi nunca lo que está haciendo ni cómo lo está haciendo y en ese ambiente de irracionalidad, la discordia y las tensiones aparecen muy fácilmente. El infierno siempre ha sido concebido por los poetas como un lugar donde falta la razón y donde todos se odian por los más mínimos motivos. Ahora bien, si el músico es lo suficientemente fuerte para aguantar esas tensiones y ese mal ambiente, entonces se convertirá en una estrella de la música, una estrella de ese reino tan especial donde se enfrentan la racionalidad y la irracionalidad humanas, como decía Boecio. Quien no posea esas condiciones, que no se meta en ese negocio infernal.