La democracia musical Cubierta y diseño editorial: Éride, Diseño Gráfico Dirección editorial: Sylvia Martínez Primera edición: xxxxxxxxx, 2016 La democracia musical © Enrique Morata Senar © éride ediciones, 2016 Collado Bajo, 13 28053 Madrid © nuevosescritores, 2016 ISBN: Depósito Legal: Diseño y preimpresión: Éride, Diseño Gráfico Imprime: Cualquier forma de reproducción, distribución, comunicación pública o transformación de esta obra sólo puede ser realizada con la autorización de sus titulares, salvo excepción prevista por la ley. Diríjase a CEDRO (Centro Español de Derechos Reprográficos, www.cedro.org) si necesita fotocopiar o escanear algún fragmento de esta obra. EMILIO VALDIVIÉ La democracia musical

Introducción Si hay alguna actividad humana que sea especialmente proclive a los malos rollos y a los conflictos de todo tipo, ésa es la música. Quizás porque es en la música donde los humanos tenemos reacciones instintivas más rápidas, inmediatas y contundentes sobre si nos gusta una música o sobre si nos gusta un músico o no. Y el músico que toca en un escenario sufre rápidamente también la aprobación o el rechazo a su música y a su persona al ver la reacción del público, una reacción que casi siempre es una reacción no reflexionada sino totalmente instintiva y primaria. Por ello muchos grupos musicales y agrupaciones de músicos se llevan bienmientras ensayan privadamente, pero el día que salen a actuar en público puede que sea su último día como grupo si el público los acoge mal y los pita, porque no hay ninguna persona que soporte estar encima de un escenario haciendo el ridículo; por eso muchos grupos La democracia musical [7] se disuelven tras su primera actuación, si ésta resulta ser un fracaso, según la opinión del público asistente. En este oficio o entretenimiento parece que todos los problemas personales y malos rollos que se puedan dar en este mundo tienen que aflorar un día sí y otro día también. Es posible que la razón de esta característica tan molesta de la música y que lleva a todo tipo de malos rollos entre músicos y entre aficionados a la música, con partidarios y detractores de todo grupo musical o estilo musical y con todo tipo de comentarios maliciosos sobre los músicos y entre los mismos músicos de unmismo grupo que muchas veces se enzarzan en esos malos rollos por ver quién es el que tiene más éxito en la vida de entre ellos o el que gana más dinero, es posible que esta característica desagradable de la música sea debida al gran poder que tiene la música sobre la gente y sobre los mismos músicos que la tocan. Como observaron los primeros teóricos musicales griegos, al ver cómo cada tipo de música provocaba una reacción distinta en el público, ellos ya pidieron que se hiciera un uso moral de la música, para convertir a este arte en el más moral de todos, el que necesita más dirección moral porque es el arte que tiene más influencia, tanto inmediata como a posteriori, sobre la gente; así lo consideraron tanto Platón como Aristóteles. [8] EMILIO VALDIVIÉ 2 Características de la música vulgar La música es un trabajo donde con poco esfuerzo se consiguen grandes resultados, ya que no se tienen que mover ladrillos ni picar piedra durante horas, sino que tocando suavemente unas cuerdas o unas teclas se pueden conseguir grandes efectos musicales que impresionen a un público que casi siempre es lelo. Como ocurre con tantos otros trabajos que son un chollo porque con poco trabajo se puede conseguir mucho efecto, la música se vuelve un juguete codiciado por todos y con el que todos quieren jugar, porque es realmente un chollo que tocando música se logren cosas con poco sudor (aunque se necesite un aprendizaje de sus técnicas básicas). Como ocurre en todas las otras profesiones que son un chollo, la gente se pelea por controlar este chollo, por trabajar en este mundillo de la música y para que nadie más tenga oportunidades de hacerlo excepto unos pocos privilegiados, especialmente desde que aparecieron los instrumentos electrónicos, que son más fáciles de tocar que los instrumentos de los siglos pasados. La democracia musical [9] Además, cada año aparece un nuevo efecto de sonido o novedad que rápidamente alguien quiere explotar para ser el único que tenga el monopolio de tocar la nueva música que permite tocar el nuevo efecto de sonido o amplificador o un nuevo modelo de sintetizador. La aparición de los instrumentos electrónicos y de la amplificación ha supuesto que mucha gente que antes no se atrevía a tocar un instrumento difícil como el violín o el acordeón, ahora se atreva a comprarse una guitarra eléctrica y hacer música con sus amigos. Por ello el número de músicos ha aumentado enormemente y paralelamente a ello el número de conflictos personales y de malos rollos entre los músicos. Cuanto más fácil sea de tocar un instrumento y un estilo musical (como es el rock), más gente lo va a practicar y más competencia va a aparecer y, con ella, más malos rollos. En cambio, en otras épocas, cuando tocar un instrumento era duro y difícil, el mismo trabajo diario de ensayos y ejercicios al que tenían que someterse los músicos como rutina diaria, les quitaba el tiempo y las ganas de estar peleándose entre ellos por cualquier nimiedad. Cualquier nuevo subestilo que aparezca en USA o UK, enseguida aparece alguien en España que imita ese subestilo y quiere ser el único en España que pueda tocarlo. No olvidemos que gran parte de la novedad que supuso Jimi Hendrix allá por 1967 fue su uso de los nuevos amplificadores Marshall puestos al límite de saturación. Esta característica de la música como un arte, si no fácil, al menos de poca complicación, comparado con tantos otros trabajos [10] EMILIO VALDIVIÉ donde se requiere mucha fuerza física o grandes medios y materiales, por ejemplo con el trabajo de un escultor (y por eso hay tan pocos escultores y tantos miles de músicos), explica que tanta gente quiera dedicarse a la música y que luego quiera controlarla para ser cada músico el único que tenga oportunidades para tocar o para ganar dinero con la música. La democracia musical [11]

Las figuras de la música De esta manera nos encontramos que se dan todo tipo de malos rollos en el mundillo de la música, tanto en la música clásica como en la popular. Abundan los tiranos que quieren ser los únicos que controlen un mercado de productos musicales de un tipo de música en concreto, o que quieren controlar el mercado para ser los únicos que ganen dinero con esto o los únicos que vendan discos. Abundan este tipo de tiranos que se justifican ante su público diciendo que ellos son genios, que tienen condiciones superdotadas para cantar o tocar, ocultando al público que la música no es más que un oficio como los demás que se aprende con los años, si te enseñan bien su teoría y sus técnicas y que no tiene más secreto que ése, aunque los tiranos de la música siempre buscan presentarse ante el público lelo como unos genios únicos y unas figuras irrepetibles, cuando no son más que unos entrenados trabajadores de la música. También abundan los especializados en tocar solo un tipo de música que les dé mucho éxito, por ejemplo, las La democracia musical [13] rancheras mexicanas, y se especializan tanto en tocar esa música que con los años la tocan mejor que nadie al haber desarrollado una forma física y mental adecuada y especializada para ese tipo de música, pero no son ni genios ni figuras únicas en absoluto. Lo mismo ocurre en muchos subestilos del rock y de otras músicas populares donde abundan los súper-especializados en tocar o cantar de una manera determinada que saben tiene mucho éxito comercial, y tras años especializándose en tocar de esa manera, acaban dominando ese tipo de música y llegan a un nivel muy alto tocando esa música, aunque tocando otros estilos sean unos inútiles. Por eso el público, que siempre tiene tendencia a ser lelo y a no saber nada de música, no debería dejarse impresionar por músicos que se han especializado durante años en tocar un tipo de música muy concreta, porque todo lo que esos músicos puedan tocar en directo, por muy impresionante que sea, no es más que el producto de muchos años de especialización en tocar eso. Los músicos más sabios, que siempre son los de la música clásica porque saben de Historia del Arte y de muchas más cosas, saben que toda partitura exige un aprendizaje y un estudio para encontrar las técnicas más adecuadas para resolver los problemas técnicos que presenta cada partitura y que este trabajo se debe hacer ante cada nueva partitura. No hay más secreto para tocar cualquier música, y es mentira esa falsa imagen que ofrecen algunos músicos que se presentan como supermanes ante el público, como superdotados que lo pueden tocar todo, cuando en realidad solo saben tocar en un [14] EMILIO VALDIVIÉ estilo muy concreto en el que se han especializado, pues todo músico profesional sabe que cada partitura es distinta y debe estudiarse en detalle antes de poder tocarla bien, y no hay más secreto. La democracia musical [15]

Los productores vulgares También abundan, además de estos tiranos de la música, los individuos que no saben nada de música pero tienen gran visión comercial: son los productores, que no saben hacer otra cosa que tomar un grupo o artista y sus canciones para convertirlas en un producto comercial que se venda bien. Todos somos productores porque para ser un productor no se necesita más que poner, en las canciones de otros, todos los elementos que faltan para convertir a esa canción en un producto comercial. Todos somos productores cuando estamos ante el televisor escuchando algún cantante o grupo que actúe en un programa musical y pensamos: «A esta canción le falta esto o lo otro para convertirla en un éxito». Ser productor no tiene ningún mérito, todos somos productores porque todos vemos enseguida lo que le falta una canción para convertirla en un producto comercial. El productor esmuchas veces un ignorante que solo sabe tomar canciones de otros y ponerles todos los ingredientes que le pondría cualquier tipo vulgar para convertirla en una La democracia musical [17] canción comercial: cualquier tipo vulgar le metería másmarcha, un estribillo más pegadizo, una letra menos incómoda, más coros, orquesta, sección de vientos, un solo de guitarra a lo Steve Vai, extrema calidad de sonido lograda grabando en un estudio de grabación caro, un muro de sonido al estilo Phil Spector... todo esto lo sabe hacer cualquier tipo vulgar y es el trabajo que hacen los productores. Los productores han tenido tanto poder en la música popular que se ha hecho en los últimos 60 años que han acabado contagiando su vulgaridad a los mismos músicos de la música clásica, que ahora mismo también piensan en la música como un asunto de conseguir fabricar un producto musical que se venda. [18] EMILIO VALDIVIÉ 5 Demasiados músicos clásicos Las actuales generaciones de músicos clásicos han tenido la mala suerte de criarse escuchando los grandes productos musicales fabricados en los años 60 y 70, como los de Pink Floyd, porque sus padres ponían esos discos en sus casas y de esta manera han aparecido varias generaciones de músicos clásicos que sienten, como los músicos de la música popular, la presión de tener que tocar algo que sea un éxito o que sea un producto musical de impacto; por eso nos encontramos ahora con tantos músicos clásicos que tocan versiones de Hendrix o Beatles o Pink Floyd pero tocando con violonchelos y violines o de orquestas sinfónicas que tocan versiones orquestales de canciones de Bowie o de Queen. El problema actual que tienen los músicos clásicos es que son demasiados, cada año se licencian miles de nuevos músicos con toda la carrera de conservatorio, todos ellos son compositores también, y tienen los conocimientos y el oficio para escribir sinfonías, óperas y música de película. Pero vemos que solo hay mercado u oportunidades para unos pocos compositores y músicos clásicos, los que tienen éxito. La democracia musical [19] En Cataluña puede haber perfectamente ahora mismo miles de compositores de carrera que componen sus sinfonías y operas que nadie quiere escuchar ni quiere estrenar, no encuentran pianista u orquesta sinfónica que quiera tocar sus obras, sea porque sus obras sonmalas copias de obras de otros compositores del pasado, sea porque son obras sin interés o sea por lo que fuere. De manera que de los miles de compositores titulados que hay ahora mismo en Cataluña, solo tres o cuatro pueden estrenar y tener éxito, por ejemplo Albert Guinovart. Ello lleva a una frustración entre los otros miles de músicos de carrera que nunca podrán estrenar sus obras y, consiguientemente, a un estado de mal rollo entre los mismos músicos de carrera. El éxito es buscado por todos los músicos pero depende de toda una serie de circunstancias que son muy difíciles de controlar. Depende sobre todo del gusto del público de la época: el público del siglo XIX quería escuchar óperas románticas, el público de principios del siglo XX quería escuchar zarzuelas, el público de los años 30 quería escuchar tangos, boleros y coplas, mientras que el público actual está muy influido por el rock y solo quiere escuchar música que sea espectacular, impresionante y de gran impacto inmediato y primario. En la música popular todos sus músicos también buscan el éxito pero solo hay mercado y oportunidades para unos pocos grupos y cantautores. Nos encontramos que la música es el arte más popular que existe, en el sentido de que es el arte que practica más [20] EMILIO VALDIVIÉ gente puesto que podemos encontrarnos en cada ciudad con miles de grupos musicales de todos los estilos, con miles de guitarristas eléctricos y con miles de cantautores, aparte de otras formaciones musicales de tipo folk y de música étnica, pero solo hay mercado y posibilidades de trabajo para unos pocos elegidos de entre ellos. La democracia musical [21]

Igualdad de oportunidades para todos Es evidente que no hay espacio ni posibilidades para que todos los miles de ciudadanos que hacen música tengan sus diez minutos de gloria para tocar lo que quieran ante un público o en una televisión. Y, sin embargo, la mayoría de los que hacen música quiere tocar en directo, porque tocar tu propia música sobre un escenario es una de las grandes experiencias que pueden haber en la vida y no se le puede negar a nadie el derecho a hacer música y a tocar en un escenario, al menos una vez en la vida o una vez al año. La música es el arte más popular y más democrático ya que todo el mundo puede hacer música, pero al mismo tiempo también es el arte que da más dinero a unos pocos tiranos de la música que quieren monopolizar el mercado para enriquecerse ellos solos. Si viviéramos en una sociedad realmente democrática e igualitaria, todo el mundo debería poder hacer música y tocarla en público. De la mismamanera que cada año hay maratones y medias maratones donde los atletas que se han entrenado todo La democracia musical [23] el año tienen la oportunidad de correr en carrera por la ciudad, en número de 10.000 ó 20.000, puesto que correr es otra actividad muy popular también, de la misma manera todos los que hacen música en una ciudad deberían tener la oportunidad de tocar en su ciudad al menos una vez al año en ocasión de alguna feria musical donde pudieran tocar todos los músicos por las calles de la ciudad, como ocurre en Cardedeu. O bien, al menos, que las televisiones locales permitieran que TODOS los músicos de la ciudad aparecieran en su programación, tocando en directo al menos una canción. Ahora mismo esto no sucede porque los dirigentes de las televisiones locales solo dejan tocar allí a sus grupos favoritos. Los malos rollos en la música aparecen casi siempre porque hay alguien que se cree que es un genio, cuando en realidad solo sabe tocar alguna cosa que le sale muy bien, y ese alguien decide que él es el único que puede hacer música y ganar dinero con ello y empieza a comportarse de una manera mafiosa con los otros que hacen música, difamándolos, deprimiéndolos, dejándolos fuera del negocio con muchas tretas sucias, con sus managers que sobornan a directivos de televisión para que solo puedan tocar en televisión ellos, y con muchas otras maneras sucias de quitarse a la competencia de encima para monopolizar este negocio musical. Así ocurre en Cataluña, donde vemos desde años cómo las pocas posibilidades de tocar y de salir en TV 3 se las quedan los grupos y artistas catalanes independentistas, [24] EMILIO VALDIVIÉ agrupados en torno a la revista E., que es su órgano de propaganda, donde se reúnen todos los grupos independentistas privilegiados para controlar todo lo que se pueda hacer en Cataluña en ese campo. Lo mismo ocurre en Madrid respecto a los grupos tipo A., o como R. F., que durante tantos años controlaron lo que se hacía allí con la connivencia de locutores de radio que los promocionaban constantemente, a pesar de sus deficiencias musicales. La democracia musical [25]

Los impresentables de la música En cualquier lugar donde vayas, siempre te encuentras con el listillo que quiere controlar lo que se haga en su ciudad en este asunto, quiere ser él el único que pueda organizar conciertos y decidir quién toca y quién no toca según sus gustos y caprichos personales. En cada ciudad hay un listillo de este tipo o un grupo o artista OPORTUNISTA que no deja que nadie más que él pueda tocar allí. Y es que la música es una actividad donde es muy fácil que cada grupo musical o artista intente ser él el único que tenga éxito y gane dinero con esto mientras impide que los otros puedan tocar o puedan tener oportunidades. En la música actual en España se infringen muchos artículos constitucionales, como el derecho al trabajo, a la igualdad de oportunidades y la no discriminación para los mayores de 35 ó de 50 años. Efectivamente, hay gente que cree que la música popular es solo para jóvenes y que ve mal que gente de más de 35 años toque rock, pero al mismo tiempo no se queja La democracia musical [27] de que haya gente de 70 años que toque jazz en público, porque parece que para tocar jazz no importa si se tienen más de 50 años. En España queda mucho por hacer para regularizar el trabajo de los músicos y para impedir los monopolios y las mafias. Luego hay los de un famoso programa de televisión conocido por todos que se creen que para hacer música hay que ser guapo y que solo los guapos como ellos pueden hacer música, cuando la música, como cualquier otro arte, está abierta a todo el mundo y puede practicarla todo el mundo. Los de ese programa de televisión han impuesto en España en los últimos años un tipo de músico vulgar, imitador de Whitney Houston y de Mariah Carey y sus histrionismos musicales, un tipo vulgar que hace casi siempre canción comercial, muy promocionado por astutos productores. Los de ese programa de televisión han hecho tanto daño como para dejar en la cuneta a los que no son guapos, pues según los gustos de la generación que se ha criado escuchando a los de ese programa de televisión, hay que ser guapo para dedicarse a esto. Además esta generación criada escuchando a ese programa de televisión cree que solo existe un tipo de música, la que ellos hacen, es decir la canción comercial, y no se ha enterado de que existen otros estilos, como los que tocamos nosotros que no queremos hacer música comercial. Y es que en la música siempre hay diferencias de gustos, es muy difícil encontrar dos personas que les guste lo mismo, el mismo disco, el mismo estilo. Hay millones de [28] EMILIO VALDIVIÉ opiniones distintas sobre cada músico y a algunos les gusta una canción y a otros les gusta otra. Por eso, porque es tan difícil la unanimidad en las opiniones sobre música, es por lo que es necesario que todos los grupos musicales y músicos en general tengan las mismas oportunidades para tocar y que no dependan de los caprichos del concejal de Cultura de su ayuntamiento para ser contratados ni de los caprichos del locutor radiofónico o del periodista musical que escribe en su periódico local. Hay que decir además que la mayoría de los que se dicen críticos musicales no tienen ni idea de música ni saben tocar nada y sus escritos en los periódicos son propios de fans que se dejan llevar por sus a priori musicales, es decir, por sus gustos privados. No existe una verdadera crítica musical actualmente, ni tan solo en las revistas de música clásica, no existe una auténtica crítica musical que analice las obras de cada artista compás a compás. Solamente encontramos una verdadera crítica musical en los libros y revistas de Historia del Arte. Luego tenemos el «lobby» del jazz, que siempre considera que su música es superior a las demás por su dificultad técnica o por lo que sea, cuando muchas veces los grupos de jazz son lo más manido que existe, siempre tocan los mismos estándares de jazz y siempre usan las mismas escalas de jazz en sus solos, que siempre van por el mismo sitio. Los del jazz controlan muchas salas y bares musicales en Cataluña, de manera que allí solo pueden tocar ellos, los que hacen jazz. La democracia musical [29] Además también controlan muchas escuelas de jazz, que ellos llaman malintencionadamente de música moderna, cuando allí lo único que enseñan es a tocar jazz, siendo estas escuelas casi siempre una copia de Berklee, que además no es la mejor escuela de jazz de USA, sino la peor, pues hay otras escuelas bastantes mejores, como las vinculadas a MelBay. Los supuestamente titulados en música moderna que salen de esas escuelas de jazz solo saben tocar jazz y además son muy creídos cuando lo único que saben realmente es un montón de acordes de jazz y de escalas de jazz. Desde luego su titulación no se puede comparar en absoluto con la de un músico de carrera de conservatorio. [30] EMILIO VALDIVIÉ 8 Los músicos malintencionados Entre los músicos del jazz, los del jazz-rock y los que practican heavy extremo es muy frecuente el tipo de mal músico que se cree que la música solo es un asunto de técnica, de tocar escalas lo más rápido posible para impresionar a un público lelo. Este tipo de mal músico es muy frecuente y es además humanamente un tipo muy creído y enloquecido que se cree que es un genio. Pervierte al público lelo que acaba creyendo que hacer música es hacer lo que hacen estos músicos: un mero espectáculo de circo con los dedos. Nosotros creemos que la música es el arte más popular y democrático en el que existe oportunidad de poder hacer música y de presentarla en público. Creemos en una concepción igualitaria de lamúsica donde todo el mundo pueda tocar y disfrutar de este entretenimiento que se hace con los sonidos y que llamamos música. Aquellos músicos que se creen genios aspiran a ser los únicos que puedan tocar y ganar dinero, son nuestros La democracia musical [31] enemigos naturales y siempre buscarán hacer una música que impresione a un público lelo. Pero nosotros sabemos que este tipo de músico exhibicionista ya existía en la antigüedad. Había músicos que deformaban sus dedos y su cuerpo para poder tocar pasajes muy difíciles o rápidos que impresionaran al público, lelo, y para llevarlo a una locura irracional de tipo dionisíaco. Platón no soportaba a este tipo demúsico demagogo (en el sentido de que era un demagogo porque tocaba para satisfacer los instintos más bajos del público y se convertía en esclavo o marioneta de su público pues tocaba lo que le hacía tocar su público), y Platón ordenaba que se hiciera una música más pura y elevada, la música que se tocaba en las tragedias griegas (que eran una ceremonia religiosa griega). Desde entonces, la música religiosa se ha apropiado de las formas musicales y recursos musicales más elevados o puros o refinados para producir una música que fuera lo menos vulgar y hedonista posible (aunque resultara unamúsicamuy aburrida y sosa, desprovista de ningún timbre ni sonido que pudieran resultar excitantes), y es la música religiosa que se lleva tocando en las iglesias y catedrales desde hace siglos. Parece que el conflicto entre una música vulgar hecha para satisfacer los sentidos del público de la manera más primaria, recurriendo a todo tipo de exhibicionismos instrumentales, siempre estará en guerra contra otro tipo de música que quiere ser más elevada y más pura, y que a veces hemos conocido como la «música clásica» y otras veces como la «música religiosa». [32] EMILIO VALDIVIÉ Este conflicto entre la música vulgar y la música culta parece que va a durar muchos siglos más, y desde luego en nuestra época vivimos una predominancia de la música vulgar sobre la música culta, debido a la aparición de instrumentos electrónicos fáciles de tocar y que producen una gran cantidad de sonidos voluptuosos. La democracia musical [33]

Los imitadores simiescos Es típico en España que aparezca un grupo que se ponga a imitar al grupo de moda en USA o UK, copiando sus canciones y su estilo a base de escuchar muchas veces sus discos o por comprarse sus partituras y estudiarlas. Estos grupos de imitadores no deberían tocar en público excepto como «bandas tributo», porque no son más que imitadores que, muchas veces, enloquecen al tocar la música hecha por otros y acaban creyendo que esa música la han compuesto ellos mismos, cuando solo son imitadores. La imitación siempre es peligrosa para la salud mental porque lleva a la gente a creerse que es Elvis o Sinatra o Madonna. Como decía Platón, hay que imitar la realidad, que es en sí misma una imitación de las ideas inteligibles, y no hay que imitar a otro artista, porque entonces estás imitando a una imitación, y tu imitación siempre será más degradada que la primera imitación del artista que estás imitando. Es mucho más fácil tocar versiones que crear canciones propias, por eso hay tantos grupos que hacen versiones. La democracia musical [35] Además, muchos grupos que tocan versiones lo hacen porque tocando canciones famosas saben que tendrán el éxito asegurado, mientras que si tocan sus canciones propias, es muy probable que nadie les escuche. Aun así, no tenemos ninguna objeción para que el típico grupete de amigos de la infancia que se ha comprado unas guitarras y unos amplificadores se dedique a pasarlo bien tocando algunas versiones de siempre, como Highway to hell. Siempre que no pierdan de vista que solo son imitadores, pero nadie les puede impedir que sientan el placer que se obtiene al tocar esas canciones tan potentes y famosas. La mayoría de la gente sueña con poder tocar Highway to hell y el repertorio de canciones famosas que suenan cada día por la radio y en los karaokes y que tocan los grupos de versiones. Pero hay que advertirles que toquen esas canciones SOLO para divertirse y nunca creyéndose que esas canciones las han hecho ellos, pues éste es el error en el que caen muchos grupos de versiones. [36] EMILIO VALDIVIÉ 10 La moralidad de la música Hemos hablado del carácter moral que tiene la música por encima de otras artes. Pero esta dimensión moral de la música no se entiende solamente referida a sus efectos sobre el público, sino que se extiende también a sus efectos sobre los músicos que tocan juntos en un grupo o coral u orquesta. Conocemos muchos casos de grupos musicales compuestos por virtuosos que se odian entre ellos porque todos tienen un ego hipertrofiado y compiten entre ellos mismos dentro del grupo para ser el componente del grupo más brillante tocando o el favorito del público; en este tipo de grupos el ambiente de trabajo acostumbra a ser infernal, con el grupo dominado por un músico que es un dictador insoportable y odioso o con todos los músicos peleados por ver quién en es el mejor del grupo. En cambio, también existen grupos que son todo lo contrario, tocan una música más sencilla y menos compleja, pero dentro del grupo hay un buen ambiente entre todos los músicos y no hay malos rollos. La democracia musical [37] La dimensión moral de la música afecta también a la vida interna de esas extrañas criaturas que son los grupos musicales, donde es necesario elegir entre tener un grupo lleno de virtuosos que hagan una música de gran dificultad pero odiándose entre ellos, o si es mejor hacer una música más simple pero con un buen ambiente de trabajo en el grupo, es decir, si es moralmente mejor tener un grupo donde no haya malos rollos cada día por cualquier motivo. Nosotros creemos que es moralmente mejor un grupo de este segundo tipo, aunque sea incapaz de tocar obras de gran dificultad, aunque no tenga éxito, aunque no impresione a un público lelo siempre ávido de novedades musicales que lo conmuevan. Se ha de elegir entre tener un grupo musical lleno de bastardos que están a matar cada día y que se fastidian unos a otros en cualquier ocasión y practican el mobbing unos sobre los otros pero que tocan de una manera espectacular en el escenario o entre un grupo más modesto peromásmoral, que no vaya a estafar a la gente tocandomala música llena de exhibicionismos vacíos, donde se trabaje haciendomúsica con unas buenas condiciones de trabajo, y no con broncas y peleas cada día, sino con buenas condiciones de trabajo, como exigiría cualquier trabajador de cualquier empresa de un país occidental en nuestra época. Asimismo, hay que elegir si es más moral hacer discos perfectos donde todos sus detalles sean perfectos, desde la primera hasta la última nota, con un sonido perfectamente grabado, con interpretaciones perfectas y con canciones retocadas una y otra vez hasta conseguir que sean un producto musical perfecto, tras cientos de horas pasadas en un [38] EMILIO VALDIVIÉ estudio de grabación para repetir una y otra vez las tomas hasta conseguir que queden grabadas las mejores, al coste de que tras tantos cientos de horas grabando y regrabando partes de las canciones, todos se acaban odiando en el estudio de grabación, desde los mismos músicos entre sí hasta los productores y los técnicos de sonido, o si es mejor un disco hecho tal y como sale, grabado en pocas tomas o en directo en el estudio, sin muchos instrumentos grabados en pistas por encima, sin buscar tocar el solo perfecto ni hacer la canción perfecta ni el disco perfecto, sino simplemente hacer un disco como se hacía hace 80 años, cuando se reunían en un estudio de grabación sencillo el músico y sus acompañantes u orquesta y grababan en directo 30 ó 40 canciones en un día. Así lo hacía Carlos Gardel en Barcelona en los años 30. Hay que elegir qué es moralmente mejor, si un disco perfecto como tantos que se hicieron en los años 70 por gente como Pink Floyd para que fueran productos musicales perfectos y vendieran millones de copias, pero al coste de acabar todos los que hicieron ese disco odiándose entre sí (en parte como castigo por buscar la extrema perfección), o si es mejor moralmente hacer un disco sin abusar de las pistas de grabación ni de los muchos trucos que ofrece un estudio de grabación actual, simplemente grabando las canciones y nada más, para así salvar la buena relación entre los músicos y para que no se vuelvan locos buscando la extrema perfección. Porque la dimensión moral de la música no solamente se entiende en su efecto sobre el público, sino también La democracia musical [39] en su efecto sobre los mismos músicos que la tocan. Hay músicas que vuelven locos a sus intérpretes y hay otras músicas que los vuelven dulces. Hay músicas que promueven el compañerismo y la buena relación entre los músicos y hay músicas que llevan a los músicos al enfrentamiento. [40] EMILIO VALDIVIÉ 11 Los músicos de botellón Hablemos ahora de un tipo de grupos musicales que ahora son bastante mayoritarios en Cataluña, son los grupos que hacen música «de botellón», es decir, música para pasarlo bien toda la noche brincando y saltando. Este tipo de grupos hace una especie de canción comercial catalana, o canción del verano cantada en catalán, y ahora mismo hay cientos de estos grupos por toda Cataluña y todos tocan parecido. Los ayuntamientos tienen tendencia a contratar a este tipo de grupos porque creen que sin ellos su fiesta mayor de la villa no va ser un éxito. Este tipo de grupos está condenado a tener una vida corta, de uno o dos años porque están de moda durante ese tiempo y luego el público y los ayuntamientos se olvidan de ellos y contratan al nuevo grupo que haya surgido en esos dos años y que haga esa música de «botellón». De la misma manera que hace 30 años parecía que cualquier pueblo de Cataluña tenía que contratar a un famoso grupo de tres payasoscantantes catalanes para que su fiesta mayor fuera apreciable, ahora los ayuntamientos contratan a estos La democracia musical [41] grupos de música de botellón, de canción del verano cantada en catalán, porque si no, les parece que no están a la moda. Son frecuentes también los grupos que están pendientes de lo último que ese está haciendo en USA o UK y se ponen a copiarlo aquí; por ejemplo, esto pasó mucho con el estilo «indie» de los años 90, y este tipo de grupos «a la mode» tratan a los otros músicos que tocan otros estilos como viejos y anticuados que tocan estilos pasados de moda. Este tipo de listillos no se da cuenta de que en pocos años ellos serán los anticuados y los olvidados porque habrán aparecido otros grupos nuevos que estarán imitando a los nuevos grupos extranjeros de moda. Así les ha pasado a los de la moda «indie», ahora mismo pertenecen ya al pasado, a los años 90, están anticuados y gastados. Lo peor de todo es que siempre hay algún periodista de los que escriben en los periódicos locales que se pone a hacer el juego a esos grupos de moda en la ciudad y mientras los alaba, denigra a los otros grupos a los que llama ya viejos. Es muy típico este tipo del periodista que no sabe nada de música pero que escribe crónicas musicales en el periódico local y siempre se pone del lado de los grupos más nuevos y de última moda de la ciudad mientras margina a los grupos ya anticuados. [42] EMILIO VALDIVIÉ 12 Los vendedores de sonido Luego tenemos a los vendedores de sonido hiperrealista, es decir, aquellos músicos, muchas veces provenientes del jazzrock, que se han comprado equipos de sonido y amplificadores de la máxima calidad y tocan con ellos en público, vendiendo, más que música, la altísima calidad de sonido de sus amplificadores. Este tipo de músicos muchas veces toca poca música pero suena tan bien que convence y atrapa enseguida a su público, que cae a sus pies cuales ratones ante el flautista de Hamelin. La llegada en los últimos 20 años de equipos de sonido hiperrealistas (es decir, que consiguen una calidad de sonido tan alta que está por encima de lo que el oído humano capta normalmente, pues nuestro aparato auditivo nunca oye con esa altísima calidad de sonido) ha convertido a muchos grupos del montón en grupos con éxito, porque venden más calidad de sonido que música. Lo mismo ocurre con los estudios de grabación actuales: consiguen una calidad de sonido altísima, de manera La democracia musical [43] que cualquier grupo que en directo suena como tantos otros, cuando se mete en uno de esos estudios de grabación caros, allí consiguen que ese grupo suene en disco con una calidad que es engañosa, porque es producto de las técnicas que se utilizan en un estudio de grabación y de sus nuevos aparatos que dan tanta calidad de sonido, además del añadido de muchos instrumentos en muchas pistas a la música del grupo, tales como una sección de vientos y coros. El público se acostumbra mal a escuchar solamente lo que tenga una calidad de sonido altísima y no aprecia ni presta atención a los músicos y grupos que tocan como siempre se ha tocado, con dos amplis y poco más. [44] EMILIO VALDIVIÉ 13 Los músicos viciados Luego hay los viciosos de un estilo o subestilo musical que solo aceptan tocar y escuchar música de ese estilo y no soportan ninguno de los otros estilos, que difaman y desvalorizan: esto es muy corriente entre los músicos de jazz y de heavy extremo, ambos son tipos de músicos que fácilmente se vician en tocar solo su estilo y en los lugares que controlan no dejan que se toque o se enseñe nada más que el estilo que a ellos les gusta, el que les conviene o el estilo en que se han viciado. Así pasa donde el jazz es la música dominante, y se nos mete jazz a la fuerza todo el año por todas partes, siempre jazz, jazz y más jazz. Como todo músico, tiene tendencia a viciarse en tocar el estilo para el cual se ha entrenado más años o para el cual tiene más facilidad natural, cuando este músico se ha viciado en un estilo, obliga a los demás a tocar y escuchar ese estilo aunque no quieran. Los legisladores, políticos y responsables deberían tener en cuenta este factor de enviciamiento propio de todo La democracia musical [45] músico para impedir que un solo estilo musical sea dominante en una ciudad o en un lugar, para impedir que ese estilo ahogue y mate a los otros estilos y para dar igualdad de oportunidades a todos los músicos, practiquen el estilo que sea, sin que uno de ellos asfixie a los demás con su mayor presencia, su mayor recepción de ayudas y subvenciones y sus mayores oportunidades para ser tocado en público. [46] EMILIO VALDIVIÉ 14 Por la democratización de la música Nosotros estamos a favor de que todos los ciudadanos del país puedan hacer música y puedan tocarla en público, y estamos en contra de los tiranos de la música que solo quieren tocar ellos y tener oportunidades ellos para ganar dinero. Estamos a favor de una verdadera democratización de la música, de manera que todos los ciudadanos puedan tocar y hacer música. Ahora mismo, tenemos al vulgo que no sabe nada de música y para quien la música es solo un asunto de unos compositores, cantantes y grupos musicales que deben encontrar melodías, secuencias musicales y canciones que sean exitosas, excitantes, alegres, agradables, fuertes, sentimentales, de impacto o que remuevan sus tripas. Para el vulgo la música no es más que eso. Si la música fuera solamente eso, no se diferenciaría de un espectáculo de fuegos artificiales o de un arte menor como la gastronomía o la jardinería, que producen sensaciones placenteras, inmediatas y breves. Si la música fuera solamente eso, entonces no sería un arte, sino que sería más bien un oficio parecido al diseño La democracia musical [47] industrial mediante el cual se diseñan productos musicales industriales para vender unos productos hechos con melodías y acordes. Afortunadamente los historiadores del arte, los filósofos del arte, los musicólogos y los analistas de la música saben que la música es muchas más cosas y así la estudian como un gran arte con muchas implicaciones en innovaciones técnicas en la teoría musical y con implicaciones históricas y sociales. Pero el vulgo no sabe nada de Historia del Arte. Por eso decimos que el mejor músico es el que tiene la carrera de conservatorio, además sabe de Historia del Arte y tiene una cultural general amplia, lo cual le permite tener un conocimiento correcto acerca de qué es lo que está haciendo cuando compone o toca música y, al mismo tiempo, su gran cultura le permite acceder también a un distanciamiento respecto al poder de la música, ese poder que tiene la música para endiosar a la gente que la toca y que no posee una gran cultura para no caer en ese error. [48] EMILIO VALDIVIÉ 15 El músico vulgar Todos sabemos que la música popular está llena de gente que se cree que es un genio solo porque sabe cantar y componer unas cuantas cancioncillas sencillas de cuatro acordes con melodías de cuatro notas. O porque toca con su instrumento escalas muy rápidas. El músico de carrera con gran cultura nunca cae en ese error tan propio de los malos músicos porque su gran cultura le hace tener una correcta apreciación de lo que es la música. Pero el músico vulgar se cabrea cuando se le recuerda que no sabe casi nada de música ni de teoría de la música ni del arte y es que este músico vulgar, para saber realmente lo que está haciendo, debería estudiar en un conservatorio y en un departamento de Historia del Arte. El músico vulgar se cabrea cuando se le recuerda esto porque se ha montado su vida como unmúsico popular que es un genio, cuando en realidad es un ignorante que no sabe lo que está haciendo. Por eso hay tantos músicos vulgares que atacan agresivamente a los que tienen la carrera de conservatorio y los La democracia musical [49] estudios de Historia del Arte, no tanto como dicen ellos porque estos músicos vulgares no han tenido el dinero o las posibilidades de estudiar esas materias (que es mentira porque hoy en día se puede estudiar de todo), sino porque los músicos de verdad, los científicos de la música, les desmontan su tinglado que se habían montado estos músicos vulgares donde se creían que eran genios, solo por tocar unas cancioncillas sencillas, demostrando que solo son músicos como tantos otros. Por eso todos los músicos vulgares hablan mal de los músicos de carrera y de los historiadores de la música, porque nosotros les anulamos sumontaje musical al denunciar que realmente lo que están tocando o componiendo son solo cuatro notas y cuatro acordes, tocados con instrumentos electrónicos que son fáciles de tocar, o sobre el caso del cantautor que ha compuesto 100 canciones con su letra y música y se cree que deja una «gran obra», cuando lo único que va a dejar para la posteridad son exactamente cien cancioncillas y nada más, como tantos otros millones de cantautores con sus millones de canciones por todo el mundo. Por eso el músico de carrera difícilmente se vuelve engreído, a diferencia de los músicos vulgares, porque el músico de carrera sabe mucho más de todo que el músico vulgar y no cae en ese error. [50] EMILIO VALDIVIÉ 16 Los falsos baterías Entre los músicos vulgares, los baterías son siempre los que se vuelven más engreídos, solo porque saben tocar cuatro redobles muy rápidos. En efecto, la mayoría de los baterías no son auténticos músicos, sino que solo saben aporrear unos tambores y no saben tocar ningún otro instrumento, ni componer canciones, ni escribir letras ni cantar ni nada. Pero los falsos baterías se vuelven muy creídos y empiezan a decir aquello de: «Yo soy un batería muy bueno y no toco la mierda de canciones que hacéis vosotros, yo solo toco canciones buenas», con lo cual boicotea el progreso musical en ese grupo, al no dejar que los verdaderos músicos del grupo desarrollen su estilo y sus canciones, y lleva a ese grupo a su disolución, con su típica postura de batería intransigente y estúpido. Este tipo de batería engreído es muy frecuente y no se da cuenta de que el verdadero batería es un músico que toca otros instrumentos, sabe componer, cantar, contribuye a La democracia musical [51] desarrollar la música y el estilo del grupo y además sabe música. Pero de estos baterías que son auténticos músicos hay muy pocos. [52] EMILIO VALDIVIÉ 17 El arte clásico En los libros de filosofía del arte se nos explica que los antiguos griegos y romanos ya encontraron la fórmula, por llamarla así, de un arte clásico, es decir, del mejor arte posible, y esta fórmula habla de una imitación de todo lo que vemos en este mundo creado. Así, el gran arte clásico debería imitar la armonía que hay en el mundo, la proporción, el uso de los mejores materiales, la funcionalidad de ese arte para que sirva a los mejores propósitos, debería estar hecho con la mejor y más desarrollada técnica, con una euritmia o el mejor ritmo posible en sus movimientos. El gran arte clásico quiere usar todos los recursos propios de cada arte, en este caso todos los recursos que nos ofrece la música, desde las modulaciones hasta la construcción de las melodías, de armonías, de cadencias instrumentales, arias cantadas, gran orquesta y pequeños grupos instrumentales, muchas formas musicales y muchas tradiciones musicales distintas según los países: todos estos recursos musicales deberían ser usados con una proporción demanera que La democracia musical [53] todos ellos aparecieran en la obra musical sin que hubiera un exceso de alguno de los recursos musicales; por ejemplo, sin un exceso de escalas tocadas muy rápidas, como les gusta a los que tocan heavy extremo, pues una obra así, con esa desproporción en los recursos musicales usados, sería como unmonstruo desproporcionado y causaría en el público una mala influencia, como ocurre exactamente en la música heavy extrema donde todo son escalas tocadas a mil por hora con la máxima distorsión posible. Eso no puede ser bueno para ningún público ni para ningún músico. Tampoco es proporcionada una música donde todo son improvisaciones, como es el jazz. Toda obra que esté fuera de medida, de armonía, de proporción, de euritmia, causa en el público una mala influencia y así lo consideraron los teóricos musicales antiguos como Arístides Quintiliano, uno de los primeros en estudiar el gran poder que tiene la música sobre la gente. Los cánones de belleza artística clásica han sido seguidos por todos los grandes artistas en estos últimos 3.000 años, a veces aportando algunas innovaciones y otras veces haciendo una interpretación superficial de la teoría artística griega clásica, como les pasó a los neoclásicos del siglo XVII, que solo entendieron unas pocas cosas de esos conceptos griegos y de la mitología griega y dejaron tras de sí una mala imagen de lo que era la Grecia Antigua, una imagen neoclásica un tanto tonta. Todo artista que no quiera hacer monstruosidades desproporcionadas debería ajustarse a los conceptos griegos [54] EMILIO VALDIVIÉ antiguos sobre cómo debería ser una obra de arte de acuerdo con la concepción de los griegos antiguos sobre lo que veían que era el mundo. Todo artista debería buscar la proporción en todos los recursos propios de su arte que utilice, sin que destaque más un recurso sobre los demás. El artista que lograra una mejor proporción de todos los recursos técnicos de su arte sería el mejor y el más divino, entendiendo que los dioses construyeron este mundo según los mismos conceptos de la proporción y la armonía de elementos y que el artista aspira a imitar la creación de los dioses, en su obra propia (sobre estas cuestiones, ver: GötzPochat,Historia de la Estética, Editorial Akal, 2008, pag. 61 y pag. 69). Para Aristóteles, el arte siempre imitaba a la naturaleza. Esto quiere decir que los que tocan heavy están poniendo en música simplemente el funcionamiento de sus músculos y de su cuerpo en una situación de excitación o de esfuerzo físico, los que tocan muchas improvisaciones y «fillins» en las canciones lo que están poniendo en música son las conexiones neuronales de su cerebro y la agudeza de sus ideas y, en general, todos los que hacen música quieren exteriorizar con sonidos alguna particularidad que posean en su personalidad, en su cuerpo o su mente, como la elegancia, la simplicidad, el gusto por la complejidad, su clase, sus ganas de tejer entramados musicales o sus ganas de brillar como les pasa a tantos grupos de «botellón» que ponen en música su juventud, su brío y su vigor. La democracia musical [55]

El rockero vulgar Para un rockero de nuestro tiempo que solo está interesado en producir música lo más primaria posible que remueva su estómago y le excite, como quería Nietzsche, y que solo busca tocar música en un escenario para sentirse un dios cuando toca canciones muy poderosas o cuando toca solos de guitarra a mil por hora y al que solo le interesa obtener un placer personal cuando toca en un escenario, para este rockero materialista grosero que solo busca sensaciones hedonistas primarias, la teoría artística griega no significa nada y la considera como algo anticuado y risible. Para nosotros, que hemos estudiado la teoría del arte griega, la música que hace ese rockero nos parece propia de bárbaros que hacen una música donde se dejan fuera muchos recursos musicales disponibles, para aprovechar este rockero solamente unos pocos recursos musicales que interesan al rockero, aquellos recursos musicales que causanmás excitación a él y a su público, mientras deja fuera de su música una gran cantidad de otros recursos musicales que no interesan a este rockero porque dice que: «Quitarían fuerza La democracia musical [57] a su música». Una música de este tipo sería considerada por un griego clásico como una música bárbara, desproporcionada, que causa una mala influencia en el público. En cambio, un griego clásico pediría a Beethoven que al escribir una de sus sinfonías procurara usar todos los recursos musicales existentes en esa sinfonía, con una proporción, sin excesos ni defectos, porque al hacerlo así su obra se parecería lo más posible al Universo, que los griegos antiguos concebían como una proporción y una armonía de muchos materiales diversos. Si Beethoven era divino en cuanto a creador, o lo más parecido a los dioses que hay en este mundo, entonces debía producir un universo musical parecido al universo real. Lo mismo opinaba Quintiliano respecto a la literatura: el mejor libro era aquél que usaba todas las figuras retóricas y todos los otros recursos literarios, con una proporción y una armonía. [58] EMILIO VALDIVIÉ 19 El guitarrista pijo Tenemos el ejemplo de David Gilmour, el guitarrista de Pink Floyd, tan adorado por los pijos ya que todos ellos querrían tocar la guitarra como lo hace él, siempre estirando las cuerdas al estilo blues en un contexto de canciones lentas y larguísimas con acordes de séptima mayor, tan propios de la música de ese grupo. Gilmour puede pasarmedia hora tocando un solomientras el resto del grupo toca solo dos acordes sobre los que improvisa Gilmour sus gastadas ya líneas de blues a la guitarra. Su público aguanta esos solos interminables de Gilmour de media hora de duración, pero es evidente que una música de este tipo, donde todo sea una improvisación del guitarrista, que muchas veces se repite a sí mismo una y otra vez en sus clichés personales, es una música muy desproporcionada y solo puede satisfacer a los fanáticos de ese guitarrista que quieren oír cómo ese Gilmour estira las cuerdas una y otra vez al estilo blues, y cómo cada vez que lo hace, sienten placer por ese estiramiento de cuerdas: todo muy primario y vulgar. La democracia musical [59] O cuando Gilmour «saca» sonidos de su Fender Stratocaster que son igualmente vulgares y primarios en su voluptuosidad. A los pijos le encanta esta manera de tocar la guitarra de Gilmour porque satisface su concepto de la vida como un aprovechar todo lo material placentero que haya en el mundo, y Gilmour se lo da con su música, y además Gilmour reviste con un decorado como de más «clase o categoría» a su música comparada con lo que hace el músico de blues de toda la vida, el negro pobre de barriada de mala muerte de USA, y es que un pijo no soporta que un negro miserable toque esa música, vulgar en el fondo, pero que encandila al pijo. Gilmour es blanco, es millonario, le gusta vivir bien, lleva una gran vida como piloto de aviación, propietario de una isla y padre de muchos hijos, y aunque básicamente toca lo mismo que toca un músico de blues negro de mala barriada americana, al pijo solo le gusta escuchar y ver a Gilmour. David Gilmour es el guitarrista preferido de los pijos, seguramente porque él mismo es un súper-pijo millonario, con muchos hijos (algunos adoptados), piloto de aviación, con su jet privado y propietario de una isla cerca de Inglaterra. Todos los pijos querrían tener la vida de Gilmour y tocar la guitarra como la toca él. No es un gran guitarrista, se limita a tocar unas líneas de blues con muchos estiramientos sensuales de cuerdas y eso es todo lo que sabe hacer, pero a sus fanáticos no les importa porque toca con mucho gusto... propio de pijos. [60] EMILIO VALDIVIÉ Su disco más perfecto sigue siendoWish you were here, que es un producto musical tan bueno que la gente no se cansa de escucharlo una y otra vez, pero desde que llegó Gilmour a Pink Floyd, se acabó la experimentación y las letras fuertes de Waters, el comunista del grupo, para convertir cada vez más a Pink Floyd en un grupo que hace música para pijos. Gilmour usa una gran cantidad de trucos para tocar, desde bajar la afinación de su guitarra para que sea más fácil estirar las cuerdas, hasta usar docenas de efectos de sonido y de pedales. Si Gilmour es un genio en algo, es fabricando productos musicales perfectos como Wish you were here, pero no lo es tanto como guitarrista, que es del montón. Es muy listo para enmascarar canciones que, como Shine on our crazy diamond, no son más que espirituales negros, pero que Gilmour disfraza como «rock progresivo». No es raro que Gilmour sea el guitarrista preferido de los pijos, todos los pijos tocarían la guitarra como lo hace él, si pudieran, y es que la manera de tocar la guitarra de Gilmour es la propia de un pijo. La democracia musical [61]

Breve historia Durante la Transición, sufríamos en España un complejo de inferioridad respecto a los grupos ingleses y norteamericanos que tocaban rock o jazz-rock. No estábamos seguros ni de que se pudiera tocar rock en español. En los años 60 había miles de grupos en el país que imitaban a los Shadows y a los Beatles y que a veces cantaban en español, pero a finales de los años 70 se había perdido el empuje de lo logrado en los años 60 por grupos como los Pekenikes y los Relámpagos y estábamos en unmomento bajo, con algunas excepciones comoPauRiba y suDioptría y algún otro. Hacia 1982 llegó el disco en directo de Miguel Ríos y se acabó con el complejo de inferioridad. Miguel Rios tocaba con músicos internacionales y ofrecía un rock de calidad cantado en español. En Barcelona los grupos de jazz-rock buscaban un lenguaje musical propio que llamaban «jazz-rock mediterráneo o laietano» y experimentaban con el flamenco, como hacía Carles Benavent. La democracia musical [63] Manolo García representaba otra línea en Barcelona, la del pop-rock, con su primer grupo «Los rápidos» y luego su unión con Quimi Portet. En Andalucía estaba Triana y el rock sinfónico andaluz de Medina Azahara y en Madrid había surgido un movimiento original y divertido, la «movida», protagonizada por muchos grupos que casi no sabían tocar, de origen punk, que ofrecían otro camino a seguir para miles de otros grupos nacionales. A lo largo de los años 80 los músicos populares españoles se esforzaron por aprender a fabricar productos musicales de nivel parecido a los que se hacían en Londres o Los Ángeles; Mecano fue el grupo de más éxito en este intento. Se consideraba que modernizar España consistía no solo en adaptarlo a las normas de la Unión Europea, sino también en traer la música «avanzada» de esos países a España, pues durante el franquismo esas músicas extranjeras habían sido muy minoritarias y mal vistas, al favorecer el franquismo sobre todo a la copla, las sevillanas y la canción melódica. En los años 90 ya se había conseguido alcanzar ese nivel internacional, con muchos grupos como Hombres G o Héroes del Silencio, y los músicos españoles se propusieron entonces dar un paso más. Fabricar ahora productos musicales que dieran mucho dinero y que rivalizaran con los de la industria musical de LA, son las divas españolas de la música disco de los años 90 y luego vendrán los de ese famoso programa de televisión que primero parece ser un gran éxito para la industria [64] EMILIO VALDIVIÉ musical popular española pero que luego se revela como un espantoso retroceso a los peores años de los años 60 y 70, cuando había tantos cantantes y grupos con sus clubs de fans manipulados por las discográficas, haciendo música comercial que era llamada entonces despectivamente «pachanga». Este retroceso a un nuevo tipo de «pachanga» o música comercial en España ha sido catastrófico para todos aquellos que tocan otros estilos musicales, porque una o varias generaciones se han criado en la creencia de que solo existe el estilo musical de la música comercial de ese programa de televisión y consideran que «triunfar» en la música es hacer eso, y desprecian todo lo que hacen otros de otros estilos, al mismo tiempo los años 90 fueron los años en que la industria musical española, en forma de productores musicales y televisivos, de managers agresivos, degenera en las peores actitudes propias del capitalismo salvaje norteamericano y sus típicas técnicas de sus empresas. Como tanta otra gente de la Transición, los grupos musicales han seguido su misma evolución y han ido olvidando sus ideales democráticos de su juventud para pensar solamente en ganarmucho dinero y, en este sentido, los músicos se han ido pervirtiendo de la misma manera que lo ha hecho la sociedad española, respecto a los valores de la transición, hasta la situación actual de democracia degenerada en la que vivimos. Mientras tanto, en Cataluña aparecen una gran cantidad de grupos de pop comercial catalán, de poca originalidad pues la mayoría de ellos son imitaciones de grupos La democracia musical [65] extranjeros, pero como cantan en catalán, tienen grandes legiones de fanáticos seguidores independentistas. Junto a estos grupos de pop comercial catalán, que tocan todos igual y que parecen que todos toquen la misma canción siempre, aparece una industria independentista catalana en torno a la revista E., que se dedica a apoyar solamente a este tipo de grupos independentistas, de manera que desde hace años solo estos grupos pueden tocar en conciertos, festivales y en televisión en Cataluña. Todo esto perjudica a miles de otros grupos catalanes que también hacen pop comercial catalán, y que nunca tienen la oportunidad ni de grabar ni de aparecer en televisión ni en la prensa o en festivales de verano u otros, sin que esté justificada la presencia de los 20 ó 30 grupos catalanes que salen siempre por TV 3, dada su dudosa calidad musical, por encima de esos otros miles de grupos catalanes a los que se les bloquea en su progreso profesional, ya que esos 20 ó 30 grupos catalanes que son los únicos que tocan en conciertos y en televisión no son mejores en absoluto que esos miles de otros grupos catalanes. Se trata pues de una monopolización del mercado catalán independentista por parte de unos 20 ó 30 grupos agrupados en torno a E. y que perjudica sobre todo a otros miles de grupos parecidos en Cataluña. Además, varias generaciones de catalanes independentistas se han criado en este esquema de cosas de manera que creen que es lo «normal» cuando esto no tiene nada de normal, sino que es un trust que debería estar prohibido por ley. [66] EMILIO VALDIVIÉ La situación actual es francamente mala, con miles de grupos por todos sitios intentando encontrar un bolo, con solo unos pocos grupos y figuras que pueden dar conciertos bien pagados, con un público que no sabe nada de música y que se ha mal acostumbrado a la mala situación actual. Además, en Cataluña sufrimos el «lobby» de la gente del jazz, es una gente muy fanática que está convencida de que su música es superior a las demás y la impone en toda Cataluña, ya que la mayoría de los profesores de conservatorio actuales también son músicos de jazz. El «lobby» del jazz es muy poderoso en Cataluña e influye en todo lo que se pueda programar en conciertos en Cataluña y en TV 3, al tiempo que bloquea el paso a oportunidades profesionales a los músicos que no hacen jazz. En medio de todo ello, la gente del heavy ha hecho lo suyo por su parte, siempre luchando contra la creencia general de que su música solo es ruido y fealdad para gente marginal. Barón Rojo demostró en los 80 que se podía hacer heavy de calidad en español y desde entonces son cientos los grupos de heavy en este país. Han aparecido también nuevas generaciones de músicos, especialmente guitarristas de heavy, desconocedores de la Historia de la Música Popular, que se creen que tocar la guitarra heavy es algo «normal» cuando no tiene nada de normal y es solo una exageración del estilo de tocar la guitarra hard-rock de los años 70, pero la mayoría de estos guitarristas jóvenes no lo sabe. Además, muchos de estos jóvenes guitarristas provienen de familias sin ninguna tradición artística, muchas veces sus La democracia musical [67] padres son ingenieros o científicos o técnicos que tenían la ilusión de tocar la guitarra eléctrica y que contagian esa ilusión a sus hijos y ellos se ponen a tocar la guitarra de la típica manera como lo toca un tecnócrata que no sabe nada de arte y que se cree que hacer música es tocar escalas a mil por hora. Así podemos resumir en cuatro líneas la Historia de la Música Popular en España en los últimos 40 años. Ahora hay que hacer examen de conciencia y ver en qué nos hemos equivocado: yo creo que el peor error ha sido dejar sin legislación todo este sector profesional de la música, cuando en otros países donde trabajan desde hace muchos decenios los grupos musicales y big-bands y todo tipo de músicos, hay regulaciones para que todos ellos puedan tocar con sus derechos protegidos para trabajar y así lo hacen diariamente sin mayores problemas. Ésta debería ser la situación normal que se diera en España, con todos los músicos trabajando dentro de una legislación que les asegure el libre ejercicio de su actividad profesional. Pero como ya hemos explicado antes, en España no se ha hecho lo que sí se ha hecho en otros países para regularizar la profesión musical y como consecuencia de ello seguimos sufriendo en España las malas y salvajes condiciones de trabajo en lamúsica propias de un país subdesarrollado y mafioso. En un país avanzado como Canadá, todos los músicos tienen derecho a tocar, cada uno en su estilo, todos los estilos están clasificados e incluso los del heavy tienen su [68] EMILIO VALDIVIÉ categoría musical reconocida y tocan como cualquier otro músico. Por otra parte, las asociaciones privadas de músicos para gestionar sus derechos de autor no sirven para nada, excepto para gestionar las grandes ganancias de las grandes figuras que venden millones de discos, aparte de esto no sirven para nada más. Ni estas asociaciones, que solo se preocupan del bien de sus grandes figuras que mueven tanto dinero, ni los sindicatos de músicos funcionan bien en nuestro país para que éste se dote de una legislación civilizada y avanzada sobre la actividad musical. Nada hay que esperar, por lo tanto, de esos entes. La democracia musical [69]

El caso Steve Vai Ser un músico es ser un virtuoso, y un virtuoso solo puede serlo si es buena persona. Porque solo se puede hacer buena música, el tipo de música que mejora a la gente y no la hace peor, si se es una buena persona con altos valores humanos y morales y una amplia cultura, por supuesto este tipo de músicos solo se puede encontrar entre los músicos de carrera, aunque no todos son así, desafortunadamente, pues caen en la misma trampa en la que caen ineludiblemente todos los músicos vulgares, que es hacer música para impresionar a la gente, para ser famoso, tener éxito y ganar dinero. Tenemos el caso de Steve Vai, que es lo peor que le podía pasar a la música, este individuo sigue la tradición en la Historia de la Música de la aparición de individuos que se dedican a tocar escalas muy rápidas arriba y abajo para impresionar a la gente ignorante y les vende eso como música, cuando no lo es en absoluto porque eso no es más que un espectáculo de circo que se hace con los dedos. La música es muchas más cosas que solo escalas tocadas muy rápido. Además ahora hay robots japoneses que La democracia musical [71] tocan escalas a mil por hora durante horas sin cansarse, mostrando lo estúpido que es hacer eso. Como pasó en la Historia de la Pintura, que cuando apareció la fotografía muchos pintores decidieron que no valía la pena esforzarse en pintar retratos y paisajes porque ahora la fotografía lo hacía mucho mejor, y había que encontrar otros temas para pintar, lo mismo ocurre ahora en la música, los Steve Vai que aparecen en cada siglo como exhibicionistas vacíos deberían replantearse su triste trabajo y pensar que lo que hacen ellos ya no vale ni como espectáculo de circo porque ahora hay robots que lo pueden hacer mejor y por más tiempo sin cansarse. Todos los guitarristas clásicos, y en Barcelona hay a miles, como se puede ver en la semana de guitarra que hacen cada año, saben que la técnica de la guitarra clásica se ha desarrollado durante siglos para llegar al punto actual y que lo que hace Steve Vai es totalmente anti-guitarrístico y antitécnica tradicional dela guitarra clásica, pues es solo una colección de trucos para poder tocar muy rápido sobre una guitarra muy preparada con un mástil muy recto y fino y unas cuerdas muy cerca del mástil. Steve Vai representa lo peor de la música y engaña a la gente, engaña a miles de seguidores suyos que lo idolatran como a un dios sin saber que los está estafando porque lo que toca Steve Vai no es música. Además el «arte» de Vai es totalmente anti-artístico, antiestético, anti-musical, anti-humano e incluso anti-guitarrístico porque ya hemos comentado cómo su «técnica» es totalmente opuesta a la técnica de la guitarra clásica y sus tradiciones. [72] EMILIO VALDIVIÉ Por todo ello los Steve Vai hacen mucho daño a la música y a sus miles de seguidores que se dedican a destrozarse los dedos para intentar tocar tan rápido como Vai, creyendo que esto les hará ricos y famosos. Cuando lo único que consiguen es dar pena cuando vemos a tantos chicos con los conceptos musicales malentendidos. El «arte» de Steve Vai es del tipo kitch, es decir, un arte hecho por gente de bajo nivel cultural, frecuentemente de clase obrera, que no sabe nada de música ni de arte y que se pone a hacer un «arte» donde todo consiste en impresionar a la gente en una competición en ver quién toca más rápido que nadie. Steve Vai ni tan solo toca ya la guitarra, sino que ahora toca una «máquina para hacer ruiditos y escalas que impresionen a los bobos». Eso no tiene nada que ver con la guitarra ni con sus técnicas tradicionales. Cuando aparecieron los primeros guitarristas eléctricos como Les Paul, ellos todavía tocaban con arte, a pesar de que Les Paul empezó a mostrar el estilo espectacular de tocar la guitarra que tanto gusta a los ignorantes, con grandes movimientos de manos por el mástil, pero Les Paul todavía tocaba con arte. Luego todo se desmadró cuando llegó Hendrix, que todavía tocaba con musicalidad y creatividad, pero aparecieron luego guitarristas del tipo heavy que se propusieron tocar la guitarra como lo hacía Hendrix, pero con un físico más superdotado que el que tenía ese ex-soldado de Vietnam. La democracia musical [73] Los guitarristas ahora tendrían un físico de súper-hombre, serían Superhendrix, serían como el Capitán América o Spiderman, con grandes músculos y su música sería también un «rock con esteroides» o un «blues con esteroides», así definían a la misma música de Led Zeppelin. Los guitarristas eran ahora súper-hombres y los grupos eran súper-grupos. Esta tendencia ha seguido cada vez más en los años 80 y 90 hasta la actualidad, buscando este tipo de grupos de heavy que sus músicos tuvieran un físico de culturistas cebados con esteroides y que su misma música no fuera otra cosa que rock con esteroides. Pero tarde o temprano la música heavy se estanca y entonces debe buscar otra vez sus orígenes para encontrar inspiración, y tiene que remitirse al blues de los años 30 y a Les Paul y a los rockeros de los años 50, aunque en esa época se tocara de unamanera muchomás sencilla y sin «esteroides». Recuerda mucho todo lo que ha pasado en el tebeo norteamericano, que en los años 40, en su «golden age», estaba protagonizado por superhéroes como el Capitán Marvel, Namor, la Antorcha, que eran dibujados de una manera sencilla, con cuerpos de atletas pero no especialmente musculosos; luego llegó Stan Lee en los años 60 e impuso que los superhéroes tuvieran un físico de culturistas, aunque las historias que se contaban sobre estos superhéroes fueran esencialmente las mismas de los años 40 , de su «golden age», es decir, que en los tebeos norteamericanos también se pasó por esta tendencia en convertir a sus héroes en «súper-héroes con esteroides», pero al mismo tiempo cuando [74] EMILIO VALDIVIÉ Stan Lee y los otros guionistas y dibujantes de laMarvel necesitaban inspiración para escribir sus guiones, necesitaban repasar lo que se había hecho en los años 40, porque allí estaba lo substancial de esos tebeos. Lo mismo ocurre en el heavy, los músicos de este estilo necesitan periódicamente volver a lo que se hacía en los años 30 en blues y en los años 40 y 50 en rock para encontrar inspiración y para volver a sus raíces y no perderse entre tanto ruido como hacen. Este tipo de arte kitch al que pertenece gran parte del rock y especialmente el heavy más exhibicionista y vacío, ya ha sido muy estudiado por los historiadores del arte y, hay que decirlo una vez más, es típico del nazismo. Así que ya lo saben, todos estos guitarristas que se creen que hacer música es tocar a mil por hora han de saber que están muy cerca de los nazis en su mentalidad y en su concepción del «arte». No faltan los músicos que son totalmente nazis y que quieren tocar una música impresionante, espectacular, grandiosa, impactante y a altísimo volumen (la música que les gustaba a los nazis) para sentirse dioses en el escenario y sentir su poder sobe la gente. Este tipo de músicos se justifica usando palabras de Nietzsche, como cuando dicen que ellos están por encima de las leyes y de la moral y hacen lo que les da la gana para obtener placer en la vida y en el escenario y todo lo que les interesa. La mayoría de los grupos de heavy son de este tipo. Muchos de estos individuos que no saben nada de música pero que tienen un grupo de heavy o de jazz o de jazz-rock o de La democracia musical [75] lo que sea, se han enterado de que yo predico la llegada de una nueva legislación en España sobre la profesión de músico, una legislación que debería definir claramente quién puede tocar en público y cobrar, el salario a cobrar, los estudios musicales necesarios para poder tocar en público, todo lo relativo al régimen en la SS de los músicos, pensiones, invalidez, impuestos, así como lo relativo a dar igualdad de oportunidades a todos los músicos según su derecho constitucional al trabajo, por encima de la situación actual, que es una selva donde todo el mundo hace lo que quiere y no hay ninguna regulación, de lo cual se aprovechan los patilleros para hacer mala música, se aprovechan los que hacen versiones para no pagar derechos de autor y tocar mal esas versiones, se aprovechan los que tienen la carrera de música para exigir cobrar más que nadie y se aprovechan los que hacen jazz para hacer creer al resto de la población que su música es la única que existe, mientras se joden unos a otros para conseguir bolos, se difaman, se recomiendan o se recomiendan negativamente unos a otros para que empresarios, televisión y prensa marginen a sus enemigos musicales y haya siempre unos cuantos listillos que consigan salir siempre en televisión, vender millones de discos y ganar mucho dinero aprovechándose del vacío legal que hay en España sobre la profesión musical, es la selva. [76] EMILIO VALDIVIÉ 22 Vacío legal Los sindicatos de músicos parece que no sirven para nada más que procurar que sus directivos y sus socios ganen más dinero en cada actuación y no se preocupan por ningún otro asunto relacionado con la vida del músico en España; además estos sindicatos están formados muchas veces por músicos de carrera que odian a los músicos vulgares y hacen todo lo que pueden para hundirlos y para que no puedan tocar ni hacer nada, mientras ellos los músicos de carrera buscan sus oportunidades para dar conciertos y ganar dinero, siempre con el argumento de que solamente ellos tienen derecho a hacer música y a cobrar por ello porque son los únicos titulados. Hay que decir que entre los directores y profesores de conservatorio nos encontramos muchas veces con tiranos que obligan a los otros profesores del conservatorio a enseñar solamente lo que a ellos les gusta y que marginan a aquellos profesores y alumnos que no tocan lo que ellos quieren o que no siguen su escuela, mientras promocionan a aquellos alumnos que sí los siguen y les hacen la pelota, La democracia musical [77] esto ocurre mucho en los conservatorios y siempre se autojustifican estos directores de conservatorio con la presentación de sus titulaciones, como si sus titulaciones les dieran patente de corso para comportarse como tiranos en los conservatorios. Así los sindicatos de músicos no sirven para nada excepto para lograr que a sus directivos les salgan actuaciones mejor pagadas, que parece ser es lo único que interesa y une a la mayoría de los músicos de este país: que les paguenmás por sus conciertos, mientras que en todas las otras cuestiones que tratamos en este escrito están todos los músicos muy divididos y ni tan solo hay debates sobre estos asuntos que tratamos aquí. Actualmente estamos sin una ordenación clara en todos estos temas y con un vacío legal del que se aprovechan desde hace demasiados años una serie de listillos para imponer su ley: controlar lo que se hace en este mundillo de la música, imponer los grupos musicales y músicos que a ellos les gustan o les interesan, dejar tocar en televisiones y radios y dar entrevistas en periódicos solamente a los grupos que sean los favoritos de estos listillos, estar en contacto con ayuntamientos para conseguir contratos solo para sus grupos, difamar a sus enemigos músicos y a otros grupos u otras agrupaciones musicales para que nadie les de trabajo, amenazar a empresarios de salas musicales, bares y pubs para que no contraten a sus enemigos músicos y para que solo contraten a sus grupos de su clan, controlar lo que se hace en música en las televisiones para que solamente toquen los grupos favoritos de un grupo empresarial audiovisual muy conocido [78] EMILIO VALDIVIÉ y para que este grupo empresarial tenga el monopolio de hacer programas con música en las televisiones, al tiempo que contrata como asesores musicales para sus programas musicales a músicos muy conocidos de todos, que se embolsan grandes sumas de dinero, o lo que vemos que pasa en muchas ciudades, donde el ayuntamiento impone el estilo de música que a él le gusta y margina a los que practican otros estilos musicales o que no son del partido político del ayuntamiento y solo deja tocar en fiestas mayores y otros eventos oficiales a aquellos grupos que sean favoritos suyos, mientras sus periódicos y las revistas especializadas en música y sus programas de radio y televisión de esa ciudad hacen exactamente lo mismo, solo promocionan a aquellos grupos que son de sus amiguetes o que a ellos les gustan. Ante esta escandalosa falta de igualdad de oportunidades que se da en la música actual en España es contra lo que deberá legislarse tarde o temprano para ordenar el caos que es todo esto actualmente. La democracia musical [79]

Los oportunistas Asimismo nos encontramos con muchos tipos que han hecho su negocio de la situación actual de la música en España, entre ellos profesores de música, casi todos de jazz, que prometen a sus alumnos que podrán conseguir trabajo si estudian música, lo cual es falso porque hay muy poco trabajo para los músicos en España. También se aprovechan de la situación actual los fabricantes de instrumentos y los vendedores de instrumentos, que venden cada año miles de guitarras, amplificadores y equipos de sonido a ingenuos principiantes a los que prometen también que su inversión al comprar esos caros equipos de sonido la podrán recuperar cuando empiecen a ganar dinero con la música, cosa que muy pocas veces sucede. Es un hecho que en los últimos 30 años los gobiernos ha favorecido que una gran cantidad de personas, la mayoría adolescentes, derive sus intereses hacia el comprarse una guitarra y formar un grupo de rock o de heavy con sus amigos, porque de esta manera el Estado los tenía controlados, La democracia musical [81] para que no estuvieran por las calles drogados o borrachos o atracando farmacias y bancos, que es lo que podría suceder si ahora mismo los cientos de miles de chicos que tocan en grupos de rock se quedaran sin esta distracción y volvieran a pasar su tiempo en la calle. Por esa razón, porque se ha utilizado a la música como factor de pacificación social, para que los jóvenes, e incluso los más maduros que tocan en grupos de rock, no dieran problemas de delincuencia o de revueltas, se puede decir que el rock ha sido utilizado por parte de los gobiernos para tener controlada a una población que es cada vez mayor en cantidad y con más problemas de trabajo, de vivienda, etc. Por ello los gobiernos toleran que siga la situación actual de selva que se da en la profesión musical, ya que les interesa más que la gente se pase la vida ensayando en una caverna con su grupo de heavy que no que proteste por la situación actual por la mala democracia española, por el paro y por tantas otras cosas. Por eso los gobiernos dejan que todo siga igual, porque ya les va bien que la gente se dedique a tocar la guitarra eléctrica y así no dé problemas. Se usa el rock desde hace 40 años como «sedante» de la gente, sobre todo la final de la semana cuando todos estamos de mala leche y cansados por el trabajo de la semana, entonces nos vamos a una discoteca o a un bar musical y escuchamos:Highway to hell, es decir. música-marcha que nos hace olvidar nuestras penas y nos da energías para la próxima semana. [82] EMILIO VALDIVIÉ Este uso social del rock interesa a todos aquellos poderes que no quieren ningún cambio en el sistema actual y porque así, gracias al rock, la gente está «sedada» o aquietada. Los gobiernos han utilizado el rock, que era una música mal vista en los años 50 y 60, para tener aquietada a la población en estos últimos 40 años. El esquema ha funcionado muy bien, especialmente para aquellos tipos más peligrosos y potencialmente delincuentes que han encontrado en la música heavy un «amansamiento» de su rabia, razón por la que la música heavy, que a finales de los años 70 era considerada una mala música degenerada a partir del rock y que constaba de puro ruido, el heavy se ha ido oficializando cada vez más, hasta el punto de que ahora tiene sus propios premios Grammy, porque a los gobiernos les interesa que una parte conflictiva de la juventud se pase años y años ensayando en garajes tocando heavy, con el sueño de una remota posibilidad de conseguir tocar en algún sitio alguna vez. Así, el rock ha sido utilizado de estas maneras en los últimos 40 años, por parte de los gobiernos. Por otra parte, los grandes empresarios de las discográficas y de la organización de conciertos han ganado mucho dinero llenando estadios de fútbol con fans de alguna estrella del rock, a la vez que estas mismas estrellas del rock se hacían millonarias en el proceso. Así el rock se ha convertido definitivamente, en estos últimos 40 años, en una máquina de hacer millonarios a las figuras del rock, perdiendo todo lo que el rock pudiera tener de interés artístico. A finales de los 60 y principios de La democracia musical [83] los 70 aparecieron los grupos de rock más interesantes, experimentadores, creativos, progresivos, intelectuales y artísticos. Hoy en día solo existe el rock como industria. [84] EMILIO VALDIVIÉ 24 Degeneración del rock Los mismos Pink Floyd muestran el camino seguido por multitud de otros grupos de rock a lo largo de su carrera: sus primeros años son los más interesantes, con mucha experimentación musical y creatividad, luego, el grupo, cansado de ser un grupo para minorías, se comercializa y empieza a grabar productos discográficos muy bien hechos para ser vendidos a millones como productos de consumo compulsivo, así el grupo se hace millonario pero lleva a un estancamiento a su estilo. Todos los grupos importantes de los últimos 30 años han seguido elmismo ciclo vital que Pink Floyd. Actualmente existen cientos de miles de grupos de rock en España. En cada ciudad hay cientos, sino miles, practicando todos los subestilos del rock que existen, a los hay que sumar los miles demúsicos de jazz y de otros estilos como el country y el folk, así como miles de cantautores y otros músicos. De ello se deduce que la música es una actividad muy importante para la vida de cientos de miles de españoles, que han encontrado en la música un sentido a sus vidas, La democracia musical [85] por otro lado muy fastidiadas por todos los problemas actuales que todos conocemos. La mayoría de estos cientos de miles de músicos que hay en España actualmente no han estudiado música y tocan de oído, más por pereza de estudiar música que por otra cosa, porque hoy en día es fácil estudiar al menos un primer curso de música en alguna escuela de música de las muchas que han surgido en España como alternativa a los conservatorios (hay que advertir, sin embargo, que la mayoría de estas escuelas alternativas de música enseñan jazz). Nos encontramos así con cientos de miles de músicos en España que no saben música, para quienes tocar música es tan importante como respirar, porque no pueden vivir sin ello, y todos estos cientos de miles de músicos aspiran a tener éxito, a tocar en público, a conseguir actuaciones, a ganar dinero. Desde el punto de vista estrictamente económico ya se ve que es imposible que haya trabajo para una cantidad tan enorme de músicos como hay en España ahora mismo. Por lo tanto se impone otra solución: la que proponemos nosotros pasa por dar igualdad de oportunidades a todos los que hacen música en España, de manera que todos ellos tengan la oportunidad de tocar al menos una vez en la vida, o mejor una vez al año, en algún festival de grupos o muestra de grupos locales, aunque eso sí, renunciando a ganar dinero con ello, porque no hay dinero para pagar a tantos grupos. Se trata de que cientos de miles de grupos puedan tocar gratis en festivales masivos de grupos, para que todos tengan su oportunidad de dar a conocer lo que hacen. [86] EMILIO VALDIVIÉ Ésta sería la solución más racional, pero como en España la solución más racional nunca es la elegida, nos tememos que esto no va ser posible. La otra alternativa es que solo puedan tocar en público y ganar dinero aquellos músicos que tengan una formación mínima en música, que puede ser una titulación en una escuela de jazz o dos o tres cursos de conservatorio o algo similar. Si solo pueden tocar en público y cobrar este tipo de músicos con formación, que es lo que ocurre en otros países como Canadá, nos vamos a encontrar con otros cientos de músicos que no saben música que se van a sentir frustrados por no poder tocar en público, van a organizar grandes manifestaciones para impedir que una legislación de este tipo sea aprobada y lo que es peor, es posible que muchos de ellos vuelvan a la delincuencia o a la mala vida en las calles. Nosotros creemos que es mejor que estos cientos de miles de músicos que hay en el país tengan todos su oportunidad de tocar. Ahora bien, hay que decir que los músicos que tocan sin saber música tocan mal, no saben lo que hacen, solo saben tocar cuatro trucos para impresionar a su público, destrozan la música, la reducen a una serie de esquemas fáciles de tocar, simplifican las partes más difíciles de las canciones, aquellas partes que precisamente no se pueden tocar bien sin leer una partitura, no saben qué escalas usan en sus solos, no saben qué acordes usan, no saben qué modulaciones hay en la canción, etc. La democracia musical [87] En definitiva, los músicos que no saben música tocan chapuceramente y perjudican a los músicos de verdad, que pocas veces tocan en unmismo grupo con los patilleros porque es una tortura para ellos los músicos auténticos, ya que los patilleros se equivocan constantemente y se pierden todo el tiempo. Los músicos que no saben música son muy rebeldes para ponerse estudiar música y aprobar al menos un primer curso de una escuela de música. Debido a ello, son gentemuy intratable y difícil, que además enloquece fácilmente cuando aprende a tocar cuatro acordes con una guitarra distorsionada y pronto se cree que ya es una figura del rock con derecho a hacerse millonaria. Este proceso de enloquecimiento es muy frecuente entre los músicos que no saben música y los hace todavía más difíciles para razonar con ellos y para llegar a soluciones satisfactorias para las dos partes. Muchas veces este tipo de músico patillero enloquecido se cree que es un genio en el escenario y se vuelve muy divo, empieza a pensar que solo él tiene derecho a poder tocar y a ganar dinero con esto y empieza a comportarse agresivamente contra los otros grupos a los que amenaza para quedarse él solo con las pocas posibilidades de tocar en público que hay en su ciudad al tiempo que se comporta como un listillo para conseguir actuaciones respecto a los poderes vivos de su ciudad y para impedir que otros grupos las puedan tener. [88] EMILIO VALDIVIÉ 25 Una nueva legislación Una nueva legislación sobre la música en España debería proveerse de mecanismos legales para impedir que este tipo de músico enloquecido y tramposo pueda hacer de las suyas, como ocurre actualmente y no pueda imponerse sobre los demás músicos ni conseguir más actuaciones ni privilegios puramente por las amenazas y el terror que ejerce sobre los demás grupos musicales y los organizadores. La situación se complica si además este músico enloquecido toma drogas, porque entonces se convierte en un psicópata peligroso que, en discusiones sobre opiniones musicales o sobre contratos es capaz de llegar a la agresión física e incluso a matar a sus enemigos musicales, lo cual demostraría definitivamente su locura, ya que es totalmente irracional matar a alguien por tener opiniones musicales distintas o por buscar un contrato para un actuación. Además, este tipo de músico enloquecido enseguida amenaza a los demás con el consabido pretexto de que: «Tú me has faltado al respeto, tú me has ofendido y lo vas a pagar», cuando en realidad nadie le ha faltado al respeto ni le ha ofendido. La democracia musical [89] No es faltar al respeto criticar al guitarrista favorito de ese individuo, ni es faltar al respeto decir que su grupo no sabe tocar, ni decir que toca mal, pero hay psicópatas peligrosos que se dedican a la música cuando en realidad deberían estar en la cárcel, que te pueden matar si les dices que tocan mal. Todos estos síntomas agresivos muestran la personalidad del típico rockero enloquecido, divo y tramposo (hay que decir que en el jazz también abunda este tipo de mal músico). Desgraciadamente, este mundillo de la música rock está lleno de tipos así, es la locura a la que les lleva su música, especialmente en estilos como el heavy o el jazz por creer que el jazz es una música superior, estos músicos locos en un momento dado pueden llegar al asesinato de su enemigo musical o bien pueden intentar eliminarlo de alguna manera para que no les haga la competencia, pues la posibilidad de ganar mucho dinero y de tener éxito convierte a este tipo de músicos en monstruos capaces de hacer cualquier barbaridad para conseguir sus propósitos. Así son miles de malos músicos de heavy que te podrían matar si les dices que Steve Vai toca mal o miles de músicos de jazz que harían lo mismo si le dices que su música no es más que un montón de acordes raros llenos de notas alteradas y de escalas raras. Cuando una persona llega a este punto de locura en la que es capaz de agredir o matar a otra persona por diferencias de opiniones en música (aunque ella invente pretextos para agredir o matar al otro, como decir que el otro le ha [90] EMILIO VALDIVIÉ faltado al respeto o lo ha insultado, que es falso, porque tener una opinión distinta en música no es ni insultar ni faltar al respeto), entonces es evidente que los gobiernos, los políticos, los legisladores, los psicólogos, los filósofos deben intervenir para que se haga una música que no vuelva loca a la gente sino que la haga mejor de lo que es. Es lo que pedía Aristóteles cuando hablaba de la comedia y la tragedia: el arte debería hacer mejores a los hombres de lo que son y no peores. Por eso habría que evitar la situación actual, típicamente darwinista social, que lleva al enfrentamiento a cientos de miles de músicos y sus grupos para conseguir actuaciones, salir en la prensa, en la radio, la televisión, lo que sea para tener éxito. Miles de personas que tocan en grupos musicales sufren esta presión por tener éxito o por lograr una canción que se venda o por salir de sus garajes y ganar dinero de una vez, una presión que es propia de un país capitalista salvaje y darwinista social. En otro país más humano, como el que buscamos nosotros, toda la población debería poder hacer música y tocarla en directo. Es un tipo de situación propia de países capitalistas salvajes y de los peores barrios de mala muerte, de los lugares más infernales de este mundo donde la gente es obligada a luchar entre ella por un trozo de pan, ese es el patético ambiente que se da muchas veces en el mundillo del rock con cientos de miles de grupos enfrentados, odiándose y difamándose unos a otros, mientras cada uno de estos grupos La democracia musical [91] busca alguna oportunidad para salir adelante, para conseguir un bolo y tener éxito. Por ello, una nueva legislación sobre música debería controlar a este tipo de sujetos que hacen mala música y que se comportan como dementes y mafiosos, para garantizar que los demás músicos normales puedan tocar tranquilamente y ejercer su derecho al trabajo, sin que estos individuos les revienten los conciertos, les agredan físicamente, les difamen o hablen mal de ellos a los empresarios, a los directivos de televisión y radio y a otros para que no los contraten. Todos los estilos musicales valen lo mismo y todos deben ser respetados: no puede ser que los del jazz siempre digan que su estilo es el único porque es superior a los demás y siempre consideren a los otros estilos como propios de niños o de tontos, mientras marginan a los otros estilos musicales en los lugares que controlan, como ocurre en algunas ciudades conocidas por todos. El jazz, hay que decirlo de una vez por todas, no es más que un estilo musical como los otros, que se merece el mismo respeto que los otros, siempre y cuando los del jazz respeten a los otros estilos musicales. [92] EMILIO VALDIVIÉ 26 La situación ideal La situación musical ideal para nosotros sería aquélla que se daba en las islas Afortunadas de la antigüedad, donde toda la población sabía música, tocaba instrumentos y hacía canciones libremente. Nosotros creemos que es mejor un país lleno de gente que sabe tocar instrumentos, que ha estudiadomúsica y que compone su música propia, respecto a un país lleno de gente que se apalanca a ver a Bruce Springsteen durante cuatro horas mientras come palomitas, eso no puede ser bueno para la gente, excepto para Springsteen, que cada día es más rico. Nosotros preferimos un país donde toda la población haga su música y no quiera ir a ver los conciertos de las figuras porque no le aportan nada, pues prefiere tocar con el grupo de sus amigos y aprender cada día canciones nuevas y técnicas nuevas y disfrutar de la música como lo han hecho todos los músicos desde hace siglos, ya que la música no tiene que ser privilegio de unos pocos que se consideran «genios» ni debe ser monopolio de los músicos de carrera, sino que la música es de todos y todos tienen el La democracia musical [93] derecho de sentir la satisfacción de haber tocado un buen solo o de haber compuesto una buena canción o de haber tocado en un escenario. Por ello, todos esos supuestos «genios» y figuras actuales que controlan el negocio musical actualmente y que son millonarios gracias a cientos de miles de fans que les compran sus discos o van a sus conciertos; todos estos «genios» son nuestros peores enemigos, porque estamos acabando con su chollo por el cual durante muchos años han sacado mucho dinero de la gente, vendiendo productos musicales llenos de trucos musicales para fomentar su adicción a ese producto de consumo rápido y compulsivo. Estos «genios» siempre se van a oponer a que llegue una ley de la música en España que deje tocar a todo el mundo porque ellos se han acostumbrado a tener el monopolio de tocar en público, de ganar dinero con ello, de conocer las técnicas y los secretos de este oficio para hacer una música de éxito comercial. Cuando el resto de la población acceda al conocimiento de todas las técnicas y secretos que usan los profesionales de la música, se habrá acabado para ellos su negocio mientras que la gente, ahora ya cultivada en música, no se dejará engañar más por estafadores musicales que tocan para impresionar y ganar dinero y esta gente nueva con educación musical solo atenderá a la música de verdad, en primer lugar la que haga ella misma. Por ello, todos estos estafadores actuales que no son músicos ni nada, entre los cuales están todos los de la canción comercial, los del heavy que tocan a mil por hora y otros del jazz-rock que hacen lo mismo, todos ellos son [94] EMILIO VALDIVIÉ nuestros enemigos e impedirán que llegue ninguna legislación avanzada sobre la música en España. Nosotros no queremos gente que se apalanque en un estadio de fútbol a ver jugar a once superdotados al fútbol, nosotros queremos que la gente haga deporte, pues eso es lo sano y en música esto quiere decir que la gente toque y haga su propia música. Hay que decir a todos aquellos músicos, la mayoría patilleros, que reclaman una compensación económica para su trabajo de años ensayando en garajes, así como una recuperación de sus inversiones en equipos de sonido caros, hay que decirles que no tienen ningún derecho a estas reclamaciones porque nadie les obligó a comprar esos instrumentos ni a ensayar durante años para nada, lo hicieron ellos voluntariamente y por muchos años que se hayan pasado ensayando no tienen derecho a cobrar por tocar. Es lo mismo que les pasa a miles de deportistas que se entrenan cada día, por ejemplo para correr maratones, que no cobran nunca nada, no ganan nunca nada (aunque puedan quedar entre los 50 primeros) y ven cómo todo el trabajo de años entrenando nunca es recompensado económicamente, puesto que lo han hecho voluntariamente. La democracia musical [95]

Darwinismo social en la música La situación actual de la música en España es la «natural» en tanto que es aceptada por todos tácitamente y es la darwinista social. Consiste en llevar a la confrontación a cientos de miles de grupos musicales y de músicos en el país, para que solo queden los 40 ó 50 mejores, por «selección natural», pues solo hay trabajo (del tipo bien pagado) y posibilidades de éxito para unos 40 ó 50 grupos y músicos al año en España, ése es el número de grupos que sale por televisión cada año, aproximadamente. Como solo pueden «triunfar» 40 ó 50 grupos cada año, entonces dejemos que la «selección natural» haga su trabajo y elija de entre los cientos de miles de grupos y de músicos que hay en España, aquellos 40 ó 50 mejores, los que tengan mejor físico o canten o bailen mejor o hagan mejores canciones. Así se ha hecho durante muchos años en España, especialmente al elegir qué grupos iban a salir en televisión (pero con muchas intervenciones de managers y de compañías discográficas imponiendo sus artistas propios). La democracia musical [97] Por eso hemos visto durante muchos años cómo en televisión salían siempre los mismos artistas, músicos o grupos, una reducida élite de 40 ó 50 en total que se repartían el pastel. Sus managers defendían el derecho de sus grupos a salir solo ellos en televisión diciendo que las canciones de sus grupos eran las que tenían más éxito, pero muchas veces hemos visto también que este éxito era inducido en la población mediante el uso de campañas de promoción y propaganda masivas o por el bombardeo machacón de esas canciones todo el día por la radio. Dudamos quemuchos grupos que han tenido éxito en estos últimos 30 años en España, hubieran conseguido salir de las catacumbas donde estaban antes de ser famosos, si no hubieran recibido una gran promoción y dinero para grabar en estudios caros, puesto que todo es más fácil luego para estos músicos cuando empiezan a ganar dinero y pueden contratar músicos mejores para sus grupos y de esta manera mejoran cada vez más. De la misma manera creemos que muchos otros cientos de grupos nunca salieron de esas catacumbas porque nunca tuvieron la oportunidad de ser promocionados y de grabar en estudios caros y su progreso y su mejora se vieron podados. En todo caso, muchos de estos cientos o miles de grupos de estos últimos 30 años que nunca salieron del anonimato, podrían haber mejorado mucho en su música si hubieran recibido una buena formación musical. En todos ellos, los que triunfaron y los que no, encontramos el mismo error de base: creer que la música es una [98] EMILIO VALDIVIÉ manera de ganar dinero, cuando la música es un arte vocacional que se hace por sí mismo, sin ninguna consideración económica. Los verdaderos músicos son los que hacen música por la música y no piensan nunca en el dinero. Aunque nunca ganaran un duro haciendo música, la seguirían haciendo. Los peores músicos son los que solo se dedican a la música por el dinero, para su éxito personal y para su envanecimiento como estrellas del rock. Son los músicos que siempre dan problemas, los que degeneran en conductas tramposas, los que no dejan tocar a los demás, los que no respetan la música que hacen los demás, los que difaman a los otros músicos, los que no dejan vivir, los que quieren ser los tiranos de la música, especialmente cuando creen que son genios y que el mundo les debe mucho dinero por ser genios que merecen ganar millones por ello. Además este tipo de malos músicos que se creen genios no puede vivir sin el gran subidón que supone, para este tipo de malos músicos, el tocar en un escenario cada día y sentir que son genios. Aunque no sean genios en absoluto pero el que les salgan bien algunas cosas al improvisar y el que tengan una buena noche les hace creer que los son, cuando solo son músicos como todos los demás. Esta manera de organizar la actividad musical en España, totalmente darwinista social, tiene el inconveniente de que deja fuera a muchos músicos que hacen una música de valor pero que es minoritaria o incomprendida, al tiempo La democracia musical [99] que da privilegios a aquellos músicos que muchas veces no saben tocar pero que tienen un físico espectacular, y que se imponen en todos los sitios como los únicos que pueden tocar, grabar o salir en televisión, por ser los más guapos. Por ello no creemos que esta solución darwinista social sea la alternativa para el futuro. [100] EMILIO VALDIVIÉ 28 El modelo canadiense En un país avanzado, la situación musical debería ser parecida a la que se da en Canadá: solo pueden tocar en público y cobrar aquellos músicos que hayan estudiado dos años de música en los institutos de formación profesional. Estos músicos tienen su SS, su pensión, pagan sus impuestos y tienen sus contratos con un salario mínimo estipulado. Luego hay los músicos de música clásica que estudian en la universidad cinco años. Cada músico profesional toca lo que sabe hacer, tiene protegido su derecho al trabajo, no se le puede reventar un concierto suyo (es ilegal) y todos los músicos profesionales del país tienen oportunidades para tocar en distintos eventos y en televisión, por rotaciones. Se dan oportunidades a todos los músicos profesionales y tienen sus derechos como los otros trabajadores, protegidos por las leyes canadienses. Esta situación ideal es difícil que llegue algún día a España, por las características mucho más broncas de nuestros paisanos, pero debería ser nuestro modelo. La democracia musical [101] El éxito vuelve locos a muchos músicos cuando están en el escenario, se vuelven adictos al éxito y quieren seguir disfrutando de estas mieles muchas más veces, por eso cuando bajan del escenario lo primero que piensan es eliminar a sus competidores, primero difamándolos, diciendo que son feos, viejos, asqueroso hippies, que dan pena en el escenario, que son patéticos en el escenario, que no saben moverse, que no saben tocar, que sus canciones no gustan a nadie, que son unos tarados , que su estilo es anticuado, etc., y si mediante la difamación no consiguen eliminar a sus competidores, entonces empiezan a usar métodos más radicales e ilegales, como el «recomendar» a sus amiguetes que no contraten a sus enemigos musicales, que les hagan el vacío (es el típico mobbing que se sufre constantemente en esta profesión), que nadie les saque en sus radios, televisiones o periódicos, que estén vetados en todos sitios, que se les expulse de YouTube y Facebook y que se les haga la vida imposible de todas la maneras legales e ilegales que existan. Estos individuos se comportan así especialmente si ven que durante unos años han tenido el control de lo que se hacía en su ciudad en estos temas de conciertos de rock y similares, y ahora ven que llega otra gente de una nueva generación que les está apartando y quitando el negocio de las manos; entonces este tipo de individuos se vuelve muy peligroso y hace todo lo que puede, muchas veces ilegalmente, para impedir que la amenaza para su tinglado que representan los nuevos llegados, progrese y se imponga en su ciudad. Este ciclo ocurre cada diez años aproximadamente, cuando aparece una nueva generación de grupos de rock en [102] EMILIO VALDIVIÉ la ciudad que sustituye a la anterior y quiere tomar las riendas del poder en la ciudad respecto a organizar conciertos y recibir ayudas del ayuntamiento. En realidad, lo que debería hacer todo ayuntamiento es promover que todos los que hacen música en la ciudad, en cualquier estilo, tengan su oportunidad de tocar en la ciudad, así debería ser pero en la práctica vemos que se forman rápidamente círculos de favoritismos en toda ciudad, poco después de la llegada al poder de un nuevo consistorio. Como dice la legislación local y todos los manuales de gestión cultural, el deber de todo ayuntamiento es dar trabajo a los ciudadanos de ese municipio, en este caso a todos los músicos de esa ciudad, de la misma manera que ese mismo ayuntamiento contrata a jardineros, albañiles, electricistas y basureros que son de la ciudad, en vez de contratar a gente de fuera de la ciudad. Así pues, nosotros creemos que el único futuro que puede esperar a la actividad musical es su democratización total, por medio de la enseñanza de la música a todos los españoles: de la misma manera que se enseña a leer y escribir, hay que enseñar a leer y escribir música desde primaria a la población para que la mayoría de los españoles no sea analfabeta musical, para que no sea patillera y toque mal. Cuando en este país ya hemos logrado que la mayoría de la población no sea analfabeta de letras y escritos, ahora falta conseguir que la mayoría de la población española tenga un nivel de educación musical parecido a un segundo o tercer curso de conservatorio (como mínimo) que le permita hacer su música y tocar instrumentos. La democracia musical [103] Por supuesto, los músicos de carrera se opondrán a que llegue esta situación, porque se quedarían sin el monopolio de hacer música solamente ellos, pero la realidad no será exactamente así, sino que los músicos de carrera seguirán existiendo para tocar aquellas obras musicales más difíciles que, por supuesto, la mayoría de la población no podría tocar con un nivel de segundo o tercer curso de conservatorio. Así que los músicos de carrera seguirán existiendo, pero desaparecerán los patilleros, es decir, los que tocan mal sin saber música, porque la mayoría de la población ya sabrá música. También desaparecerá el interés por ir a conciertos masivos de estrellas del rock o de la canción, porque la gente preferirá tocar en su casa o con el grupo de sus amigos, donde se lo pasará mejor, al tiempo que aprende música y hace sus temas. [104] EMILIO VALDIVIÉ 29 Pocos genios de verdad Hay que definir ahora qué es un genio en el arte: según los historiadores del arte, un genio es un artista que introduce un nuevo estilo original o una nueva técnica que va a ser seguida luego por miles de imitadores del maestro. Según esta definición, en la música popular del siglo XX se han dado muy pocos genios de verdad: Duke Ellington, Miles Davis, Charlie Parker, los Beatles, Jimi Hendrix... Es un abuso llamar genio, por lo tanto, a un intérprete musical que ha tenido una buena noche muy inspirada y ha cantado o tocado muy bien. No se puede llamar genios a los intérpretes, a menos que cumplan alguna de las condiciones expuestas antes para serlo. La mayoría de intérpretes musicales son grandes técnicos con muchos años de formación y de oficio, pero no son genios. Debemos definir también qué salario debe recibir el genio en la música; desde luego debe cobrar más que nadie por ser un creador e innovador. Por debajo de él, en categoría y en salario, está el virtuoso, es decir, el intérprete que toca obras de gran dificultad. La democracia musical [105] Siempre aparecerán tiranos en la música que querrán ganar más dinero que los demás y tocar más veces que los demás, con el argumento de que son genios o que tienen un gran talento. Genios no lo son si no cumplen las condiciones estipuladas antes. Un buen intérprete que tiene una buena noche muy inspirada NO es un genio. Tampoco pueden tener los virtuososmás privilegios que el resto de los músicos aunque toquen obras de gran dificultad, en todo caso podrán cobrarmás por tocar esas obras pero no podrán tener más actuaciones que el resto de los músicos. Siempre aparecerán tiranos de la música que intentarán quedarse con las pocas oportunidades para tocar y para ganar dinero que se dan en este oficio, pero es el deber de las leyes el impedir que este tipo de tiranos pueda conseguir sus objetivos. Como ocurre en la vida social y política, en la música nos encontramos con dos tendencias, la igualitaria defendida por nosotros por la cual creemos que toda la población debe conocer cómo se hace la música (y de esta manera no se dejará seducir más por trucos musicales de los tiranos de la música que quieran ganar dinero a su costa), y por otro lado la tendencia tiránica por la cual unos cuantos «genios» quieren quedarse con todas las posibilidades de tocar y de ganar dinero en este país, a los tiranos de la música les interesa sobremanera que la gente sea estólida musicalmente porque así le pueden colocar sus productos musicales más fácilmente para enriquecerse vendiendo esos productos musicales llenos de aditivos musicales tóxicos que los hacen más dulces o más estremecedores. [106] EMILIO VALDIVIÉ 30 Los tiranos de la música En la vida musical, como en la vida política, hay que estar luchando constantemente contra estos tiranos de la música y hay que vigilar que se dé la igualdad de oportunidades para todos. Como vimos en la Transición, en aquella época aparecieron nuevos talentos que casi no sabían tocar, como A. pero aprovecharon el movimiento que se daba en Madrid conocido como la «movida», para promocionarse, gracias a contar con C., que la escribía canciones originales y divertidas. Pero cuando se fue del grupo A., se convirtió en un grupo de música comercial imitador de Gloria Gaynor y de grupos caribeños para convertirse en el grupo millonario que es actualmente y ahora además son del PP, en un proceso vital que se parece mucho al seguido por cientos de miles de otros jóvenes de la Transición que ahora ya son de una edad, que han olvidado en estos últimos 35 años los valores de la Transición para dedicarse solamente a hacer mucho dinero. La democracia musical [107] Este decepcionante curso vital de tantos cientos de miles de españoles, desde la Transición hasta la actualidad, dice muy poco a favor de la calidad de nuestra democracia. Lo mismo puede pasar con los actuales jóvenes de 20 años que tocan en grupos, muchos de ellos quieren ser famosos y ganar dinero como sea, y son capaces de hacer cualquier cosa para conseguirlo. Son los nuevos fachas, sin saber que son fachas, porque no han conocido el franquismo, quieren triunfar y ganar dinero como sea y sin escrúpulos. A este tipo de tiranos de la música es a los que hay que parar los pies para que no usurpen todo el mercado musical y para que dejen que podamos tocar los demás, es decir, todos. Muchos de estos jóvenes de 20 años caen en actitudes nazis cuando dicen que quieren impresionar al público, tocando la guitarra mil por hora, cuando dicen que quieren sentir el poder que tienen sobre el público y quieren sentirse seres superiores en un escenario. [108] EMILIO VALDIVIÉ 31 Las perplejidades del oído humano Los filósofos han estudiado mucho las perplejidades de la percepción humana referidas a la visión pero no lo han hecho tanto con las perplejidades que nos ofrece la audición humana. Aristóteles ya describió en sus Problemas algunas de estas perplejidades que, hasta el momento, no se han podido explicar científicamente. Entre ellas mencionemos el hecho de que a nadie le gusta una música la primera vez que la escucha, pero conforme la va escuchando más veces, más le va gustando hasta que llega un punto que, de tanto escucharla, se convierte en parte de su vida, del hilo musical de su vida, y no puede pasar sin escuchar esa música. Hasta el descubrimiento del fonógrafo hace 100 años, la música solamente se podía escuchar una vez y de cuando en cuando. Ahora, en nuestra época , como decía Adorno, la posibilidad de repetir una canción las veces que se quiera gracias a disponer de tocadiscos, casetes y CD hace que este efecto no explicado que tiene la música sobre nosotros, según si la La democracia musical [109] escuchamos por primera vez, en las veces siguientes o de una manera adictiva cada día, este efecto haya sido aprovechado maquiavélicamente por las discográficas y los productores de discos para producir un tipo de música diseñado para ser escuchado miles de veces como si fuera una música-droga, pensado para dar grandes beneficios a estos fabricantes de productos musicales. Sin este efecto de droga que tiene la música cuando se escucha muchas veces, no se habría dado el fabuloso negocio de la música de los últimos 70 años, con ventas millonarias de discos. Otra de las curiosidades de la audición humana es que la gente no soporta escuchar una música a la que no está acostumbrada, debido a ello se produce muchas veces el rechazo del público hacia unmúsico innovador o hacia un grupo musical de un país raro, pero cuando el público se acostumbra a esos sonidos nuevos entonces le empiezan a gustar. Es debido a este fenómeno que la música produce un rechazo o un placer inmediatos y que se dan tantas peleas y discusiones por temas musicales y por preferencias musicales. Es muy difícil encontrar dos personas que les guste lo mismo en música, y esto se puede explicar por estos efectos que tiene la música sobre la audición humana. En la Edad Media, cada ciudad europea y árabe tenía su propio taller de música donde se hacía música según el gusto y las técnicas de esa ciudad, tanto para componer fugas, motetes y canciones como respecto a la técnica para tocar los instrumentos. [110] EMILIO VALDIVIÉ Debido a ello, era frecuente que la gente de una ciudad no soportara la música que se hacía en otra ciudad, porque tenían talleres de música distintos con distintos conceptos en cuanto a cómo componer y sobre qué técnicas utilizar. En nuestra época, las peleas por diferencias musicales siguen dándose, así en Barcelona siempre han tenido mucha influencia los músicos de jazz mientras que enMadrid siempre han dominado los músicos de pop-rock. Lo que gusta en una ciudad no gusta en la otra y lo que gusta en un país no gusta en otro, en parte debido a las tradiciones musicales distintas de cada país que funcionan como una barrera para la entrada de la música extranjera en los oídos de los nacionales. Asimismo se da el efecto de que si alguien ha estado tocando durante meses o años música de Schubert, por ejemplo, luego no soporta escuchar ningún otro tipo de música y tiende a desvalorizar lo que hacen otros músicos de otros estilos o que tocan a otros compositores. Lo mismo ocurre cuando alguien lleva tocando muchos años unas obras de gran dificultad, se acostumbra a ver la música como un asunto de gran dificultad técnica y ya no soporta escuchar obras más sencillas puesto que ya ni las entiende ni le entran en su mente. Por eso, porque cualquier particularidad en la persona, en su experiencia musical, en lo que esté tocando, en su origen nacional, en sus costumbres de escuchas musicales, cualquiera de estos condicionantes puede llevar a que dos personas se odien por diferencias musicales, porque una esté acostumbrada a escuchar o tocar algo y la otra esté acostumbrada a tocar o La democracia musical [111] escuchar otra cosa. Así las diferencias por gustos musicales son muy frecuentes y aparecen por cualquier mínima variante en la música. Demócrito explica que cada persona tiene una constitución física y mental distinta y percibe la realidad de una manera distinta según su constitución física y mental. A una persona una música le puede resultar cacofónica mientras que a otra persona esa misma música le puede resultar agradable. Como el oído humano posee estas curiosas reacciones, sin explicación todavía (a menos que recurramos, como hacían los filósofos posmodernos, a la física cuántica para explicar estas cosas raras en la percepción humana de la realidad, especialmente en la audición), entonces debemos legislar leyes que eviten el enfrentamiento entre personas y músicos por estas diferencias musicales que provienen, casi siempre, de diferencias en sus experiencias musicales y diferencias en sus costumbres. Hay otro efecto curioso también y que es propio de la audición humana y es que cuando escuchamos un disco con música, a veces un día nos parece que no vale nada y otro día nos parece que no está tanmal: el disco es siempre el mismo, somos nosotros los que hemos cambiado, según cómo nos encontremos ese día y según las circunstancias ambientales. Esto ocurre mucho en los estudios de grabación, donde los músicos muchas veces no están contentos con su performance y quieren repetirla una y otra vez hasta conseguir la toma perfecta, aunque para los ingenieros de sonido la primera toma ya fuera buena. [112] EMILIO VALDIVIÉ En estos casos hay que alejarse del estudio de grabación unas horas o días, para volver más tarde a escuchar lo que hemos grabado, ahora con un distanciamiento que nos da el tiempo que haya pasado desde que lo grabamos y juzgar si es bueno o no. Por ello, porque existen tantos fenómenos raros en la audición humana, todavía no explicados científicamente y que ya fueron observados por los escépticos griegos, hay que tomar ante la música una actitud de prudencia, porque el que nos guste o no una pieza musical depende de muchos factores que no controlamos y que llevan a que casi nadie concuerde en ese gusto. Por eso llegan las peleas entre fans de uno u otro grupo y las peleas entre partidarios de un guitarrista o de otro. La democracia musical [113]

Respeto a todas las músicas Como la audición humana es así de caprichosa, deberíamos respetar todas la músicas y todo lo que hace la gente en música, aunque no nos guste, y no deberíamos censurar lo que hacen algunos músicos, boicotearlos o impedirles que puedan tocar, porque nadie está totalmente seguro de su juicio auditivo y musical, estando este juicio sujeto a tantas variantes como hemos mostrado. El respeto a lo que hace todomúsico se impone, aunque no nos guste lo que toque. Una legislación avanzada debería proteger los derechos de todos los ciudadanos a hacer sumúsica sin que el enterado de turno la difame simplemente porque ese enterado tiene otro tipo de experiencias musicales. Hay que proteger el derecho de todos los ciudadanos a que sea respetada su música porque la mayoría de las veces, las críticas que puedan hacer los otros músicos o los ciudadanos a su música, provienen de experiencias musicales distintas que les hacen muy parciales en sus juicios y además se dejan llevar por todas esas particularidades de la audición humana que hemos mencionado antes, sin tenerlas en cuenta. La democracia musical [115] En la Historia de la Música han sido muy frecuentes las incompatibilidades entre músicas y entre músicos, incompatibilidades que pueden explicarse por esos efectos extraños de la audición humana y sus conexiones cerebrales. Mencionemos, como hace Roger Alier en su divertido libro Sotto voce, Ed. Robinbook, 2003, pag. 89, los insultos que recibía Wagner: «De las enfermedades wagnerianas: su causa es el abuso de licor tóxico, del elixir tetralógico, de las cápsulas opiáceas de Tristán y del veneno de la Parsifalina, cuyas pocas gotas desconcentran los cerebros más equilibrados. Wagner causa wagneriola, que se cura escuchando a Mozart, causa wagneromanía y wagneralgia, que se curan escuchando acordes perfectos y el agua pura de melodía, con macarrones de Rossini y sopas de Meyerbeer, y fricciones con el bálsamo de Bach y Haendel, pero el abuso diario de Wagner causa la locura cuando el sujeto se pasaba el día diciendo "Wagner, Wagner". La wagneriana estaba compuesta por leit-motivs, acetatos de disonancias, partículas infinitesimales de melodía, gran dosis de aceite de fastidio y una substancia turbia y espesa llamada wagnerina...». Si en el siglo XIX la gente se detestaba recíprocamente según si era wagneriana o verdiana, en nuestra época la gente se divide en todavía muchas más opciones según si son fans de unos u otros grupos musicales. Además, las preferencias entre los guitarristas por parte de los fans llegan a extremos de hostilidad cuando a alguien le gusta más un guitarrista que otro que es preferido por otro individuo. Todo ello indica que la música está mal en nuestra época. [116] EMILIO VALDIVIÉ 33 La dictadura musical Debemos elegir entre vivir en una democracia musical donde toda la población entienda de música y pueda tocar y hacer música y pueda presentarla en público libremente, o bien si queremos seguir viviendo en una dictadura musical como la actual donde hay una serie de tiranos que usan la música para enriquecerse y son los únicos que pueden tocar en público y salir en televisión. La actual situación de indefensión legal, de vacíos legales en que se encuentra la legislación sobre la profesión musical en España, solamente beneficia a los tiranos de la música, a los que ganan mucho dinero vendiendo productos musicales llenos de trucos musicales y de aditivos musicales para fomentar su éxito y su consumo compulsivo. La situación actual de los músicos en España es propia de una república bananera tercermundista, cuando hay ya tantos otros sectores profesionales españoles que han conseguido que sus trabajos tengan condiciones dignas y donde se respeta su derecho al trabajo y en buenas condiciones. No hay ningún soldador o albañil omecánico de coches que aguante quemientras esté trabajando unos saboteadores La democracia musical [117] le pongan nervioso, murmuren sobre él, no le dejen trabajar, le insulten, le quieran reventar su negocio y además le amenacen con agresiones físicas e incluso con la muerte. En ningún sector profesional se admite ya hoy en día elmobbing ni las malas condiciones de trabajo que tenemos que sufrir los músicos por parte de otros músicos mafiosos que no nos dejan trabajar para quedarse ellos con los únicos «bolos» disponibles y que difaman e insultan a sus competidores músicos al tiempo que predisponen al público contra ellos. Esto solo ocurre en la profesión musical y debe acabarse ya con una nueva legislación que proteja a todo músico de los mafiosos y que le defienda en su derecho a trabajar. La actual legislación española sobre la actividad musical solo beneficia a los que ganan mucho dinero con la situación actual, a las supuestas figuras de la música (aunque con frecuencia solo son astutos oportunistas) que se reparten el pequeño pastel de 40 ó 50 figuras musicales que pueden tener éxito cada año y ganar dinero en España. Parece como si los políticos hubieran dejado expresamente a este mundillo de la música popular (y en menor medida también al de la música clásica) como el único lugar que queda actualmente en España sin ley, salvaje, a la buena de dios, donde campan por sus anchas los mafiosos y donde las personas normales no pueden trabajar tranquilamente como músicos. Parece que los políticos hayan dejado al mundillo del música popular como un campo de batalla para la gente más vulgar, más primitiva, más violenta, más salvaje para [118] EMILIO VALDIVIÉ que se pelee entre ella al estilo darwinista para conseguir bolos y éxito. La música es sin duda una de las actividades humanas donde los conflictos personales emergen de una manera más fácil, cada músico ama a su propia música por encima de todo, en un auténtico narcisismo musical y no soporta la música que hacen otros, le parece que él si quisiera también podría hacer cualquier música que hacen los otros (y no se da cuenta de que entonces se convertiría en un imitador de esa música que hacen otros) y somatiza su propia música hasta el punto de que pasa a formar parte de su yo, de su cuerpo, de su alma, y no soporta que nadie ataque a su música o diga que es mala o que toca mal, porque entonces solo piensa en matar al que se haya atrevido a decir eso. Este tipo de músico vulgar, sin cultura, resiente que están atacando a su ser, a una parte de él, cuando se ataca a su música y reacciona violentamente contra eso. Hay que reconocer que es muy difícil mantener la cordura mental y la cabeza fría en unmundillo como la música donde en cualquier momento te puedes equivocar al tocar una nota y donde el éxito y el fracaso son tan inmediatos y contundentes. Para soportar todo lo que conlleva el ejercicio de la música, hay que tener mucha cultura, y saber mucho de música para verla con perspectiva y no dejar que te vuelva loco. Muy pocos músicos alcanzan este nivel de ser capaces de tocar bien y al mismo tiempo no dejar que la música les afecte negativamente a nivel mental, y la mayoría de estos pocos músicos que consiguen este estado son músicos de carrera, de conservatorio, pero no todos ellos. La democracia musical [119] La situación de los instrumentos actuales, que desde el Renacimiento se han ido perfeccionando más y más, permitiendo cada vez más sutilidades, matices y posibilidades sonoras a los compositores, llegando a la situación actual en que la electrónica ha multiplicado por mil las posibilidades sonoras de los instrumentos actuales, especialmente de la guitarra electrónica (no eléctrica, pues debería llamarse electrónica propiamente) ha permitido que aparecieran cientos de miles de músicos, cada uno con sus hallazgos musicales propios, con su sonido propio, con su marca de fábrica musical propia, porque los instrumentos actuales, con su sonido modificado electrónicamente de mil maneras distintas por todo tipo de amplificadores y efectos de sonido, permite que cada músico o grupo musical encuentre o fabrique su propio sonido y su propia personalidad musical que los distingan de los demás grupos. De esta manera tenemos actualmente cientos de miles de músicos, cada uno muy ufano del sonido que ha encontrado para él mismo y que ama por encima de todas las cosas, ama a su sonido propio, a su música, a su manera de tocar. Tenemos así millones de particulares, como diría San Agustín, cada uno de ellos enamorado de su propia música, que es distinta hoy en día a la música que hacen los otros músicos porque los instrumentos actuales electrónicos permiten esa cantidad enorme de diferencias de sonido. Estos millones de particulares solo aman lo que hacen ellos y odian lo que hacen los demás, que les resulta una música insoportable. Además, quieren tener éxito solamente [120] EMILIO VALDIVIÉ ellos y no quieren que nadie más pueda grabar o tocar en público o salir en televisión. Para San Agustín, esto es una catástrofe pues pone en el mundo a millones de particulares cerrados en sí mismos, autistas de su propia música a los que no les interesa nada ni la civilización ni el progreso de la humanidad, encerrados en sus propias músicas egoístas y además, lo que es peor, enfrentados unos contra los otros por imponer cada uno de ellos sus particularidades sobre los demás. Y es que cada particular músico siempre encontrará alguna melodía que sea única, que sea un éxito o que atrape a la gente, porque la música es un depósito inmenso de materia musical, lleno de motivos musicales, acordes, formas musicales, ritmos y todo particular siempre encontrará en ese depósito algo que nadie más había encontrado antes: por eso, aunque dispongamos tan solo de siete notas musicales, siempre aparecerá gente que componga canciones u obras musicales interesantes. Además, cada particular es, por ser un particular, un tipo único en sus características físicas y mentales y de estas características surge también la posibilidad de que lamúsica que haga ese particular lleve sus señas de identidad diferenciales respecto a lo que puedan hacer otros miles de particulares. Por eso siempre surgirá música con la marca de fábrica de cada particular. De unamanera inevitable, ello conduce al enfrentamiento entre los particulares, cada uno de ellos intentando que su propiamúsica sea la única que tenga éxito, porque en sumúsica está incluido él mismo con todas sus particularidades. La democracia musical [121] San Agustín prefería una música que no llevara al enfrentamiento, sino a la concordia entre todos los particulares. Una música que no fuera el producto de cada particular con sus particularidades, sino que fuera una música universal. San Agustín buscaba la unión de todos los particulares que forman la humanidad en un proyecto común, en el cristianismo, en una concordia, tocando una música que llevara al amor entre los hombres y no al odio. Además San Agustín se revolvería en su tumba si viera que esta música que practican ahora millones de particulares, es una música totalmente materialista, referida a satisfacer pasiones primarias y placeres inmediatos y amplificada en su materialismo por las posibilidades que ofrece la tecnología electrónica actual. Es en la guitarra eléctrica (propiamente deberíamos decir guitarra electrónica) donde este fenómeno del exceso en material musical y en posibilidades musicales es más acusado. La guitarra clásica siempre sonaba poco, a lo lejos, pero desde que esta guitarra fue amplificada, aparecieron de pronto miles de sonidos y de matices que en la guitarra clásica se perdían pero que ahora eran amplificados y manipulados de mil maneras por procedimientos electrónicos. La guitarra eléctrica posee una enorme variedad de posibilidades sonoras y la prueba de ello es la gran cantidad de figuras de la guitarra eléctrica que han aparecido en sus 70 años de historia. Cada figura de la guitarra eléctrica explota alguna técnica, alguna manera de usar los dedos, de atacar con la púa, [122] EMILIO VALDIVIÉ de usar algún efecto de sonido y hay tantas posibilidades o estilos de tocar la guitarra eléctrica como cientos de figuras de la guitarra eléctrica existen, cada una de ellas con su sonido y su «toque» característico. Pero si damos una guitarra clásica a estos guitarristas eléctricos famosos, veremos que todas sus señas de identidad característica desaparecen y que todos ellos tocan más o menos igual cuando usan una guitarra clásica y todos ellos suenan parecido cuando tocan una guitarra clásica, porque su estilo característico que les ha hecho famosos depende totalmente de tocar una guitarra eléctrica y de aprovechar sus inmensas posibilidades de trabajar su sonido. Si Platón viviera en nuestros días diría que hay que prohibir la guitarra eléctrica, la consideraría un instrumento diabólico que está por encima de las posibilidades humanas de hacer música civilizadamente, pues la guitarra eléctrica vuelve locos a sus intérpretes y a su público, que se pelea según los partidarios de un guitarrista o de otro sin atender a que cada guitarrista está explotando una manera de las muchas que hay, de tocar la guitarra eléctrica. Platón prohibiría la guitarra eléctrica porque lleva a mucha gente a la irracionalidad, al salvajismo y a conductas primitivas. Toda persona que toque la guitarra eléctrica va encontrado con el tiempo, licks, riffs, solos, acordes, secuencias y matices que solo le salen bien a él y a nadie más y todo guitarrista eléctrico, se enamora de esas cosas que va descubriendo que solo sabe hacer bien él y su personalidad se transforma para volverse la de unmonstruo que solo vive para tocar su guitarra y que reclama para sí mismo éxito y La democracia musical [123] dinero por su «superioridad» tocando o por sus habilidades, que muchas veces se reduce a tocar unos cuantos «powerchords» de cuartas o quintas y unos cuantos solos copiados de alguna figura de la guitarra eléctrica. Aunque parezca increíble, éste es el mismo proceso por el que pasan todos los guitarristas eléctricos, tanto los aficionados como los profesionales: se creen que ya son figuras de la guitarra porque les salen bien algunas cosas tocadas con la guitarra eléctrica, sin que atiendan a razones ni quieran entender que cada guitarrista, de una manera natural, va encontrando su propio estilo simplemente con el tiempo, por el mero hecho de ensayar y practicar. Por eso la guitarra eléctrica vuelve locos a todos los guitarristas, además porque ninguno de ellos consigue dominar nunca las inmensas posibilidades que ofrece, se le escapa de las manos literalmente el asunto y nota que debe ensayar cada día para poder tocar bien las cuatro cosas que a él le salen bien. Habría que prohibir la guitarra eléctrica porque sus posibilidades sonoras y sus requerimientos para tocarla están por encima de las posibilidades humanas de controlarlas sin enloquecer. Como hemos dicho antes, parece que los políticos han dejado este campo de la música popular como uno sin leyes, como un espacio donde afloran las particularidades de cada individuo, en su forma más vulgar y primaria, pues en tanto que es un músico, deja salir al exterior sus particularidades de su persona en cuerpo y mente, en forma de ideas musicales, sonidos, canciones melodías, riffs, solos o [124] EMILIO VALDIVIÉ una manera de hacer música que es propia de este individuo y de nadie más. Como cada ciudadano es distinto, necesariamente la música que haga ese ciudadano también será distinta en relación a las particularidades propias de ese ciudadano. Si en un país civilizado se busca que las particularidades de cada ciudadano puedan realizarse libremente sin entrar en conflicto con las de los otros ciudadanos, parece que en el campo de la música popular el Estado o los teóricos de la política se han olvidado de legislar para que también en la música popular cada ciudadano tenga asegurada su libertad de tocar y de hacer música al mismo tiempo que no perjudique la libertad de los otros ciudadanos para hacer lo mismo. Lo que vemos que ocurre es todo lo contrario, con la legislación penosa actual sobre la música en España, cada músico acaba chocando contra miles de otros músicos, odiando lo que hacen los otros y luchando para conseguir un bolo o una oportunidad de tocar. Se ha dejado que el mundillo de la música popular en España fuera una selva donde triunfara el más fuerte. Y a veces el más fuerte no era el mejor músico sino el matón de barrio que con sus dos metros de altura amenazaba de muerte a empresarios, a otros grupos y a periodistas para ser él, el único que consiguiera bolos, entrevistas y oportunidades. Para cada músico, su música es única y es la suya, como es suyo su cuerpo y su mente, su cara, su personalidad. Cada músico encuentra, con los años de oficio, secuencias musicales, melodías, acordes y otros materiales La democracia musical [125] musicales que va a trabajar para hacer su música, que siempre tendrá características distintas respecto a las músicas de otros músicos, necesariamente, por ser todos personas distintas y cada uno de ellos con sus particularidades. La guitarra eléctrica, con todo lo que la electrónica ofrece al músico actual, lleva al enfrentamiento entre los músicos, cada uno muy contento con haber encontrado un sonido propio y un filón musical para explotar de entre las miles de posibilidades que ofrece la tecnología musical actual. Todomúsico se aferra a esa patente suya única que pueda darle dinero y éxito en el futuro y reacciona muy violentamente contra cualquiera que quiera quitársela o que la critique. La electrónica ha desmadrado la profesión musical y la ha convertido en una selva donde impera el irracionalismo, los comportamientos primitivos y la agresividad, por eso deberían prohibirse los instrumentos electrónicos, porque impiden el ejercicio civilizado del trabajo musical. Todo ello es empeorado por la existencia de los «patilleros», los músicos que no quieren aprender música y que tocan mal, de cualquier manera, chapuceramente, porque no saben leer partituras y no saben lo que se hacen, los «patilleros» son los más agresivos y peligrosos de todos los músicos actuales desaforados , además degradan la música tocándola mal, se les va al olla fácilmente y enseguida exigen cobrar por hacer un trabajo que la mayoría de las veces no es más que un mala imitación de la música de un grupo extranjero, los «patilleros» son una plaga para la música, son intrusos profesionales, son competencia desleal y son unos [126] EMILIO VALDIVIÉ gandules de campeonato porque hoy en día se necesita un curso para trabajar en cualquier industria o fábrica pero ellos se niegan a estudiar al menos un primer curso de música, ofendiendo de esta manera a todos aquellos que nos hemos molestado en estudiar varios años de música. Cientos de miles de músicos, de entre ellos los «patilleros» los más violentos, tienen ahora un sonido propio y una manera de hacer música propia gracias a las inmensas posibilidades que ofrecen los instrumentos electrónicos, y se pelean contra los otros músicos y grupos por conseguir bolos y éxito, en una situación que es totalmente propia de la Prehistoria y nada civilizada. Sin legislación esto es una selva donde cada músico lucha por imponer sus particularidades y sus habilidades propias en música, para ser el rey de la selva, para ganar dinero y para ser el único tirano en este mundillo. El yo de cada particular y su música forman un todo compacto, de manera que todo músico reacciona muy mal cuando se ataca a su música, resintiéndolo como si se le atacara a él mismo en persona. El músico que quiere ganar mucho dinero con la música (nosotros consideramos que no es un verdadero músico, pues el verdadero músico toca por amor al arte) siempre encontrará fórmulas musicales que le den el éxito, porque la música es muy rica en posibilidades musicales y en recursos sonoros y si un pesetero quiere encontrar fórmulas musicales de éxito, las encontrará o las diseñará. Fabricará productos llenos de trampas musicales para fomentar la adicción a ese producto musical por parte de La democracia musical [127] los consumidores compulsivos y convertirá a ese producto musical en una especie de droga que el público no pueda parar de escuchar o que le dé marcha o un subidón. Por eso reclamamos que el público español entienda de música, porque un público ignorante en música es más fácil de estafar y de engañar con esos productos musicales diseñados para dar mucho dinero, mientras que un público educado en la música y sus técnicas, difícilmente se dejará engañar pues conocerá muchos tipos de canciones y de formas musicales distintas, sus secuencias de acordes, las escalas que se usan, etc., y no se dejará utilizar por los peseteros de la música. Por supuesto, estos peseteros son los más interesados en que la población actual siga siendo lela en materia musical, porque así la pueden manipular fácilmente. Una futura legislación musical en España debería impedir que estos peseteros puedan usar todos esos trucos musicales y otros recursos musicales ilícitos y tramposos para fabricar productos musicales de ningún valor artístico pero irresistibles de consumir por parte del público. Entre estos trucos musicales, mencionar el uso masivo de amplificación como hacen los grupos de heavy, de distorsionadores y de otros efectos de sonido, de guitarras especialmente diseñadas para tocar amucha velocidad por ellas, de tipos de canciones que dan a los músicos y a su público una falsa sensación de poder y de totalidad, prohibir los programas de televisión donde se promocionan los cantantes y músicos peseteros para hacer solo programas de televisión donde salga todo el mundo que hagamúsica a enseñar lo que [128] EMILIO VALDIVIÉ hace, sin ninguna censura ni restricción ni requisito (pues suponemos que en una democracia musical todo el mundo ya toca bien porque ha aprendido música) e incluso prohibiríamos la canciones comerciales por ser, por definición, antidemocráticas ya que anulan la capacidad de pensar racionalmente de la gente para colocarle por la fuerza esa canción comercial diseñada para entrar en los oídos y las mentes de la gente sin poder para resistirse a ella. Recordemos que en otros siglos se prohibieron los intervalos de terceras y de sextas por ser considerados demasiado «sexuales» o que se prohibieron los intervalos de cuartas y quintas por considerarlos demasiado «poderosos». En nuestra época, queremos que la gente sepa de música, para que no puedan colarle una canción como Eres tú, de Juan Carlos Calderón y Mocedades, como un canción melódica, cuando es un espiritual negro, ni que Pink Floyd les pueda colocar también su canción Shine on you crazy diamond como una canción original novedosa y sorprendente de Pink Floyd, cuando no es más que otro espiritual negro. Cuando la población entiende de música, va viendo de dónde proceden la mayoría de las canciones e incluso la mayoría de los temas de las obras de la música clásica (pues siempre hay referencias en ellas de los compositores anteriores, en Bach de los renacentistas, en Haydn y Haendel de Bach, en Mozart de Haendel y de Haydn, en Beethoven de Mozart y Haydn y en Wagner de todos ellos). Como hemos dicho antes, el conflicto que se da ahora mismo en la música popular en España es el de elegir entre La democracia musical [129] una democracia musical o una dictadura de unas pocas figuras de la música, los tiranos de la música. No nos vale el argumento de los tiranos de la música según el cual ellos son superdotados, incluso genios, y que debido a ello tienen el derecho de tocar y ganar dinero con la música, mientras el resto de la población debe quedarse en su sitio como consumidora ignorante de los productos musicales que le coloque la figura de turno. No es válido este argumento porque los músicos sabemos muy bien que éste es un oficio que se aprende, y que hay oportunistas que se pasan años entrenándose y ejercitándose para llegar a ser «superdotados» en alguna faceta de esta profesión, por ejemplo en gritar mucho o en tocar muy rápido o en cualquier otra habilidad musical, con la esperanza de que cuando se conviertan en «superdotados» van a tener mucho éxito y dinero. Hay muchas maneras tramposas de tener éxito en música, y una de ellas es entrenándose durante años para poder hacer algo muy concreto en música, que impresione a la gente y que dé dinero. Si en el país hay una población educada en la música, difícilmente va a tolerar ser estafada por los supuestos «superdotados» que se presentan cantando más fuerte que nadie o gritando más que nadie o tocando más rápido que nadie, porque una población con conocimientos musicales le da lo mismo lo que hagan los otros y solo se preocupa de hacer su música y pasarlo bien tocando su propia música. Muchos «superdotados» solo lo son en alguna habilidad musical que les sale muy bien por naturaleza, pero pueden [130] EMILIO VALDIVIÉ ser perfectamente defectuosos en otras habilidades musicales; esto les pasa mucho a los músicos de jazz que son muy buenos tocando escalas rápidas y acordes difíciles pero que luego son espantosos tocando cualquier otro estilo musical, y ellos lo saben y por eso denigran tanto los otros estilos musicales, porque los tocan mal. No hay ningún «superdotado» en la música que sea perfecto, es decir, que lo pueda tocar todo y bien. Hay estilos, músicas, canciones u obras musicales que siempre se le van a resistir, por ejemplo al tenor que canta muy bien a Verdi pero que no puede con Wagner. En una democracia musical, todos sus ciudadanos tocan música y pueden tocarla libremente en conciertos masivos, festivales masivos, muestras masivas de música por las calles y cualquier otra ocasión sin que nadie se lo pueda impedir ni le pueda sabotear, destruir o boicotear de ninguna manera su música y su trabajo (que es lo que ocurre ahora mismo en España). Si existen maratones masivos de corredores, también puede haber conciertos masivos de gente tocando... juntos o uno después del otro. O se pueden hacer programas musicales de televisión que duren todo el día, como pasa en las cadenas que programan vídeos musicales todo el día, y que toquen así en directo una canción muchos grupos cada día. De esta manera podrían pasar cada día por la televisión hasta 100 grupos, tocando cada grupo una canción en directo. Esto también se puede hacer en las televisiones locales. La democracia musical [131] En una democracia musical no hay un estilo musical que sea dominante, como ocurre en Viena, Salzburg o Bayreuth, donde la música clásica es la única que se toca, o como ocurre en New Orleans, donde el jazz es la música «oficializada» y dominadora, o como ocurre en Nashville con el country. En una democracia musical, todas las ciudades deberían ser capitales de la música con todos los estilos musicales representados en igualdad de condiciones, mediante cuotas como las que proponemos ahora: 10% MÚSICA CLASICA. 10% ROCK. 10% JAZZ y JAZZ-ROCK. 10% BLUES y DUNKY. 10% FOLK Y MÚSICA ÉTNICA. 10% CANCIÓN MELÓDICA. 10% COUNTRY. 10% HEAVY. 10% OTROS ESTILOS, FLAMENCO, RUMBA. 10% INCLASIFICABLES. Con estas cuotas, todos los estilos musicales son tocados en los festivales de música de una democracia musical. Los peores estilos musicales son los que empeoran tanto a los músicos como a su público, son estilos que degradan a la gente en vez de elevarla, que reducen al público a ser una masa de carne que recibe una carga de marcha o de sensualidad o de vulgaridad musical, sin capacidad para pensar libremente. [132] EMILIO VALDIVIÉ Son músicas sin valor artístico, sin belleza, sin nada, que solo ofrecen exhibicionismos vacíos, una música dirigida al cuerpo, a los sentidos, a la sexualidad, sin ningún otro valor, una música totalmente material sin ningún valor espiritual o cultural, sin sabiduría, sin pensamiento, sin nada. Hay algunos estilos musicales que son más perjudiciales que otros, por ejemplo el blues comercial que deja a un lado todo lo que pueda tener de artístico el blues tradicional, para ofrecer al público un show tonto con el armonicista tocando espectacularmente todo el tiempo (pero sin llegar a ahogarse) y con el guitarrista tocando en un solo todos los licks y riffs existentes en los archivos de la guitarra de blues, de country y de rockabilly, con una evidente intención de impresionar a su público. Se reduce así el blues a un montón de sonidos voluptuosos, sórdidos y sensuales, sin valor artístico. Los mismos músicos que tocan este tipo de blues comercial se degradan también al tocarlo y se les va la olla fácilmente cuando se les critica. Es lo que toca gente como Bonamassa o Gary Moore, que muchas veces no sabemos si están tocando blues comercial o heavy. En todo caso, lo que tocan este tipo de blueseros comerciales ya no es el blues artístico de otras décadas. Tampoco es bueno el jazz-rock, que sin duda en es un estilo difícil de tocar, un jazz-rock donde llenan todos los espacios vacíos en la partitura con acordes de jazz para impresionar al público, sin nada de substancia musical en lo que tocan, este tipo de jazz-rock degrada también a los músicos que lo tocan, que se vuelven agresivos y peligrosos. La democracia musical [133] En general, esto ocurre mucho en el jazz del tipo más difícil y virtuosístico, pues sus practicantes con frecuencia degeneran personalmente. Luego hay cientos de grupos de jazz que no tienen ningún valor, pues solo saben tocar los estándares de siempre, usando en sus solos las mismas escalas de siempre usadas por las grandes figuras del jazz. Este tipo de grupos de jazz no tiene ningún valor pero a pesar de ello son mayoritarios y promovidos para que toquen todo el año. Es evidente que el antiguo gusto de los «pijos» ahora se ha convertido en gusto por tocar estándares de jazz, pero no nos engañan, son los mismos pijos que hace 30 años se volvían locos con los BeeGees, los Pink Floyd y Supertramp. Ahora les da por el jazz, muchas veces del tipo más comercial, porque es lo más «chic» ahora. Desde el Renacimiento se ha dado una mejora en los instrumentos musicales que durante la Edad Media habían sido toscos y duros de tocar, y esta mejora de los instrumentos ha seguido hasta la actualidad, permitiendo a los compositores trabajar con muchas más posibilidades sonoras y más riquezas de matices. Pero la electrónica ha superado el límite de lo que la naturaleza humana podía asimilar en cuanto a materiales musicales disponibles con los que trabajar; la electrónica ofrece una cantidad tan enorme dematerial musical a losmúsicos y ofrece asimismo unas posibilidades tan grandes de que cada músico se haga su propio cóctel de sonidos que le den una personalidad propia, que hay que encontrar alguna manera de limitar estos excesos que sufrimos actualmente y que [134] EMILIO VALDIVIÉ llevan a los músicos al enfrentamiento constante y a los malos rollos crónicos. Se han rebasado las posibilidades humanas de manejar el material musical disponible dentro de los cauces de lo civilizado, y de este exceso de posibilidades musicales surge la actual situación de odios, enfrentamientos, irracionalidad y primitivismo que caracterizan la vida diaria en la música popular en España. En la situación actual, todo músico, especialmente si es «patillero», se cree rápidamente que es un genio porque encuentra hallazgos musicales al tocar, de entre millones de hallazgos que la actual tecnología le permite encontrar, y se vuelve muy engreído, se le va al olla y defiende sus hallazgos musicales como de su única propiedad y espera enriquecerse con eso, es propiedad suya como si fuera parte de su cuerpo y la defiende como si alguien quisiera cortarle un brazo cuando le critica o le dice que no le gusta su música. La música vulgar se convierte así en una prolongación de la personalidad vulgar de los músicos que la tocan, y cada uno de esos músicos defiende violentamente a su ser, del que su música ha pasado a formar parte. Su música es suya, es una prolongación de su ser y la defiende ante cualquier ataque exterior contra ella, que es entendido como un ataque contra él mismo. Esta situación propia de navajeros es la que se ha dejado pudrir en España por falta de una legislación adecuada. Con muchos vacíos legales por donde se cuelan tanto los «patilleros» intrusos profesionales como los peseteros que quieren ganar mucho dinero con trampas musicales. La democracia musical [135] Se ha dejado que la música popular en España sea un campo de batalla todavía más violento y barriobajero que el campo de batalla que es diariamente la vida política en España o el deporte. Afloran los peores comportamientos de los ciudadanos, hay mobbing por todos lados, hay difamaciones constantes entre músicos, hay divismo estúpido por parte de «patilleros» que casi no saben tocar pero a los que se les ha ido la olla, hay egos sobrecrecidos hasta extremos monstruosos, hay psicópatas peligrosos que pueden llegar a matar si no consiguen el éxito, hay luchas infantiles y primarias por conseguir el éxito, hay privilegiados, hay amenazas de muerte, y cada músico defiende su música con navajas y cuchillos mientras denigra la de los demás, es como si los políticos españoles hubieran decidido dejar la música popular como el único campo profesional donde se toleran los odios, los boicots, los sabotajes, el mobbing, las difamaciones, los enfrentamientos constantes, las tiranías que ya no se permiten en todas las otras profesiones. Es como si hubiera un pacto tácito entre los gobernantes para dejar que el mundillo de la música popular sea el más vulgar y peligroso de todos los sectores profesionales en España y donde se incumplen todos los artículos constitucionales sobre el derecho al trabajo. Vemos que en Valencia, desde hace siglos seguramente, se da de hecho una democratización real de la música, porque la mayoría de los valencianos aprende música y toca en bandas de metales por toda esa región. [136] EMILIO VALDIVIÉ En Valencia casi todo el mundo sabe música y toca en alguna agrupación musical, es tradicional entre los valencianos y es una muestra de que la democratización de la música es posible, porque los valencianos la practican desde hace mucho tiempo. Además los valencianos, cuando tocan en público con sus bandas, muy pocas veces ganan dinero por tocar. Eso no impide que en Valencia sigan surgiendo grandes compositores de música académica, cantantes de éxito nacional y grupos de rock y de jazz, porque la democratización de la música no está reñida con la existencia de los músicos de carrera ni de los músicos con una obra original. Por otra parte, a los «músicos» de heavy que no saben música, hay que recordarles que cuando este tipo de músico aprende a leer partituras, se le abre todo un nuevo mundo musical lleno de posibilidades y empieza a interesarse por tocar otros estilos (incluso por tocar música clásica) y se va olvidando de tocar heavy. Esto demuestra que si todos los músicos de heavy aprendieran música, acabarían tocando todo tipo de otros estilos y se olvidarían del heavy, que es una «música» que solo quieren tocar los que no saben nada de música. Por la misma razón, cuando un «músico» de heavy aprende Historia del Arte, se va olvidando también de tocar heavy porque va viendo que es una «música» fea, anti-humana, anti-artística, llena de conceptos mal entendidos. Solamente los más fanáticos de ese estilo heavy siguen tocando con ese sonido de guitarra feo, anti-estético, propio de tecnócratas que no saben nada de Historia del Arte, La democracia musical [137] y encima escriben escritos teóricos intentando justificar su «música» que no es ni música, y en esos escritos teóricos casi siempre acaban diciendo que ellos tocan heavy porque quieren, para sentirse súper hombres tocando eso. O bien justifican la estética del heavy, que es la estética del feísmo y de la ignorancia, diciendo que esos sonidos de guitarra tan tecnócratas que ellos sacan a sus guitarras son los propios de nuestra época tecnócrata y que ellos solamente expresan lo que viven en este tiempo. Cuando los heavies tocan la Novena Sinfonía de Beethoven, lo hacen de la típica manera kitsch, es decir, sin entender nada de lo que hizo Beethoven en esa sinfonía y eliminando la gran riqueza de arreglos, instrumentaciones, orquestaciones y ornamentación con la que Beethoven dotó a su Novena Sinfonía, todo eso se pierde cuando los heavies tocan a Beethoven con sus amplificadores y sus distorsionadores. Todas las riquezas armónicas, genialidades compositivas y hallazgos musicales de Beethoven se pierden pues los heavies reducen la música de la Novena Sinfonía a cuatro notas y cuatro acordes, demostrando que no han entendido nada de la música de Beethoven. Tocan la Novena Sinfonía con su acostumbrada mezcla de mal gusto, conceptos mal entendidos y ganas de sacar a la música original de Beethoven de su contexto: es lo que se conoce como el arte kitsch. Hay que recordar que el heavy solo puede existir si existe la guitarra amplificada y distorsionada, sin esas herramientas, el heavy desaparece. [138] EMILIO VALDIVIÉ 34 El rock y la música nazi Para los historiadores del arte especializados en la música del siglo XX, Carl Orff y Werner Egk han representado al tipo del músico académico que ha compuesto la música preferida por los nazis alemanes de los años 30. El nazismo alemán aborrecía todo el arte de vanguardia, no solo en la pintura y en la arquitectura sino también en la música, una música que ha sido muy experimental a lo largo de todo el siglo XX. Los nazis alemanes promocionaban un arte simple, de grandes estatuas de atletas y soldados, con edificios grandiosos y fuera de toda medida y en el terreno de la música buscaban en las composiciones de Wagner y de Beethoven aquellos fragmentos que fueran más fuertes y grandiosos, para utilizarlos en las reuniones del partido nazi. La música promovida por los nazis era una música sin experimentación, sin cosas raras, una música simple, vigorosa, fuerte, muscular, épica, todo ella formada por secuencias impresionantes y exaltantes. La democracia musical [139] Carl Orff y Werner Egk les proporcionarán esta música infantil, vitalista, sin problemas, una música consistente en una exhibición de efectismos musicales sin dimensión artística pero una música muy útil para emocionar a las masas alemanas. Frente a toda la experimentación en la música académica a lo largo del siglo XX, la música nazi prescinde de todo ello, considera un arte degenerado a todo el arte vanguardista del siglo XX y se fija solo en aquellas dimensiones de la música que proporcionen al público una sensación de placer inmediato y de poder y que dé a la gente una fuerza y una inspiración para acometer empresas grandiosas. Los historiadores del arte nos explican que durante todo el siglo XX la música académica ha probado todos los caminos posibles para sacar más rendimiento a las miserables siete notas de las que disponemos para hacer música: se han probado todos los recursos musicales existentes para conseguir hacer unamúsica académica que, después deWagner, parecía condenada a repetir una y otra vez los hallazgos de ese compositor alemán y sus clichés. Debussy y Ravel aprovechan todos los acordes de novena y los acordes con más notas alteradas, así como los acordes disonantes que nadie había usado antes por no saber qué hacer con ellos. Debussy y Ravel encuentran una aplicación de estos acordes raros para transmitir impresiones como ocurre en el impresionismo pictórico, con impresiones de ondas, de atmósferas, de ambientes. Scriabin y Erik Satie siguen con esta experimentación de las evocaciones que sugieren al público [140] EMILIO VALDIVIÉ todos esos acordes raros hasta entonces no utilizados en la música. Stravinsky experimenta con ritmos primitivos y acordes disonantes en contextos violentos, y a lo largo de su carrera mezcla su neoclasicismo con la incorporación de nuevos elementos musicales vanguardistas. Charles Yves manipula las melodías de su país introduciendo disonancias y secuencias incompletas en ellas, al tiempo que es el ejemplo de compositor que se fija grandes proyectos musicales a partir de temas extra musicales, como por ejemplo en Concord y en su sinfonía sobre el Universo, nunca empezada. En este sentido Charles Yves es el modelo de todos esos compositores de carrera que quieren componer una gran pieza inspirándose en fenómenos extra musicales, como el movimiento de los planetas, el movimiento de las máquinas o el de la sociedad. A la vez, Charles Yves da también el modelo de compositor que, una vez ha encontrado un lenguaje musical propio, consistente en melodías, técnicas y series propias, escribe luego largas composiciones en las que se deja llevar por las sugerencias que le proponen sus mismas propias técnicas de secuencias, que degeneran pronto en clichés característicos del autor (y convirtiendo muchas veces esas composiciones en un rollo inacabable). Richard Strauss hace lo mismo, encuentra un lenguaje propio y basa su estilo en explotar hasta el límite las notas de paso en los acordes complejos con notas alteradas y se convierte en un maestro en esta difícil y laboriosa La democracia musical [141] técnica, llenando sus composiciones de este tipo de secuencias musicales. Messiaen desarrolla su lenguaje propio a partir de muchas series de notas elegidas y de los acordes que forman las notas de cada una de esas series. A veces dota a cada nota de una escala, de una serie propia para cada nota. Alban Berg y Schoenberg llevan a sus últimos extremos a las series de doce notas sin relación entre ellas, componiendo piezas difíciles de seguir, de entender y de escuchar y que solamente tienen interés como experimentos. Toda esta música fea, desagradable e inquietante va a ser usada por el movimiento vanguardista de su tiempo, el expresionismo, para expresar dolor, fealdad y sentimientos exagerados. Parece que la música de disonancias y de series dodecafónicas no sirve para nada más excepto para poner música al teatro expresionista y a las escenas expresionistas del cine. Así lo han entendido multitud de músicos para películas que han usado desde hace muchas décadas este tipo de música expresionista para resaltar aquellas escenas de las películas que eran más violentas o dolorosas. Muchas veces las composiciones dodecafónicas expresionistas no son más que un collage de acordes raros y de melodías seriales que encajan o no con esos acordes, sin saber muy bien por qué, y que acaban produciendo un efecto soporífero en el oyente. Sin embargo, había que probar el camino dodecafónico y se hizo, como había que probar todos los otros caminos experimentados por la música del siglo XX. [142] EMILIO VALDIVIÉ Prokofiev es un gran técnico que compone partituras difíciles y pone música a los movimientos constructivistas de principios del siglo XX. Sostakovich es igual de gran técnico y también sabe cómo incorporar elementos vanguardistas a sus sinfonías que, por otra parte, son bastante tradicionales. Stockhausen se presenta como el más espiritual de los compositores del siglo XX pero sus obras no son más que unmontón de efectos de sonido sin relación unos con otros. Mauricio Kogel critica la tiranía de los compositores y de los directores de orquesta sobre los músicos y propone que cada músico elija la parte de la composición que quiere tocar y cómo la quiere tocar, incluso eligiendo entre varias partituras alternativas posibles para cada página. Mauricio Kogel quiere acabar con la dictadura de los compositores y de los directores de orquesta y quiere democratizar la música, de manera que cada músico de una formación pueda elegir qué quiere tocar y cómo lo quiere tocar. Cada intérprete adapta a su visión personal y a su estilo la pieza a tocar y elige entre varias partituras posibles de la pieza, varios arreglos posibles, varias orquestaciones posibles y varios solos posibles, y además elige según su estado anímico del día o sus ganas. El compositor es despojado de sus poderes absolutos y se convierte solamente en alguien que propone la base de una pieza musical, que los intérpretes van a completar y modificar según sus aportaciones personales y democráticamente. El intérprete tiene libertad para tocar las notas de una partitura como quiera y para cambiarlas. La democracia musical [143] John Cage también contribuye a esta desmitificación del papel del compositor en la música. Además se preocupa por investigar el papel del azar en la música, tanto al componerla como al interpretarla. John Cage busca el azar total en cada uno de sus conciertos, donde nadie sabe qué van a tocar los músicos (no lo saben ni ellos mismos) y todo el resultado musical depende de lo que elijan tocar los músicos en cada momento, entre varias alternativas. Dentro de este concepto de azar total, también deberían entrar las notas falsas, las notas que se tocan equivocadamente o las notas que se tocan mal debido a una mala forma del músico o a no tocar bien. Porque todo ello también formaría parte de un azar total. La música se convertiría en un trabajo anarquista sin jefes, con cada músico tocando lo que quisiera, con participación de todos los músicos en la obra final, con contribuciones de todos según sus inspiraciones y conceptos musicales y con la aceptación de los errores y de las notas falsas. A veces se han escrito partituras en círculo, donde cada intérprete entraba en la partitura donde quería y volvía a salir cuando quería, y se podía empezar a tocar la partitura en cualquier punto de ella y se podían añadir cánones en cualquier momento, incluso con distintos valores y alturas de las notas. Es una prueba de la búsqueda en la música el siglo XX de una liberación de la tiranía de los caprichos de un compositor que en los siglos anteriores había sido un monarca absolutista en el reino musical. [144] EMILIO VALDIVIÉ Pierre Boulez no quería llegar tan lejos y proponía un azar asimilado por el hombre, que es lo que ocurre la mayoría de las veces en la vida real. La gente sufre accidentes y hechos fortuitos debido al azar y luego asume esos hechos y los incorpora a sus vidas. El músico debería hacer lo mismo, cada vez que se encuentra con algo que surge al azar, en un concierto o al componer una pieza musical, debería asimilar ese hecho aleatorio e incorporarlo a la obra. Músicos del rock como Eric Clapton dicen lo mismo, dicen que cuando tocan una nota equivocada, la vuelven a tocar otra vez para que el público crea que han tocado esa nota intencionadamente y luego siguen con su solo a partir de esa misma nota equivocada: en eso consiste en asimilar el azar en la música. Xenakis representa la tendencia tecnócrata en la música académica el siglo XX, al querer reducir toda la música a un asunto de matemáticas y de probabilidades elegidas por un ordenador. Xenakis era un neo-pitagórico y su música degenera pronto en una sucesión de alternancias de sonidos agudos y graves que, para no repetirse constantemente, necesitan de la inspiración proporcionada por un computador acerca de nuevas combinaciones de sonidos agudos y graves. La música de Xenakis es la música matemática pura, la música que todo ingeniero y científico querría hacer. Xenakis cita a muchos filósofos en sus escritos teóricos, pero la música que consigue hacer es solo un montón de variaciones entre sonidos agudos y graves. La democracia musical [145] Xenakis odiaba al azar y no quería que nada dependiera del azar en su música, que debía ser una música totalmente controlada por él. Las partituras de Xenakis son las que haría cualquier niño que no supiera tocar un instrumento ni leer partituras, son partituras de líneas que suben y bajan, convergen y divergen y se agrupan formando trazos gruesos que duran más tiempo cuanto más largos son. Otros compositores como Honegger, Hindemith, Britten, explotan algún hallazgo técnico o algún tipo de acorde en el que se hayan especializado, o los efectos de la multitonalidad, la polirritmia y la polimelodía, y componen la mayoría de sus obras trabajando sobre ese lenguaje propio. Gustav Holst aprovecha todos estos acordes raros tan sugerentes y llenos de matices (siempre disonantes) para ilustrar el comportamiento de cada uno de los planetas solares, en su sinfonía Los planetas. A lo largo del siglo XX, el antiguo «diábolus in música», consistente en evitar unas consonancias o disonancias juzgadas como obscenas o feas en un siglo u otro, resulta que en nuestro siglo el «diábolus in música» es toda la música tradicional anterior a Debussy. Los compositores vanguardistas del siglo XX han evitado en todo lo posible las melodías y acordes que pudieran sonar a música tradicional de los siglos pasados. El público aficionado a esta música del siglo XX aplaudía más una obra cuanto más distinta fuera y sonara respecto de las obras musicales de los siglos pasados, llevando este asunto a un evidente esnobismo bastante ridículo [146] EMILIO VALDIVIÉ en que el público de los conciertos de música del siglo XX esperaba escuchar algo que no se pareciera en nada a la música de los siglos pasados y que fuera diferente, y este público se acostumbró mal a esperar algo nuevo y diferente en cada concierto y los compositores caían en la trampa de componer sus piezas evitando totalmente las melodías y los acordes que se usaban en el pasado, para satisfacer a este público de esnobs. En casos extremos como Ligetti y Penderecki, las obras musicales se conciben a base de tocar muchas notas juntas en «clusters», como lo hace cualquier niño que no sabe nada de música, pues todo niño hace música a base reunir ruidos según si son más agudos o graves, más largos o más cortos. Este tipo de compositores han hecho retroceder a la música del siglo XX a un primitivismo propio de hace miles de años cuando los hombres hacían ruido con las piedras y las maderas, solo atendiendo a ritmos básicos, cambios en la duración e intensidad de los sonidos y graduaciones de agudeza o gravedad de los sonidos. Efectivamente, gran parte de la música académica el siglo XX ha supuesto una vuelta al primitivismo en música, con músicos de orquesta sinfónica obligados a tocar clusters, acordes masivos disonantes y glissandos durante horas, como si no supieran tocar bien sus instrumentos. La música vulgar, por su parte, ha buscado material musical aprovechable comercialmente en toda esta música tan experimental que se ha hecho durante el siglo XX. Los compositores de música para películas se han apropiado de muchas de las técnicas y de los hallazgos de los La democracia musical [147] compositores más creativos del siglo, sacándolas de su contexto original, para llevar a esas secuencias interesantes a formar parte del lenguaje de la música para películas, donde unos acordes vaporosos y un desarrollo armónico difuso sugieren recuerdos o nostalgia, un ritmo primitivo sugiere acción o prisa, unos acordes impresionistas sugieren amor y donde incluso una música rara dodecafónica sugiere la presencia de extraterrestres. Recordemos que a Stravinsky no le hizo ninguna gracia el uso que hizo Walt Disney de su música de La consagración de la primavera para ilustrar la muerte de los dinosaurios en su Fantasía y que a Ligetti tampoco le gustó cómo Kubrick utilizó sumúsica de clusters y de coros superpuestos en Lux Aeterna para mostrar cómo podía ser el «más allá del Universo». Tanto Stravinsky como Ligetti consideraron que se había sacado a su música de su contexto original. La música para películas ha incorporado a sus recursos musicales todos los hallazgos provenientes de la música experimental del siglo XX, pero con un sentido puramente efectista y sin ningún valor artístico. El jazz ha hecho lo mismo con todos los nuevos acordes propuestos por los compositores académicos. El jazz, desde los años 20, se ha ido complicando más y más, especialmente durante el «bebop» y con el jazz progresivo, y se ha llenado de técnicas y de recursos musicales provenientes de la música académica del siglo XX. Pero, como en el caso de la música para películas, el jazz lo saca todo de contexto para conseguir crear un efecto [148] EMILIO VALDIVIÉ «jazzístico» en todo el material musical que los jazzmen roban a la música académica actual, un efecto jazzístico que es lo que siempre buscan los músicos de jazz en sus piezas musicales y en sus improvisaciones y no es más que la expresión de un arte vulgar y puramente primario, como es todo el jazz, donde constantemente se busca que lo que se toca tenga «swing» o no suena a nada, porque es nada sin ese elemento externo que se le añade a la música de jazz y que conocemos con el nombre de «swing» o de «sentido jazzístico» y que no es otra cosa que la típica sensualidad (y sexualidad) que desprende a borbotones toda la música africana de la que proviene el jazz. En otras palabras, el jazz es unamúsica vulgar que toma de la música académica todos los recursos musicales que le interesan para producir el efecto que busca de sensualidad y de placer primario. Así lo debió considerar Kurt Weil que, durante su exilio en USA, se dedicó a burlarse de las canciones comerciales de ese país, deformándolas y llenándolas de recursos musicales expresionistas, como para mostrar que toda la música vulgar del siglo XX no puede compararse con la música académica, que siempre es una música mucho más racional, razonada y estudiada y siempre en guerra contra la música vulgar. Como decía Boecio, la música vulgar es el reino de lo irracional de la búsqueda de fórmulas musicales y motivos musicales efectistas que den dinero y fama a sus autores y placeres inmediatos a su público, que conviertan en semidioses a esos músicos por haber hallado (sin saber cómo) melodías, acordes y secuencias musicales muy atractivas, La democracia musical [149] aunque los mismos músicos que practican la música vulgar no sepan cómo han conseguido encontrar esos hallazgos sonoros que les dan el éxito. Y como no saben cómo han encontrado esos acordes o esas melodías pegadizas, entonces suponen o hacen creer a sus fans que todo es debido a su talento, a su genialidad o a su algo de divino que tienen y éste es el origen al culto a la personalidad del músico que es tan frecuente en la música vulgar. En realidad, todo en la música es cuestión de técnica y de oficio, que se puede aprender en las escuelas de música académica, como se aprenden todos los demás oficios en sus respectivas escuelas. Pero hay gente que gana mucho dinero con el negocio que se ha montado de presentarse ante el público como un genio único, cuando en realidad no es más que un artesano de la música, como tantos otros. Por eso nos encontramos que en los conservatorios se analizan las obras de los grandes compositores en detalle (a eso lo llaman la ciencia musical), mientras que en la música vulgar todo se envuelve de un misterio y de un secretismo respecto a las técnicas y a la teoría con las que se ha hecho esa música, que son ocultadas a la mayoría de la gente, que además no sabe casi nada de música, para beneficiar así a las figuras de esta música que ganan mucho dinero con sus tinglados. El rock aparece en los años 50 y ahora es evidente que es una música nazi, que aparece relacionada con la música nazi de los años treinta de Carl Orff y de Werner Egk, pues [150] EMILIO VALDIVIÉ busca componer piezas musicales donde solo aparezcan grandes momentos espectaculares y épicos. Carl Orff y Werner Egk siempre se propusieron hacer una música anti-experimental, anti-música del siglo XX, una música que fuera una reacción contra toda la experimentación de la música académica del siglo XX, y eso es lo que significa su música, que además era la música preferida por los nazis. El rock se nos presenta desde los años 50 como una música juvenil, rebelde, bronca, burda, simple y efectiva, pero en realidad es la vulgarización de los conceptos de Carl Orff, de Werner Egk y de los nazis sobre cómo debería ser la música. De la misma manera que todos los compositores académicos del siglo XX han sido explotados por la música vulgar: la música de películas y el jazz, la tendencia representada por Carl Orff yWerner Egk de unamúsica no experimental, que es una más de las muchas tendencias de la música del siglo XX, esta tendencia representada por Carl Orff y Werner Egk ha encontrado desde los años 50 una manera de expresarse en la música vulgar y es el rock, especialmente en sus sub-estilos más extremos como el «heavy metal». Sin darse cuenta, miles de «rockeros» han estado practicando una música, desde los años 50 hasta hoy, que era de origen nazi, con conceptos nazis y que explotaba recursos musicales provenientes de compositores académicos relacionados con el nazismo como Carl Orff y Werner Egk. Así se explicaría por qué en este mundillo de la música «rock» hay tantos malos rollos entre músicos, entre grupos, La democracia musical [151] entre managers, con los millones de dólares que mueve esta industria discográfica y con la manipulación de las grandes masas de población para colocarles esa droga llamada rock, una droga de masas que da grandes beneficios a unos cuantos aprovechados que ocultan a la gente que el origen del rock es nazi. Al mismo tiempo, se explicaría también por este origen nazi el porqué las estrellas del rock tienen esa tendencia a endiosarse y a creerse superhombres y por qué el rock siempre debe transmitir, necesariamente (o en caso contrario no tiene éxito), una fuerza o una potencia que haga creer a su público que también es superhombre. El músico de rock necesita dar un concierto en donde toque de una manera tan espectacular o con solos impresionantes que él mismo sienta un placer propio de un dios al tocar y su público crea, al escucharlo tocar, que efectivamente es un dios. Así decía Nietzsche que debía ser al artista, que debía producir arte solo para su placer personal como «superhombre». Todo esto es muy nazi y proviene de Nietzsche. Además, el rock ha encontrado en la guitarra eléctrica su instrumento de expresión perfecto, porque la guitarra es el instrumento más fácil de tocar del mundo, sin saber música. Efectivamente, la guitarra se puede tocar sin saber música porque muchas escalas pentatónicas que se usan en el rock y en el blues coinciden, algunas veces, con los diseños geométricos de los trastes de la guitarra. [152] EMILIO VALDIVIÉ Por eso haymiles de guitarristas por todo el mundo, porque es el instrumento con el que es más fácil tocar rock, tocar solos pentatónicos y además improvisar creyéndote que eres un genio porque los pedales de efectos electrónicos como el distorsionador el delayhacenque sea fácil tocar la guitarra de rock. Es el instrumento perfecto para una música de origen nazi como el rock, que busca causar gran impresión inmediata en un público ignorante y una sensación de endiosamiento en el guitarrista. En la Grecia Antigua también se encontraron con el problema de un instrumento musical que volvía locos tanto a sus ejecutantes como al público, era la syringa o doble flauta en la que era fácil tocar melodías rápidas e impresionantes que llevaban al éxtasis dionisíaco a los oyentes. Platón estaba en contra de estos instrumentos que volvían peores a los músicos y a su público, y al final la syringa fue prohibida durante un tiempo. Pero no hay alternativa a la música vulgar, pues la música religiosa, una música desprovista intencionadamente de todo lo que pueda resultar excitante o pasional para el público, es una música muy aburrida. Si se despoja a la música vulgar de todo lo que es malo para la gente, se la convierte en una música muy parecida a la música religiosa. Por ello decimos que la guerra entre una música vulgar y una música académica racional (o incluso una música religiosa) es una guerra que forma parte de la Historia de la Música desde siempre y que probablemente es parte intrínseca de este arte. La democracia musical [153] Siempre existirá una música vulgar y otra música más elevada y siempre estarán en guerra. Por nuestra parte, nos gustaría que la música del futuro hubiera conseguido liberarse de todos os malos rollos que actualmente lastran a la música actual, esos egos insoportables de las figuras de la música, esos odios entre músicos y entre grupos musicales, ese juego sucio constante entre músicos y managers para quitarse actuaciones y para colocar a un representado o a un enchufado en algún programa de televisión o en algún concierto, en definitiva, nos gustaría que el aspecto moral de la actividad musical mejorara en el futuro, de forma que fuera posible que todo el mundo tocara música y pudiera presentarla en salas, pubs, bares musicales y otros lugares sin tener que exponerse a las burlas de un público lelo ni a las mafias de los que buscan tener actuaciones solo para ellos, con tantas otras formas de juego sucio que se dan en el mundillo musical y que todos conocemos. Cuando iba al conservatorio de niño, de cuando en cuando nos hacían tocar a algunos alumnos en la sala del conservatorio y cada alumno tocaba su partitura lo mejor que sabía y no había malos rollos entre nosotros, cada uno tocaba lo suyo y había buen ambiente. Todos los alumnos podían tocar. Hoy en día esto es imposible, no solo en el mundo de la música vulgar, sino también en la música clásica donde hay muchos malos rollos también entre músicos de diferentes escuelas. Queda mucho todavía por hacer para desnazificar el mundo. [154] EMILIO VALDIVIÉ Sin que nos hayamos dado cuenta, se nos ha colocado una música nazi desde los años 50, el rock. Esta música nazi ha vuelto peor a la gente y, sobretodo, a los mismos músicos, obligados a encontrar una secuencia musical, unos acordes, unas melodías o unos solos que fueran «algo más» de lo que es habitual en la música: las canciones y los solos tenían que ser extraordinarios para impactar a la gente y para que ésta comprara sus discos a millones. Los grupos rock como Deep Purple y muchos grupos de rock progresivo, especialmente alemanes, se han dejado influir por todas las tendencias musicales que se han dado en el siglo XX, adaptándolas o vulgarizándolas a su manera. Muchas veces los grupos del llamado rock progresivo no hacían otra cosa que tomar composiciones dodecafónicas de Schoenberg y ponerles un ritmo de batería rock de fondo, mientras el guitarra improvisaba siguiendo una serie escogida de notas. Así, en Deep Purple encontramos: desde la tendencia nazi de Carl Orff y de Werner Egk de buscar secuencias grandiosas y muy poderosas, hasta la experimentación con el azar en sus solos, según la inspiración del día, así como en la modificación de las canciones de un concierto a otro según como se encontraran los músicos del grupo ese día, la democratización de la composición en el grupo con aportaciones de todos los músicos, batallas entre dos instrumentos como el órgano y la guitarra con el batería como juez de paz entre los dos instrumentos solistas, polimelodías, polirritmos y politonalidades en las improvisaciones, La democracia musical [155] uso de series de notas en los solos, mantenimiento de una estructura tradicional en las canciones por parte del cantante (que sería el elemento más tradicional del grupo) con sus estrofas y sus estribillos, mientras el resto del grupo improvisa constantemente con mucha libertad... Ya lo dijo Jon Lord hace unos años: «Ritchie Blackmore era imprevisible en el escenario y modificaba sus solos y las canciones constantemente, como si siguiera los conceptos sobre el azar en la música de John Cage». [156] EMILIO VALDIVIÉ 35 Conclusiones La música pertenece a todos, como todo lo que hay en este planeta. Todo el mundo tiene derecho a practicar la música porque es una de las pocas cosas que nos ofrece este planeta para dulcificar, aliviar, consolar y soportar la dureza de la vida. Trabajar en música es, en gran medida, resolver un problema musical, como ocurre en matemáticas o en filosofía, donde siempre hay que resolver algún problema matemático o filosófico y podemos tardar meses o años en encontrar esa solución satisfactoria al problema. En música, tenemos un proyecto para hacer una canción o una obra musical, con una serie de materiales musicales que hemos escogido. Ahora tenemos que resolver el problema de cómo dar una forma artística a todo ese montón de melodías, acordes, secuencias, ritmos, palabras, armonías y adornos con los que estamos trabajando para ese proyecto. Tenemos que conseguir resolver este problema musical para alcanzar una forma que tenga un valor, que tenga La democracia musical [157] interés musical, que sea bella, o que sea, como se dice en el lenguaje popular, «guay» o «chula» o que entre a la primera en la gente. Todo el mundo debe tener la posibilidad de trabajar en música y de hacer sus propias composiciones según sus gustos y sus criterios. Existen miles de tipos de canciones distintas y todo el mundo debería poder «jugar» (en el sentido de la palabra inglesa «to play») con toda esa gran cantidad de formas musicales con las que se puede trabajar, amén de miles de variaciones de otras formas musicales como las sinfonías, sonatas, óperas, etc. que cada gran compositor del pasado ha re-elaborado a su gusto. Todo ese inmenso material musical está a disposición de todo el mundo para que «juegue» con él y además hay que añadir las nuevas y casi infinitas posibilidades de modificaciones de los sonidos que han aportado los nuevos instrumentos electrónicos. Por todo ello, decimos que en una democracia musical todo el mundo debería tener la libertad de disfrutar de todas esas enormes posibilidades que ofrece la música para trabajarla. Una nueva legislación sobe música en España debería: Obligar a todos los ciudadanos a aprender música hasta un nivel mínimo parecido al de un segundo o tercer curso de conservatorio. Prohibir el trabajo en público y remunerado de los «patilleros», los que no quieren aprendermúsica. Los «patilleros» [158] EMILIO VALDIVIÉ son analfabetos musicales y, al igual que los otros analfabetos, se aprovechan de su desconocimiento de la lectura y escritura musicales para hacer lo que quieren, por encima de las reglas, leyes y tradiciones de la música de la misma manera que los patanes que viven en pueblos perdidos y que no saben leer ni escribir, que cuando emigran a una ciudad se saltan a la torera todas las leyes y las reglas, entre otras cosas porque no saben leer, y porque son muy listos y gracias a su ignorancia se colocan en algún en negocio, industria, trabajo o chanchullo y buscan su éxito sin ningún escrúpulo. Los analfabetos musicales hacen lo mismo, se aprovechan de su desconocimiento de la teoría y de la música académica para buscar un éxito fácil imitando a algún grupo extranjero, pasándose de listos y saltando por encima de los músicos de carrera. Si en nuestro país ya casi no existen analfabetos, porque todos queremos que todos los ciudadanos cumplan las mismas leyes y reglas, entonces algún día tampoco existirán analfabetos musicales. Si alguien quiere hacer música, que la haga con las mismas reglas, tradiciones y leyes de la música con la que la hacen los músicos de carrera, no vale pasarse de listo y ponerse uno mismo por encima de esas reglas para conseguir un éxito fácil haciendo música mala y tramposa. Esto no lo aplicamos a los guitarristas de flamenco, porque ellos ya poseen un sistema musical propio desde hace 300 años, que respetamos. Tampoco vale el argumento que esgrimen algunos «patilleros» según el cual hay algunos «patilleros» que han sido La democracia musical [159] grandes músicos, porque esos casos son excepcionales y por cada uno de esos «patilleros» geniales, se han dado un millón de «patilleros» que tocaban fatal. Mantener la actual estructura profesional de los músicos de carrera, necesarios como profesores de música para la población y para tocar y componer las obras más difíciles. Los músicos de carrera deben cobrar los salarios más altos dentro de esta profesión. Dar oportunidades a toda la población para que pueda tocar en público en festivales masivos o en televisión en programas musicales diarios. Endurecer las penas para todos aquellos que impidan trabajar en música a los demás, prohibiendo todo tipo de conductas mafiosas en el sector musical. Permitir la existencia de todos los estilos musicales y que estén representados por cuotas en todos los conciertos y eventos musicales. [160] EMILIO VALDIVIÉ

Esta primera edición de La democracia musical, de Enrique Morata Senar, terminó de imprimirse el xxxxxx de xxxxxxxxxxx de dos mil dieciséis en los talleres de xxxxxxxxx en xxxxxxxxxx. EL ARTE SEGÚN BOSANQUET Leemos en el libro de Bernard Bosanquet : "A HISTORY OF AESTHETIC" en su traducción catalana en Edicions 62, toda una teoría sobre qué es el arte. Con frecuencia se ha considerado a su teoría del arte como la propia de un seguidor de Hegel pero , a falta de otra mejor, es la más completa que disponemos en nuestra época. Para Bosanquet , los artistas se dividen en moralistas y esteticistas, los primeros creen que el arte solo tiene sentido si mejora a la gente o promueve el bien, mientras que los segundos creen que el arte existe por si mismo sin necesidad de ninguna justificación ni de ninguna misión en el mundo. El arte es una actividad que, según Bosanquet, puede practicarse según los conceptos de los materialistas hedonistas desde Epìcuro , Filodemo y Lucrecio, para quienes el arte solo era solo un entretenimiento como lo podía ser la gastronomía o la jardinería, un entretenimiento que se realizaba mediante una serie de técnicas, astucias y trucos que los artistas habían encontrado o aprendido a lo largo de los siglos. El arte no tendría otro objetivo que dar placer a la gente, ser agradable a los sentidos y proporcionar felicidad. El arte , según los materialistas, no tendría ningún otro objeto más que distraer a la gente, entendiendo que las personas se aburren con facilidad en este mundo y necesitan entretenimiento, por lo tanto para los materialistas el arte era necesario como "entertainment" como dicen en USA, como un arte útil para que la gente no se aburriera y además se explayara contenta después de trabajar. La belleza, para los materialistas , era una necesidad de este mundo material, así la belleza vegetal era necesaria para atraer a los polinizadores y la belleza femenina era necesaria para atraer a los machos y toda la belleza natural de los vegetales o de las montañas era necesaria para el entretenimiento de los hombres. Frente a esta concepción tan cruda del arte, se ha opuesto desde Platón la concepción idealista que cree que el arte es la actividad humana más importante y la que justifica la existencia del hombre en este mundo. Para los platónicos , el arte descubre lo que la percepción humana no puede ver o escuchar, lo que es invisible, la realidad oculta o primera que hay detrás de la realidad material que percibimos inmediatamente, el arte es el único medio que disponemos para ponernos en contacto con los dioses que habitan otro universo ideal o de formas inteligibles puras, o para comunicarnos a con habitantes extraterrestres de otras galaxias, con los que , a causa de la distancia, nos es imposible relacionarnos, excepto mediante el arte, asumiendo que estos extraterrestres también practican el arte como medio para llegar a otro universo ideal que solamente se puede alcanzar por medio del arte, y asumiendo también que estos extraterrestres han alcanzado los mismos logros artísticos que nosotros a lo largo de sus siglos. Al conocer solamente mediante el arte al universo ideal, tanto nosotros como los extraterrestres nos podemos comunicar o podemos relacionarnos, a pesar de las distancias astronómicas, porque compartimos los hallazgos que el arte ha desvelado a lo largo de la historia y la visión que ofrece del otro universo no material . Compartimos con los extraterrestres la racionalidad y la posibilidad de hacer arte . El arte es el único medio por el cual podemos comunicarnos con el mundo divino, el mundo ideal , el mundo de otros planetas e incluso con el mundo de los muertos. Para los platónicos, el arte debe ser elevado y no vulgar, es decir, debe ser sublime ( esta palabra significa " elevación"). El arte no debe ser agradable ni divertido ni debe dar placer a los sentidos, como buscan los materialistas, sino que el arte debe ser una investigación sobre la percepción humana que nos lleve a conocer el otro universo ideal que no podemos percibir normalmente. Como explica Bosanquet a lo largo de su libro, el hombre percibe la realidad material primeramente como una masa caótica de sensaciones. Es necesario que el hombre dé forma a las sensaciones que percibe, para que éstas " entren" en su cabeza, es decir, sean racionalizadas y conceptualizadas. Sin esta forma , el hombre no piensa en lo que percibe y es inconsciente. Al mismo tiempo , el artista debe dar una forma a la materia de este mundo para que su obra de arte pueda ser percibida por la gente. Sin esta forma, la obra de arte no existe y nadie le presta atención ni le importa. Nuestra misma visión y audición necesitan alcanzar una forma para distinguir imágenes y sonidos. Al dar forma a lo material, se está más cerca de la idea, de lo divino. Así pues, se dan dos procesos de dar forma, en la percepción humana: por una parte en la percepción de cada individuo, que debe tomar una forma para que el sujeto pueda percibir los objetos con un interés , y por otra parte en la forma que da el artista a la materia para que la gente pueda percibirla como obra de arte y no como materia informe. Estos dos procesos son muy importantes para los platónicos puesto que consideran ambos procesos como la principal y más importante actividad humana, la que justifica la existencia del hombre en este mundo, es la actividad por la cual el hombre puede llegar a conocer al otro universo ideal, al dar forma a la materia de este mundo. Es por estos dos procesos de formación por los que se explica que a mucha gente no le " entre " una obra de arte la primera vez que la escucha o la ve, porque todavía no ha desarrollado la forma de su percepción para poder percibirla, y para ese desarrollo de la forma de su propia percepción es preciso que se dé una educación sobre las técnicas usadas por el artista y sobre sus conceptos teóricos. Para los platónicos, el arte no se hace con astucias y trucos, como creen los materialistas, sino con una reflexión y una comunión entre la mente humana, la materia de este mundo y las ideas o formas inteligibles. PLATÓN BUSCABA UNA MÚSICA QUE NO DIERA PLACER, AUNQUE FUERA ABURRIDA PERO QUE FUERA UNA MÚSICA QUE NO ADULARA A LOS SENTIDOS. El arte sublime que buscan los platónicos solo es posible de hacer tras un gran trabajo de pensamiento. El arte solo es sublime cuando lleva pensamiento en él. Cuando hay pensamiento en el arte, entonces se da el efecto de que nos comunica con el mundo ideal, divino o de otros planetas. Los artistas de Altamira ya consideraban que su actividad era religiosa, al pintar los bisontes, gracias al truco del grafismo se ponían otra vez ante los ojos del público, aunque estuvieran muertos esos bisontes. En todas las culturas primitivas el arte tiene una significación religiosa y relaciona con el mundo de los muertos. Es una actividad mística, la más religiosa que existe, por la cual el hombre relaciona la materia de este mundo con las ideas. El arte debe ser una actividad maximamente racional, porque, como creían los estoicos, la racionalidad es lo único que compartimos con los dioses y el arte sublime debe surgir de la racionalidad aplicada en su máxima expresión, porque es lo único que puede comunicarnos con los dioses. Para los materialistas, el arte solo debe proporcionar placer y muchas veces su arte se reduce a una serie de efectismos sin más consecuencias. Los artistas de este tipo se pasan la vida buscando técnicas nuevas, hallazgos visuales o musicales que sorprendan a su público y para encontrarlos recurren a todo tipo de astucias. Los platónicos denigran a este tipo de artista al que consideran un simple " cocinero" de sabores, olores, sonidos e imágenes , un cocinero que busca en la naturaleza sus materiales y luego los adereza y prepara para que tengan buen sabor. Lucrecio creía que el arte había aparecido por pura imitación de los ruidos de la selva y del trinar de los pájaros. Los materialistas creen que el arte se realiza mediante técnicas y trucos aprendidos en el pasado y transmitidos de padres a hijos. Trucos como poner en una obra de arte las parejas de contrarios pitagóricas , como los claros y oscuros, personajes altos y bajos, o poner en una música dos partes contrarias como puedan ser la estrofa y el estribillo de una canción o dos instrumentos opuestos, uno agudo y el otro grave. Poner contrarios en una obra de arte fue una de las primeras técnicas que se descubrieron. Pero una obra de arte que se reduzca a ser una mera exposición de técnicas encontradas en el pasado no tiene ningún valor artístico. Bosanquet habla de muchas tendencias en la Historia del Arte, tendencias que aparecen una y otra vez en cada siglo y que nos hacen pensar que cada obra de arte es hija de las modas estéticas presentes en su tiempo : 1Hay artistas que solo buscan la forma en sus obras de arte, especialmente en sonatas musicales o en obras arquitectónicas totalmente formales, que con frecuencia son aburridas y solamente inteligibles para los expertos que saben lo que está haciendo el compositor con los motivos musicales y sus transformaciones puramente formales a lo largo de la obra . Los formalistas entienden que la función del arte es dar forma a la materia, y se aplican a esta tarea de una manera exagerada, dotando a sus obras de arte de forma solamente sin ninguna otra dimensión artística. Pero la forma por la forma puede llevar a un arte extremadamente simbólico que considera que los objetos matemáticos son los más bellos por ser los más simples y puros, como ocurre en los edificios donde todo son motivos geométricos, como en las mezquitas musulmanas. Para Bosanquet hay una estética de la forma pura que , a lo largo de la historia del arte, se ha opuesto totalmente a la otra estética, la del sentimiento , que se basa en la simplicidad de las percepciones placenteras. 2De cuando en cuando se prohíbe el arte vulgar, especialmente la pinturas de Jesús en la Edad Media, por creer que alejan de la contemplación pura de Dios y su obra ( que es el universo entero con toda su belleza) al ofrecer una representación puramente gráfica de características solamente materiales del cuerpo o la cara de Cristo. Los artistas del tipo moralista siempre han querido prohibir al arte vulgar. 3Se busca lo mejor , parte por parte , que haya en este mundo material , para reunirlo en una obra de arte, como un todo formado por esas partes elegidas procedentes de otros todos reales, y el arte es la única ocasión en que todos esos elementos dispersos se pueden juntar en un todo. El artista , pintor o escultor , busca un modelo que tenga buena piernas, otro que tenga buen cuello, otro que tenga buenos brazos, etc y junta todos estos elementos en la obra de arte. Al hacerlo, está mostrando a la gente cómo sería un hombre ideal o perfecto. 4Hay épocas en que los artistas se concentran en mostrar la perfección del cuerpo humano, como en la Grecia clásica, y hay otras épocas en que los artistas se concentran en mostrar la expresión del personaje, su cara, su pasión. Según Bosanquet, esta segunda tendencia aparece en las épocas de decadencia de una civilización, cuando ha sufrido derrotas y fracasos, como ocurrió en la Grecia helenística y en la Roma de la madurez, asimismo cree Bosanquet que esta segunda tendencia aparece cuando una civilización ha entrado en contacto con muchas otras civilizaciones exóticas debido a las invasiones, la guerra, las migraciones o el comercio. El romanticismo se puede entender como un arte de esta segunda tendencia, muy expresionista, especialmente en los compositores románticos, donde la emoción y el sentimiento son todo el objetivo del artista. Esta segunda tendencia también enfrenta a los artistas desde hace siglos, puesto que , especialmente en la música, abundan los artistas que consideran que la música debe ser solo emoción y sentimiento ( aunque muchas veces consigan expresar este sentimiento mediante trucos del oficio, sin sentirlo realmente , solo para ganar dinero como cantantes comerciales). 5 – Bosanquet observa que de vez en cuando se dan épocas artísticamente estériles en que no se produce nada de valor y en las que solo se hace arte mediante la aplicación de reglas academicistas rígidas . Cuando una escuela artística empieza a morir, aparecen entonces las reglas inflexibles de esa escuela. Sin embargo, dice Bosanquet, siempre acaba apareciendo una nueva época de renovación, que trae vida a una nueva escuela artística , sin fijarse en las normas anteriores, porque esta nueva escuela solo sigue la ley de la naturaleza. El arte enfermo del pasado se convierte fácilmente en un peso muerto que no deja avanzar, con todas su reglas fijas y su sistematización de sus técnicas. 6El arte como imitación de la naturaleza, entendida ésta como lo hacía R. W. Emerson, es decir como manifestación de Dios o como parte de él, con la belleza natural que existe solamente para mostrar la de Dios. El artista no pinta a Zeus como cree que sería en tanto que lo más perfecto que existe, sino que pinta a Zeus mismo tal y como se le presentaría en carne y hueso: así se pinta también a la naturaleza entendida como Dios mismo. 7El arte como imitación de todo lo real, tanto lo bello como lo feo, porque se busca alabar la habilidad del artista para plasmar cualquier objeto real, aunque sea feo, y esa habilidad artística produce placer en el público, es una concepción del arte evidentemente propia de la escuela materialista y que encontramos en Plutarco. 8Buscar un arte lo más sublime posible por creer que acerca lo máximo a Dios , porque hace al artista sentirse como un dios , así lo creía Longino. El propio Bosanquet da su propia definición de lo sublime en la pag.156: lo sublime aparece por una reacción o esfuerzo de la mente, ante un estímulo externo de gran magnitud o fuerza, en una concepción del universo entendido como una gran pista de competiciones y donde el hombre despliega todo su potencial de fuerza espiritual que no se muestra en la vida cotidiana y gracias a ese estímulo externo. En el caso de la literatura, Bosanquet dice que el trabajo del escritor es seleccionar sus ejemplos de literatura anterior a seguir y en aplicar su juicio literario . Bosanquet llama a este hecho : "la fuerza real del escritor". 9Buscar la complejidad por sí misma, así como la dificultad , por entender que llevan a un arte sublime, como creía Juan Sebastian Bach. Bosanquet es crítico con esta concepción de lo sublime y la llama: " el falso sublime". 10Longino creía que el arte más elevado era el que mostraba más alma y menos materia, es decir, el arte que mostraba más pensamiento y menos recursos materiales efectistas, que llamamos en música "la pirotecnia musical". Mostrar más alma no quiere decir mostrar más sentimiento, como creen los artistas vulgares, sino mostrar más el mundo no material que no podemos percibir en este mundo material, de acuerdo con la filosofía de Platón. En tanto que el arte mostraba más de ese mundo no material , se alejaba más y más del mundo material y se acercaba más y más al mundo del alma. Aparece en la historia, de cuando en cuando, un nuevo impulso que puede venir dado por la invasión de otros países, por la creación de un nuevo país o por la llegada de nuevas tecnologías y a este impulso nuevo le responde la forja de una nueva forma sensorial para percibir el arte que trae ese nuevo impulso. 11Longino también creía que el arte debía ser megalófilo al aspirar a la obra de arte más grandiosa posible, como lo eran el Partenon o las catedrales góticas, que buscaban crear esta sensación de lo sublime en la gente por su tamaño enorme. Longino creía que lo más grande era lo más cercano a Dios, pero demasiadas veces hemos visto que los aristas de este tipo caen en la megalomanía y solo producen bodrios, pero de tamaño gigantesco. LO MUY GRANDE SE ASIMILABA A LO MÁS DIVINO PORQUE ERA MÁS GRANDE QUE LO HUMANO. Los estoicos creían que Dios había creado la belleza natural con todos sus animales y sus flores para mostrar la belleza de Dios mismo. Los estoicos buscaban un arte donde el hombre expresara esa misma belleza natural de la que forma parte. SOLO EL UNIVERSO ES PERFECTO PERO EL HOMBRE TIENE ALGUNA PERFECCIÓN TAMBIÉN , y el hombre ha sido creado para imitar y contemplar el universo. El arte es la actividad propia del hombre en cuanto que trabaja con esa parte divina que hay en él. En Virgilio, el ritmo de sus versos sigue el movimiento de la naturaleza, sigue a la belleza natural. En Lucrecio, se quiere que la necesidad de escribir un libro científico vaya acompañada de poesía. 12Cicerón, por su parte, recogía las tradiciones griegas acerca del arte como proporción, orden , simetría , equilibrio en la relación del todo con sus partes, considerándolos atributos divinos. La simetría es bella porque es un atributo de la divinidad y porque la racionalidad así nos lo muestra. Los artistas posteriores van a buscar, además de la simetría y la proporción, conseguir plasmar también la vida y la expresión. Para Aristóteles, hay que dotar a la obra de arte de un principio, un medio y un final como en todo ser vivo, donde estén presentes todas sus partes en equilibrio con el todo y sin que falte ni sobre ninguna parte. Las partes obedecen y sirven al todo. Hay una unidad en la variedad, en toda obra de arte, y por tener esa unidad necesariamente tiene una forma. Los neoclásicos van a entender mal esto y van a buscar la obra perfecta por sí misma sin entender que Aristóteles estaba imitando el orden natural del universo al proponer sus reglas artísticas. La obra de arte será más efectiva cuanto más relacione los universos y cuanto más aparezca el orden que hay en el nuestro. 13Cicerón se preguntaba si el artista, al concebir su proyecto artístico, poseía en su mente una idea o concepto o imagen mental de su obra, y esta imagen mental de la obra siempre debía acercarse lo máximo posible al ideal o a la perfección. Platón creía que el artista no posee esa imagen mental ideal de su obra artística y que es solamente al finalizar su obra cuando se revela esa imagen ideal, y en eso consiste precisamente la finalidad del arte. 14La gracia era entendida como arte en movimiento y como manifestación de Dios en movimiento. Las curvas eran el medio por el cual la gracia se manifestaba en este mundo y , por lo tanto, la gracia era propia de lo femenino. Este mundo está lleno de curvas , en los vegetales, en los seres humanos, en la geografía y el artista debe trabajar con esos millones de curvas graciosas que hay en el mundo. Lo mismo ocurre con las melodías, hay millones de melodías en el mundo, que son como curvas graciosas sonoras y los músicos deben trabajar con esos millones de curvas sonoras para componer su obra. Así lo creía Cicerón, para quien todo lo recto y firme y digno era masculino. Es fácil interpretar , entonces , lo femenino como cerca de lo divino y lo masculino como mucho más alejado de lo divino y mucho más enraizado en lo material de este mundo. Curvas y melodías están presentes en este mundo de una manera natural y esperan ser utilizadas por los artistas. 15Concebir el arte como más puro cuanto más simple , como el arte primitivo de Altamira o las melodías muy simples de pocas notas ( como las prefería Platón o Ruskin quien llamaba a los sonidos puros y sin mezclar : " la manifestación de la enegía divina") e incluso de una sola nota larga, en oposición a un arte rebuscado y perfeccionista pero vacío, que Bosanquet considera propio de la madurez y luego la decadencia de una escuela artística. Las melodías muy simples expresan emociones e ideas elementales. Los presocráticos querían poner en música y en poesía a las fuerzas elementales: el odio, el amor, las erinias, los titanes, Hefesto... Se quiere expresar la vitalidad, el progreso, la sabiduría, el coraje. Toda expresión de la imaginación que parte de una idea abstracta posee un carácter alegórico. Asimismo se busca representar la idea de campo, ciudad, país . Después de Sócrates se aprende a expresar lo que no es visible, como el humor del personaje, su cara , sus ojos, su vitalidad. En Roma, el contacto hostil con los bárbaros introduce los conceptos de horror y de tragedia en la escultura romana, como en "El gladiador galo". Pasiteles ya combina la observación anatómica con la expresión del sentimiento . Es un arte que llega precisamente por el choque contra los bárbaros ( recuerda mucho lo que ocurre actualmente con la música más bárbara que existe, el "heavy metal"). En Roma , gracias a sus logros como civilización, las artes que precisan de gran habilidad refinada y minucioso trabajo, como la orfebrería, se desarrollan ampliamente, como ocurre en general en todas las artes cuando en un país se disfruta de un buen nivel de vida. Los templos toman una forma u otra según cada nación y con sus ornamentos propios. En Roma, el arco deja de ser una necesidad arquitectónica molesta para convertirse e arte por sí mismo. El arco es una novedad técnica a la que van a seguir todo tipo de innovaciones tecnológicas a lo largo de los siglos que la arquitectura se apropia rápidamente. Roma aprende los tipos de ornamentación que usan otros pueblos invadidos y los hace suyos. Volutas, acantos, flores llenan los edificios romanos. Las melodías también se enriquecen con todo tipo de adornos, mordentes y trinos propios de otras culturas. Aparece el mosaico. En el arte arcaico, lo más importante era la parte constructiva, pero ahora en el arte propio de la civilización más refinada, la ornamentación es lo más importante. En la arquitectura, la necesidad de construir un refugio se convierte en arte, refutando así la tesis materialista de que el arte solo satisface necesidades básicas. 16 Bosanquet dice, en la pag. 152, que las sensaciones agradables no son suficientes para explicar la existencia del arte. Si el arte fuera lo que los materialistas dicen que es, un simple entretenimiento agradable, no existiría literatura sobre la filosofía del arte ni teoría del arte. 17 – Posidonio creía que el arte es una mezcla de cosas humanas y de divinas , humanas en cuanto que se hace con las manos y el cuerpo y divinas en cuanto que trata de características de los dioses y de su mundo ideal ( no confundir con la interpretación vulgar que los neoclásicos del siglo XVII como Flaxman hicieron de lo ideal como lo más físicamente perfecto ). El arte es una imitación de cosas humanas ( como al forma del cuerpo humano, su cara ) y de cosas divinas ( como la eternidad, la bondad, la simetría). 18La obra de arte entendida como un ser vivo más de este mundo y que muestra, como los otros seres vivos, la belleza de Dios. La obra de arte es un ser vivo más que crece y se desarrolla como un árbol en muchas ramificaciones naturales a partir de un principio, como una sinfonía que se desarrolla de muchas maneras a partir de unos motivos musicales, donde un motivo sigue a otro de una manera natural, sin necesidad de que el artista utilice trucos para provocar la aparición de efectismos en su obra de arte, pues ésta se va desarrollando siguiendo su propia naturaleza y la naturaleza que está imitando. Un motivo o un miembro de la obra surge naturalmente del otro , porque la obra está tan viva como un árbol. 19 – La obra de arte como imagen mental o alegoría, ya desde Altamira, que expresa las fuerzas elementales como el mar, el viento, el sol, o los conceptos de verdad, de bien, de justicia, la virtud, en este sentido la obra de arte muestra efectivamente las ideas puras de todos esos conceptos. 20 – La aparición de obras de arte sobre la naturaleza una vez que el hombre ha accedido a un estilo de vida acomodado y urbano en una civilización, como pasó en Roma con sus poetas pastoriles. Se admira la naturaleza y se aprende la naturaleza de otros países, gracias a las relaciones con esos países, asimismo aparece la obra de arte que es estimulada por la construcción nacional de una civilización , como ocurre en los poetas romanos que cantan y hacen apología de la grandeza de Roma o , por ejemplo , en Verdaguer y su "Canigó": la obra de arte entonces muestra la alegoría o la idea de la grandeza de la patria y de la ilusión colectiva en formar esa grandeza nacional. Bosanquet cree que el estímulo que proporciona la creación de una nueva nación, arrastra con él a la aparición de un arte lleno de dignidad, agudeza, sentimiento y majestuosidad. Los romanos alaban al campo porque en sus ciudades ya lo han perdido de vista . Al mismo tiempo llega a Roma una gran cantidad de otros tipos de arte, de otros textos de otras culturas, de filosofías populares de otras tierras, de otros credos y culturas ahora romanizadas. Todo ello influye, según Bosanquet , en la aparición de un tipo de arte más rico y variado. 21- La imitación como útil cuando da nueva vida a las obras antiguas, pues no las copia meramente sino que las recrea. 22Bosanquet cree que no solamente nuestra mente necesita alcanzar una forma para percibir una obra artística, sino que se da una evolución en el arte gracias a que los artistas del pasado han alcanzado esa forma y los artistas siguientes se han apoyado en esas formas logradas por los artistas anteriores, para crear sus propias obras de arte y encontrar nuevas formas de percibir , a su vez. De esta manera se da una evolución en el arte, según Bosanquet. Al mismo tiempo, el público aprende a percibir, tras desarrollar una forma para su percepción de una nueva escuela artística y ello hace posible la llegada de nuevas escuelas artísticas en el futuro. La forma de la percepción humana se va educando con los siglos o bien debe crearse de nuevo ante cada nueva obra de arte, pues sin una forma de nuestra percepción, no la concebimos. Asimismo, se da una evolución en el arte por el estudio y análisis de los antiguos y de sus mentalidades , gracias a las que abordaron la realización de sus obras artísticas. 23Cátulo introduce el delirio y el sufrimiento de una vida fracasada, en el arte. Desde él, han seguido todos los que han escrito o dibujado tebeos underground sobre sus miserias humanas y su vida degradada en los suburbios . 24 – Hay un progreso en cómo percibe el hombre a la realidad exterior. En Homero las descripciones de lo natural se reducen a epítetos, en Roma las descripciones son cada vez más ricas y refinadas, es una educación en la percepción, que en la música va unida al desarrollo de instrumentos musicales cada vez más sutiles. 25 – en Plotino, el alma, ya sea de Dios, de los hombres o de los seres de otros planetas, solamente puede comunicarse entre sí cuando elije lo más bello de nuestro mundo material, por el arte, al darle una nueva forma gracias a la percepción y la razón del artista. El arte es un proceso, el único digno en este mundo material, por el cual el hombre toma de este mundo material inferior lo mejor de él , lo bello, y le da una forma. Esta concepción del arte degenera, como todos sabemos, fácilmente en el esteticismo vacío propio de un Hollywood que cree que lo artístico es reunir a los mejores cuerpos del mundo, los más guapos, con el mejor peinado, maquillaje y vestuario y los mejores focos de iluminación y el mejor Technicolor, o en la concepción del arte como lujo que hacen los reyes, ricos y aristócratas cuando reúnen en sus palacios a los mejores materiales del mundo, como el mármol y las mejores obras de arte del mundo y las mejores cuberterías y los mejores alimentos como el caviar y todo lo más caro y mejor de este mundo , lo de mayor calidad . Como hicieron los Medici. Evidentemente eso no es arte sino lujo. 26Pero Plotino entiende más bien al arte como una "telepatía del alma", mediante la cual se pueden comunicar las almas de los humanos, los dioses y los de otros planetas y los universos distintos. Al dar forma a la realidad material, según la percepción y la racionalidad del artista, asistimos a un acto único y milagroso que relaciona dos universos, el material nuestro y el ideal. Aparece en la obra de arte nuevos hallazgos o nuevas ideas o nuevas imágenes que antes eran invisibles o no eran percibidos o ni existían y ahora el arte nos los muestra, por ejemplo en el arte cubista o abstracto. 27 – Evidentemente , dar forma a la materia es un tema aristotélico y no está reservado solamente al arte, también vemos que los deportistas y los militares alcanzan una forma gracias a un entrenamiento y a una disciplina severas. El militar está muy próximo a lo divino cuanto más entrenado y disciplinado está y como su principal misión es defender su ser, es decir su país, se puede decir que cuando más defiende a su país más divino es, si aceptamos que la divinidad también consigue defender su ser de la mejor manera cuando está más entrenada, desarrollada y disciplinada: así lo creerían Jenofonte y Licurgo. O un guerrero bárbaro imitador de Thor. Para Aristóteles, imitar es placentero y el artista imita la realidad. También da placer el descubrir en una pintura las similitudes con el original natural, si es un retrato o un paisaje, y en la música el reconocer partes de esa música ya escuchadas antes o que se repiten o se transforman. 28La concepción vulgar del arte se refiere a la admiración placentera de la habilidad del artista solamente o en obtener placer de la experiencia estética. El vulgo cree que el artista simplemente copia la realidad y nada más. Si el arte se refiriera solamente a los sentidos, nunca habría producido ninguna de las obras maestras de la historia del arte, que solamente se pueden producir con el " truco" de pensar mucho en lo que se va a hacer, como decía Leonardo da Vinci. Pues para un materialista , Leonardo o Miguel Angel pensaban muchos sus obras porque con ese "truco" conseguían hacer obras más grandiosas. El materialista no sabe que eso no es un "truco" sino la actividad humana más importante. Los materialistas que utilizan ese "truco" para conseguir hacer obras impresionantes, no consiguen más que eso, hacer obras impresionantes sin nada más dentro. Es evidente que existen dos tipos de obras de arte: las vulgares que solamente aspiran a satisfacer los sentidos y las sublimes que son otra cosa muy distinta , totalmente dependientes de la racionalidad y que son una actividad incluso sagrada. El vulgo no tiene ningún interés en acceder a otra realidad no perceptible que está debajo de la realidad inmediata. El vulgo solo atiende al virtuosismo del artista cuando consigue una gran obra espectacular y no es capaz de apreciar nada más. 29 – Bosanquet habla de la "música-droga", esa música que es dirigida a los sentidos para ser escuchada una y otra vez ( pag. 107). El movimiento en la música imita el movimiento del cuerpo humano , así como los movimientos dentro de la mente humana al pensar y relacionar ideas. Si se imita a un cuerpo muscular , se consigue una música muscular. Si se imita un movimiento mental complejo, se consigue una música compleja y con muchas partes que se relacionan y se influyen entre sí , como ocurre en el movimiento por el que se relacionan nuestras neuronas . 30 Aristóteles decía que el arte puede mejorar la naturaleza, al elegir lo mejor de cada cuerpo y reunirlo en una obra de arte. El arte muestra la verdad debajo de las apariencias falsas de la realidad inmediata. Aristóteles concebía a la catarsis que se experimentaba tras presenciar una tragedia griega donde habían acontecido hechos terroríficos, asimilaba esa catarsis a la paz que llega tras el acto sexual, en ambos casos, como en las revueltas y las revoluciones políticas, hay una tensión acumulada que va en crescendo hasta que consigue aliviarse o resolverse en el orgasmo o catarsis. Seguramente este proceso se da también en el universo en otros asuntos, cuando un agente se encuentra ante la materia y la posibilidad de modificarla y tiene un " coito" con ella hasta que llega la catarsis o paz tras la la agitación . Santo Tomás de Aquino añadirá al concepto aristotélico de catarsis su propia observación de que el deseo se calma con el arte. En un concierto de música, la catarsis es fácilmente observable, hay una necesidad de escuchar música y de ver músicos que hayan conseguido hacer música con una forma, y luego hay el descanso tras el concierto , si ha sido un éxito en este sentido. Bosanquet habla del arte como un deporte donde se descarga la vitalidad sobrante. El arte como la expresión del artista en su mejor época, en su mejor momento, en sus años más fuertes y en plenitud de facultades. El arte expresa al artista en tanto que ser vivo en su mayor esplendor, es así en muchos casos de figuras de la música. Como dice Aristóteles respecto a la tragedia, en la música también hay hechos inesperados o sorprendentes ( un acorde raro o una modulación a una tonalidad lejana), hay paso de felicidad ( consonancias) a desgracia ( disonancias), hay incidentes dolorosos o desastrosos. La música, como la tragedia, puede ser pura trama in caracteres, o solo caracteres sin argumento, y en ese caso es nada , solo muestra la ingeniosidad del artista pero sin ofrecer contenido . En la tragedia y en todo arte debe haber movimiento por la colisión entre caracteres distintos . Es una concepción del arte que subscribiría un materialista que solo ve en el universo un choque constante y azaroso de átomos, pero la música que realizaría ese atomista sería una música sin contenido, una música con solamente movimiento y nada más. Así ocurre en muchas obras musicales vulgares donde solo hay movimientos de escalas y arpegios muy rápidos tocados arriba y abajo del teclado y del mástil. Recordemos que , al principio , el coro existía para comentar y censurar el comportamiento de los personajes de las tragedias griegas. Luego, el coro en la música se usó, hasta la actualidad, para ofrecer una música basada casi totalmente en las armonías vocales, juzgadas por al arte cristiano como " propias de dioses". Pero en su origen, el coro comentaba y retocaba los motivos musicales cantados por los actores. El contraste entre el coro y los cantantes protagonistas fue una de las primeras técnicas que se usaron para enriquecer el arte. 31 – Para Plutarco, la inteligencia del público responde a la habilidad del artista reconociendo aquello real que el artista ha sabido pintar o reflejar bien en su obra de arte. Plutarco no cree que exista algo que relacione la inteligencia del artista con las cosas que pinta. No cree que el paso de los objetos reales por la mente humana los transforme y a la vez produzca al arte. PLUTARCO OBSERVA QUE LA GENTE A VECES PREFIERE UN OBJETO PINTADO AL REAL, PORQUE LE DA MÁS PLACER CONTEMPLARLO COMO PINTADO . Los epicúreos preferían ver a un actor llorando ( falsamente) antes que ver a una persona corriente llorando de verdad por un hecho doloroso. El actor profesional hace una versión artificial a partir de un hecho natural y hace llorar más al público que la persona real que no finge sino que llora sinceramente. El músico profesional conoce los trucos del oficio para hacer llorar con sus canciones comerciales, a pesar de no sentir nada de lo que está diciendo en la letra de su canción, y el público prefiere a ese cantante profesional antes que a un cantante aficionado que canta lo que realmente ha sufrido personalmente. Se prefería lo artificial a lo natural, porque daba más placer descubrir en lo artificial , fuera una pintura o una comedia, descubrir en ello al objeto original que había sido imitado. ESTA CONCEPCIÓN DEL ARTE ES, EVIDENTEMENTE, LA VULGAR, propia de la gente ignorante. Un hombre que imite el canto de un ruiseñor no es un artista, como no lo es un loro que imite el canto de un hombre. Para que se convierta en arte, hay que proyectar la personalidad humana, con todo lo que implica, en ello. Plutarco explica que lo feo produce placer al ser representado en una pintura porque el público admira lo bien que se ha representado lo feo. LA INTELIGENCIA DEL PÚBLICO ES ESTIMULADA A DESCUBRIR LAS SEMEJANZAS ENTRE EL OBJETO REPRESENTADO Y EL OBJETO REAL . Pero Bosanquet corrige a Plutarco cuando dice que la facultad de copiar solo es la primera operación que realiza la mente para hacer una obra de arte. Hay muchas más operaciones de la mente en la creación artística. El vulgo no las conoce ni entiende. 32 Dión Crisóstomo , por su parte, cree que el trabajo del artista es el de dar modelos de belleza a los demás hombres, dando realidad a conceptos que antes no existían o estaban poco definidos, por ejemplo sobre cuál debía ser el aspecto de Jesús o de Zeus. Incluso se puede entender que los escultores arcaicos se concentraron en la figura humana por entender que mostraba lo que era el hombre con su inteligencia, con la forma humana como símbolo visible de la invisible inteligencia humana. Incluso daban forma humana a los dioses, por creer que esta forma era la más cercana a la sabiduría y la razón, contrariamente a lo que hacían los pueblos bárbaros que usaban formas de animales para mostrar a sus dioses. 33Filóstrato distinguía entre el arte producido por la imaginación respecto del arte producido por la fantasía, y lo consideraba malo, lleno de efectismos , sin ninguna relación con lo ideal. El artista malo que cree que el arte es una cuestión de efectismos, sin duda buscará en su propia fantasía un arsenal de éstos , no importa si es pintor o músico. Filóstrato creía que la imitación solo era capaz de proporcionar objetos a imitar al artista, pero que la imaginación ( no la fantasía) proporcionaba objetos que no eran reales al artista, no visibles, la imaginación era mucho más ingeniosa que cualquier artista astuto imitador porque dependía de algo que no era de este mundo sino del divino ideal. Para Filóstrato, la imitación no es lo mismo que la imaginación. Y había que distinguir claramente lo fantástico de lo imaginativo. El arte no es un espejo de la realidad sino algo más grande que transforma la realidad al pasarla por nuestra mente y nuestra percepción. La misma realidad es el producto de otra realidad anterior y que imita la realidad subyacente de las ideas o razones. 34 – Plotino : la belleza material es una imitación de la belleza ideal, y la razón humana descubre ese origen verdadero cuando hace arte, en un proceso en el que también interviene el alma cuando la razón pone orden en la materia. Puede ser también poner orden en la materia musical. LA BELLEZA ESTÁ SOLAMENTE EN LA FORMA, NO EN EL OBJETO REAL, PORQUE LO QUE NUESTRA PERCEPCIÓN CONOCE ES ESA FORMA. En música, una melodía o un riff tienen una forma. Todo lo que simboliza en el arte a las ideas y razones eternas, es bello necesariamente. La fealdad se puede considerar como la falta de forma o la forma errada, por una confusión de conceptos: es el arte falso. LA BELLEZA ES LO RACIONAL, LA FEALDAD ES LO IRRACIONAL. La simetría puede ser conocida en los objetos naturales o bien puede ser una luz que ilumine todo el universo, como concepto o idea pura de simetría. Plotino hace notar que en el rostro del muerto o de una estatua también hay simetría pero preferimos el rostro de un vivo . Hay una tendencia en la escultura y en la pintura que quiere olvidarse de la perfección del cuerpo para concentrarse en plasmar la brillantez de la mirada y del gesto. En música, es la búsqueda de la brillantez en la interpretación musical antes que en la belleza del todo de la obra. En música, esta brillantez es una luz que recorre la obra y que es escuchada por el vulgo como " una pieza musical que suena bien". Bosanquet observa que incluso cuando la obra de arte se apoya en la brillantez, debe igualmente seguir algún tipo de simetría , y BOSANQUET acepta que es difícil definir qué es la simetría. Un todo bello no lo es necesariamente porque esté formado por partes bellas. En música, estas partes deben sugerir relaciones y desarrollos armónicos . Para Plotino, la música es un arte de los sonidos materiales que nos hace comprender los sonidos puros no materiales y no perceptibles. El mundo del alma no es simplemente la inteligencia de los fenómenos sensibles y su comprensión, sino algo más . En la Edad Media se desarrolla una mística de la luz que encuentra en ella algo más bello, verdadero y profundo que en el orden y la simetría, porque la luz aparta las tinieblas. Al mismo tiempo el arte se convierte en una distracción de los ricos y poderosos para sus horas ociosas, como un juguete de poca importancia. ASÍ OCURRE TAMBIÉN EN LA ACTUALIDAD CUANDO VEMOS A MILES DE PERSONAS QUE TOCAN LA GUITARRA Y GRABAN SUS TEMAS FÁCILMENTE CON LA TECNOLOGÍA DIGITAL ACTUAL. El estilo sublime quiere que la mente del artista guíe a sus manos y no que las manos vayan solas por su lado y esclavicen al artista. Todo arte que se haga con la mente y no con los dedos siempre será un arte sublime. El arte arcaico se beneficiaba de la ilusión de los primeros grandes artistas que creían en el arte como algo grande , con esperanza en él y con la alegría y la libertad que daba al hombre para modificar la materia. En cada aparición de una nueva escuela artística se aprecia la misma alegría, ilusión, esperanza y necesidad de libertad respecto a las normas rígidas de las escuelas anticuadas. Este proceso de renovación de las escuelas artísticas recuerda al que se da en el universo cuando muere una estrella y se concentra en ella misma para luego explotar como una supernova, las escuelas moribundas de arte se concentran en sí mismas en su agonía con una serie de reglas artísticas y técnicas muy rígidas hasta que explotan , mientras no han dejado que se desarrollaran otros planetas o estrellas. Toda nueva escuela artística busca, ante todo , la libertad que la escuela artística anterior anticuada le había quitado. El arte gana en vida, en madurez, variedad, finura, precisión , vigor, lucimiento , riqueza cuando ha pasado la primera época de la renovación o de renacimiento artístico. Las líneas se entrecruzan con fuerza ( en música en la polifonía), cada v curva tiene un interés. Se ha dado el paso de una escuela a otra o de una civilización o régimen político a otro, o tan solo de una época a otra, y primero se da un período de rudeza y de confusión en medio de un gran anhelo por la tener la nueva libertad que trae la nueva escuela artística. Este proceso debe darse seguramente también en el universo a nivel físico o químico. En cada renacimiento artístico, el artista toma posesión del universo con nueva fuerza e ilusión, con toda su majestad, como alguien que se sabe igual a los dioses pero a escala, el arte hace posible la relación entre le hombre y su creador Dios. 35Con el cristianismo se vuelve a un simbolismo simple, : peces, ciervos, fénix, la cruz, el cordero, los panes, el pavo real. El Concilio de Constantinopla de 754 decide que Jesús no puede representarse con medios materiales porque es un espíritu, no puede usarse la materia con sus defectos y limitaciones para mostrar a Jesús. Tampoco se pude representar a Jesús por la analogía con otro ser humano. Lo espiritual no puede ser representado con una forma material perceptible por los sentidos. Los cristianos buscan el establecimiento y mantenimiento de una relación con el otro mundo mediante el arte. 36Escoto Eriúgena cree que el destino del hombre en este mundo es aprender, a lo largo de millones de años, a relacionarse con Dios mediante el estudio y la transformación del mundo natural bello. Algún día el hombre conseguirá razonar con Dios sobre le significado de todas las cosas sensibles y de las ideas. La belleza de Dios existe internamente en nuestra mente como conceptos e ideas y externamente en el mundo como la belleza material natural. Lo feo es lo que tiene una forma equivocada porque no se ha fabricado ni pensado en relación con Dios. La mujer representa lo sensual y material y siempre arrastra al hombre, que es la razón, hacia el goce de todo lo material ( por lo tanto, para Escoto Eriúgena, las millones de curvas que hay en este mundo material solo conducen al goce estético de lo material ). El infierno no es un lugar físico sino un estado interior de la mente si no realiza su trabajo de relacionarlas cosas sensibles con las ideas . La naturaleza visible es creada por Dios para que lo conozcamos a través de ella. . LA DEMOCRACIA MUSICAL 2 Nuestro primer libro sobre la democracia musical resultó ser un escrito demasiado disperso y confuso donde se trataban muchos temas a la vez y de manera rápida sin desarrollar bien cada uno de esos temas, por ejemplo, si la música popular o vulgar debía estar regida, como la música culta, por las leyes de la estética o filosofía del arte que, desde los griegos, habían guiado las obras de los artistas más significativos en Occidente o si, por el contrario, la música vulgar no debía ceñirse en absoluto a ninguna teoría estética y debía seguir solamente sus instintos para producir placer primario en un público vulgar, como sostienen aquellos músicos que desprecian todas las teorías estéticas por considerarlas propias de " intelectuales inútiles" y que creen que la música solo es un montón de trucos musicales para fabricar canciones comerciales de gran pegada. Muchos otros temas parecidos quedaron sin explicar suficientemente en nuestra primera parte de "La democracia musical" y por ello vamos a intentar volver sobre ellos en esta segunda parte para explicarlos mejor. Hay un problema fundamental en el arte musical que se arrastra desde hace siglos y es el problema de decidir si la música debe dirigirse solo a los sentidos para satisfacer su demanda de placer o si además la música debe dotarse de contenido más elevado, espiritual, intelectual, incluso político para que la música sea algo más que solamente un espectáculo que se hace con sonidos y que se disfruta mientras suena y que luego es olvidado. Como decían los escépticos griegos, la música tiene un poder enorme sobre la gente pero ese poder desaparece cuando la música deja de sonar. Desde Grecia, la musica se ha dividido en dos variantes: la culta y la vulgar. En nuestra época, la música vulgar es representada por el rock, el jazz, el blues y sus subestilos , músicas que se dirijen a los sentidos para darles placer. La otra música, la culta, se esfuerza en convertir a la música en algo más que una cocacola sonora que se consume y de la que luego no queda nada. La música culta siempre ha querido añadir contenido político, intelectual, religioso o simplemente formal con nuevas técnicas musicales , a la música popular. Muchas veces el vulgo no entiende a la música culta porque solo espera de la música esos grandes momentos espectaculares como los coros de Nabuco y piensa que la buena música es eso, cuando un compositor consigue componer uno de esos grandes éxitos musicales y que un compositor es bueno si consigue componer esos momentos grandiosos y si no los consigue componer es que es un compositor malo... Para los músicos profesionales, el asunto es muy distinto. Para nosotros, la música es un conjunto de técnicas y de teorías que deben conocerse para entender cada obra musical, para poder analizarla en detalle y poder apreciarla en sus valores artísticos y técnicos. Por eso los músicos profesionales están casi siempre peleados con el público vulgar, porque lo que el público vulgar entiende por música no se parece en nada con lo que los músicos profesionales entienden por qué es la música. Hasta hace relativamente pocos años, hasta principios del siglo XX, los músicos eran pobres diablos que se ganaban la vida como podían tocando por cuatro perras en tabernas y otros tugurios o cantando por los pueblos por una limosna, solamente unos pocos músicos eran realmente ricos gracias al éxito de sus grandes obras, como las óperas de Verdi y cobraban derechos de autor por la venta de sus partituras, pero estos casos eran pocos y excepcionales, incluso el mismo Beethoven pasó a lo largo de su vida por estrecheces económicas ya que sus únicos ingresos procedían de la venta de sus partituras, de sus conciertos y de sus clases a alumnos. La profesión de músico era parecida a la profesión de sirviente y estaba igual de mal pagada, aunque aquellos músicos que tenían la suerte de entrar en las orquestas privadas de los reyes y los aristócratas disfrutaban de una situación profesional un poco mejor. Todo ello quiere decir que la música, hasta principios del siglo XX, pocas veces se hacía pensando en el rendimiento económico que iba a reportar al compositor o al músico por componer y tocar una determinada pieza musical, sino que la música se hacía casi siempre por voluntad personal del artista según su trayectoria artística y su evolución personal, aunque algunas obras de los siglos pasados fueran también compuestas por encargos de la realeza o de los poderes eclesiásticos con unas características concretas , por ejemplo para celebrar una proclamación de un rey o para una misa especial. Por todo ello, las consideraciones económicas influyeron poco en los músicos del pasado y en cómo debían ser sus obras musicales, que dependían solamente de los conceptos artísticos de cada músico y de su evolución artística sin ninguna otra influencia externa. Todo esto cambió hace unos 100 años cuando apareció el invento del disco y luego la amplificación . Los músicos se dieron cuenta de que gracias a los discos podían ganar una cantidad fabulosa de dinero si conseguían vender miles o incluso millones de esos discos y además gracias a la amplificación, primero con válvulas y luego con transistores, ahora podían tocar para un público mucho mayor en sus conciertos, porque mucha más gente podía escucharlos y si conseguían reunir a más de 1000 personas en un concierto, sus beneficios en dinero empezaban a ser importantes. Hoy en día hay conciertos de rock donde se amontonan 50.000 personas fácilmente en estadios de fútbol. Si cada una de ellas paga 50 euros para ver a un artista que les vuelve locos, podemos calcular fácilmente la enorme cantidad de dinero que se mueve hoy en día en el negocio musical y que hace fácilmente millonarias a figuras musicales que en otros siglos no habrían pasado de pobres harapientos cantando en tabernas por cuatro duros, incluso los Beatles no habrían sido otra cosa si hubieran vivido en otros siglos. Efectivamente, el negocio musical es uno de los más importantes actualmente en el mundo y mueve una cantidad de dinero astronómica, convirtendo en millonarios de la noche a la mañana a individuos que no saben hacer más que cantar cancioncillas sencillas de cuatro acordes y cuatro notas. Como el negocio musical mueve tanto dinero en nuestra época, no es raro que se hayan acercado a este negocio todo tipo de mafiosos, delincuentes, oportunistas y ladrones que en otras épocas se habrían dedicado a otros negocios de dudosa moralidad que dieran beneficios parecidos, como el tráfico de drogas o el tráfico de armas. Este tipo de gente , que en otros siglos nunca se habría interesado por la música, ahora controla el negocio musical en todo el mundo, son directivos de grandes compañías discográficas, managers e incluso algunos músicos de talento vendidos totalmente a la fabricación de productos musicales de éxito inmediato e irresistible. A ellos hay que añadir otros granujas que trabajan para ellos, como son sus abogados que persiguen los derechos de autor en todo el mundo, sus directivos de marketing y propaganda que usan todo tipo de técnicas de su triste oficio, la mayoría de ellas antidemocráticas y goebbelianas ( como el crear el culto a un músico, un culto artificial a su personalidad , promovido por toda clase de apariciones públicas de ese ídolo y una presencia constante en los medios de comunicación de él y de los hechos de su vida privada, por eso no es extraño que David Bowie dijera en una ocasión que Hitler había sido la primera estrella del rock, porque en ese individuo se habían usado todas las técnicas goebbelianas para convertirlo en un ídolo de masas, técnicas que luego se han seguido usando para convertir a simples músicos en los grandes vendedores de discos del rock , incluso los Beatles se aprovecharon ampliamente del montaje de clubs de fans y de su presentación mundial como personajes sobrehumanos, más importantes que Jesucristo ) , para condicionar el gusto musical de la gente y para inducirles a la compra de sus productos musicales de valor artístico nulo, ( aunque algunos crean que canciones como "Yesterday" de los Beatles tienen un valor artístico, cuando en realidad es producto muy bien hecho y con mucha astucia para reunir en esa canción una melodía "mozartiana" y una segunda parte muy pegadiza, en este sentido se puede decir que los Beatles son los culpables de haber creado la moda que sigue actualmente de fabricar no solo simples canciones sino algo más que canciones, unas supercanciones que reunieran en cada una de ellas una serie de elementos musicales, como un tipo de melodìa o un tipo de secuencia de acordes, que conviertiera a esa canción en una supercanción, en una canción droga... y el mismo fenómeno de los clubs de fans y del culto a la personalidad a los Beatles ha sido luego imitado por todos que han aspirado a ser figuras de la música, incluidos los actuales niñatos de Operación Triunfo) así como una serie de malos periodistas musicales que son sobornados para que solo hablen de un artista y de ninguno más y lo promocionen cada día en sus televisiones y radios. El mundillo musical, que en los siglos pasados era un asunto de conservatorios y de músicos que juzgaban el valor de las composiciones musicales entre ellos, ha pasado a ser durante el siglo XX un asunto de directivos del capitalismo salvaje más y de directivos de marketing sin ningún escrúpulo, y de miles de oportunistas que nunca se habrían dedicado a la música en otros siglos pero que sí lo han hecho en los últimos 100 años al ver la cantidad fabulosa de dinero que se podía ganar con este nuevo negocio aparecido gracias al invento de los discos y de la amplificación y gracias también al fenómeno del culto al artista que se sube a un escenario ante un público de miles de personas que le rinden una adoración desmedida, y muchos de estos artistas oportunistas se vuelven adictos al culto a su figura que les da ese público, se vuelven adictos a sentirse semidioses y a disfrutar del placer del éxito inmediato cuando cantan bien o tocan bien en un concierto. Así vemos que en la actualidad se presentan a los casting de Operación Triunfo o La Voz, docenas de miles de chicas y chicos, todos ellos sin duda animados por sus padres que han visto una oportunidad para ganar mucho dinero con estos concursos de música basura en la televisión, donde todo son canciones lacrimógenas falsas y bobamente románticas, o canciones con mucha marcha o imitaciones de los grandes éxitos mundiales de siempre de ABBA o de Nino Bravo. Qué diferencia con esos padres del franquismo que veían horrorizados cómo sus hijos se ponían a tocar una guitarra electrica como los drogadictos y viciosos músicos ingleses. Durante el franquismo, ser una beatle o un yeyé estaba muy mal visto pues era considerado un oficio propio de drogadictos, hippies y gente de mal vivir. Ahora los padres empujan a sus hijos a que se presenten a los concursos de música de la televisión porque han visto que se ganan cantidades de dinero impresionantes por hacer casi nada. Y que no digan los participantes en Operación Triunfo que tienen que ensayar muchas horas y que eso es mucho trabajo, porque eso mismo es lo que hace cualquier otro estudiante de música en su conservatorio también. Y es esto lo que ha ocurrido en estos últimos 100 años en la música, se ha convertido en una cosa muy distinta a lo que había sido en los siglos pasados. Además, en esos siglos costaba mucho aprender a tocar un instrumento y aprender a leer partituras y los alumnos de los conservatorios tenían que pasar varios años de dura disciplina hasta conseguir tocar bien. Hoy en día cualquiera se pude comprar una guitarra eléctrica o un sintetizador y un ampli y un programa para grabar música por ordenador y un programa de loops pregrabados y con eso ya puede hacer música. Así que ahora mismo hay cientos de miles de músicos, grupos musicales, cantautores y otras formaciones musicales en cada país y en algún país como en Finlandia, incluso el "heavy metal" se enseña en la universidad porque el país está lleno de gente que toca " heavy metal", una pseudo-música por otra parte muy vinculada a ellos y a su pasado vikingo y bárbaro. La música popular , durante el siglo XX, se ha convertido en algo muy distinto a lo que era en los siglos anteriores. Del lado positivo tenemos que reconocer que el hecho de que gran cantidad de gente se haya dedicado a la música en el último siglo ha permitido que surgieran cientos de nuevos estilos y subestilos en la música popular , muchos de ellos vinculados a un país en concreto como la samba brasileña o el tango argentino o la canción francesa o italiana, y que surgieran asimismo miles de composiciones interesantes , desconocidas en otros siglos. El mismo jazz, con su técnica de componer melodías y solos a partir unas escalas modificadas para unos cuantos acordes elegidos, ha supuesto otra manera de componer música distinta a la manera académica occidental de los últimos siglos. Como el jazz es una música popular muy norteamericana, la enorme presión en la que viven los ciudadanos de ese país tan capitalista salvaje les ha obligado en el último siglo, para conocer el éxito, a inventar nuevas canciones y temas musicales en número de miles, a base de ir probando nuevas combinaciones de notas y escalas para una serie de acordes convencionales. Sin duda la mayor parte de nuevos tipos de canciones y de temas musicales que han surgido en los últimos 100 años . son de origen norteamericano. Hay que decir a favor de ese país, y en contra de España, que los cientos de miles de músicos que existen en USA tienen más facilidades para tocar en todo tipo de eventos en su país, que los músicos españoles en España. En ese sentido, en el país del capitalismo salvaje sí se cumple la igualdad de oportunidades para todos que no se da en España. Además, los norteamericanos protegen mucho sus puestos de trabajo y su industria musical, de manera que un músico extranjero no puede tocar en USA si antes no le dan un permiso de trabajo temporal y solo lo dan a artistas extranjeros de probada fama mundial. En cambio, en España se contrata a grupos musicales ingleses de cuarta fila que no conoce nadie en su país, solo por el esnobismo de ser ingleses, cuando no se da trabajo a otros miles de grupos españoles que tocan igual de mal que ellos , pero que por ser españoles tienen más derecho a poder tocar en España. Se deja que vengan figuras extranjeras de la música a quitarnos cientos de miles de dólares después de llenar estadios de fútbol con sus seguidores españoles , cuando debería haber una limitación al número de músicos extranjeros que pudieran venir a dar un concierto en España , por ejemplo un máximo de 25 % de todos los conciertos para artistas extranjeros y el resto del 75 % de los conciertos en España solo para músicos españoles, así debería ser si se quisiera proteger la industria musical nacional. Pero del lado negativo , el enorme aumento de gente dedicada a la música ha convertido a esta profesión en el peor reducto que le queda al darwinismo social y al capitalismo salvaje del tipo más extremo, el último refugio donde los partidarios del darwinismo social y del capitalismo salvaje campan a sus anchas, con sus conceptos de que la música debe ser solo un asunto de unas pocas figuras superdotadas, guapas, de gran voz, de gran talento , las únicas que pueden dar conciertos, salir en TV y ganar dinero con la música. No existe una legislación que regule esta profesión en España, y se deja que la mayoría del público elija al artista que tenga más éxito, suponiendo que es el mejor y que por lo tanto se merece llegar a ser millonario, y que miles de otros músicos deben quedarse en el olvido, al margen o despreciados, porque solo hay mercado para unas cuantas de estas figuras millonarias que son los únicos que pueden vender millones de discos, salir por televisión y tocar en conciertos. Este esquema de cosas es el que predomina en el mundo musical desde los años 50, cuando las ventas de discos empezaron a ser realmente millonarias. Es un esquema absolutamente injusto para miles de otros músicos que nunca tienen ninguna oportunidad en la vida de tocar, además de que es inconstitucional porque se vulneran los derechos de todos los ciudadanos al trabajo y a la igualdad de oportunidades, mientras se permite que las figuras de la música practiquen una competencia desleal, puesto que tienen toda una serie de privilegios que nadie se atreve a discutirles, como ser los únicos que salen constantemente por televisión y radios y ser promocionados todo el día en esos medios. Por ello decimos sin temor a exagerar, que la profesión musical en España sigue estando tan mal como lo estaba en el franquismo y que nada ha mejorado en la profesión musical en España desde el franquismo, hasta el punto de que todo sigue igual que en el franquismo en la profesión musical en España y así se puede bien decir que la democracia todavía no ha llegado a la profesión musical en España porque todo sigue funcionando igual que como funcionaba durante el franquismo. Así, vemos que en el franquismo , en los años 60, una serie de managers y de directivos de discográficas utilizaron a niños como Marisol y Joselito para ganar mucho dinero con ellos, y ahora vemos que se sigue haciendo lo mismo con adolescentes como los que aparecen en Operación Triunfo y se les sigue utilizando, como se hizo durante el franquismo, para ganar mucho dinero con ellos, con el agravante de que ahora los astutos directivos y managers resultan ser gente que durante el franquismo eran antifranquistas independentistas catalanes, como son los de la Trinca Gestmusic que controlan estos concursos de telebasura qus hacen en España, y que se comportan igual como se comportaban los directivos y managers del franquismo en los años 60 con los Marisoles y Joselitos de entonces. Total, que estamos igual que entonces. No negamos que en Operación Triunfo puedan aparecer nuevos talentos musicales que se merecen ser descubiertos y dados a conocer al gran público , pero lo que se hace en operación Triunfo es escandaloso cuando se les promociona todo el día por televisión española, que es un medio público, para un negocio privado como es vender discos y conciertos de empresas privadas , apareciendo en todo tipo de programas todo el día, desde los telediarios hasta los programas del corazón. Es evidente que algo huele a podrido en la democracia española cuando no hemos sido capaces de regular la profesión musical en España en estos 40 años y hemos dejado que este mundillo musical siguiera funcionando igual que en el franquismo e incluso peor porque los directivos de programas de concursos musicales y sus managers son ahora mucho mas manipuladores y tienen muchos más medios de propaganda , además que son muchos más peseteros y ricos que los del franquismo. En otros países, como Cuba, toda la población tiene educación musical gratuita y por eso en Cuba todo el mundo canta, toca y compone y lo hace bien, y puede tocar en cualquier sitio, en la calle, en bares, en las casas, aunque cobre poco por tocar. Cuba nos muestra la situación totalmente opuesta a la que se da en España respecto a la gestión de un recurso que es propiedad de todos , como son también el agua y el aire, y que es la música. En España se gestiona este recurso según los conceptos más extremos del capitalismo salvaje y de la misma manera como se hacía en el franquismo mientras que en Cuba toda la población sabe de música y canta y toca y lo hace libremente por todos sitios, aunque gane poco. Como prueba de que nada ha cambiado en España en el mundillo musical desde el franquismo, fijémonos en artistas que tenían mucho éxito en el franquismo y que lo han seguido teniendo en la democracia , como Raphael. Siempre se ha acusado a este cantante de cantar mal, de histrionismo, de desafinar, de entrar a destiempo en las canciones, de ademanes ridículos, de imitar a Cliff Richard y a Adamo, pero en el franquismo tenía mucho éxito entre un público ignorante ( como lo prefería el franquismo) que apreciaba en Raphael sus exageraciones y sus poses teatrales, entendiendo que eso quería decir que era un gran artista, y cuando murió Franco, Raphael pasó unos años en el ostracismo porque la gente lo relacionaba demasiado con el franquismo al haber sido recibido por Franco en varias ocasiones y haber cantado para el dictador, pero Raphael supo adaptarse a la nueva democracia y volver a ser un ídolo de masas, aunque siguiera cantando igual de mal que en el franquismo, presentándose ahora como un luchador y como un superviviente a los cambios políticos, y coló porque se encontró con un nuevo público que antes no tenía y que le llena sus conciertos y lo defiende, a pesar de sus ridiculeces. Y si hace falta un transplante de hígado para seguir teniendo éxito, se transplanta. Raphael es la prueba viviente de que nada ha cambiado en España en la música desde el franquismo, se sigue considerando, como entonces, que solo pueden existir unos cuantos astros de la música, aquellos que sean los mejores o los más guapos o seductores, y que fuera de esas cuatro figuras de la música no puede existir nadie más en España, así piensa el público español y es lo mismo que pensaba durante el franquismo. A Raphael se le han unido una gran cantidad de oportunistas durante la transición y en estos últimos 40 años de democracia, cantantes y grupos musicales que se han presentado como originales, con gran poderío, de gran presencia física , que arrastraban las masas con ellos, cuando en realidad no eran más que imitadores de algún cantante extranjero o grupo extranjero. Hay muy pocos músicos españoles de los últimos 50 años que sean realmente originales ( por ejemplo Pau Riba o Vainica Doble) mientras que el resto, especialmente aquellos que han tenido más éxito comercial, no son más que imitadores de algún artista extranjero. La prueba de fuego para saber si un músico español es realmente original es llevarlo al extranjero y ver cómo lo reciben: son muy pocos los artistas españoles que tienen éxito en el extranjero ( no me refiero al éxito en los países de habla española porque alli es como cantar en España, sino a los países de lengua inglesa, donde enseguida ven si un grupo o un artista es una imitación de otro grupo inglés o norteamericano ) y si Luz Casal siempre ha tenido mucho éxito en Francia es porque es realmente una cantante única con un estilo único, y lo mismo ocurre en otros estilos como el jazz y el jazz-rock, donde abundan los imitadores españoles de las figuras extranjeras en esos estilos, pero que se presentan en España como genios de la música, cuando solo son imitadores. Así pues, la industria musical española sigue funcionando con los mismos esquemas y las mismas inercias que durante el franquismo , y son esquemas propios del capitalismo salvaje más extremo. Lo son los concursos actuales de tele basura que llenan las televisiones españolas, concursos donde unos sádicos se burlan de los concursantes, sin haberles dado tiempo a aprender el oficio de músico en alguna escuela de música o conservatorio, concursos donde se premia a la cantante que grite más o que sea más espectacular, aunque sea una imitación de Lady Gaga o de Beyoncé o de Adele , o a cualquier payaso que se ponga a tocar una guitarra eléctrica a mil por hora. Concursos donde ni te dejan interpretar una canción completa sino que te cortan a media canción, siguiendo la moda que ha impuesto You Tube e internet de que la mayoría de la gente no escucha realmente música sino que solo escucha el principio de una canción por You Tube y luego se cansa y cambia a otra canción enseguida. En estos 100 años de industria discográfica, se ha desarrollado una nueva manera de componer música, pensada para ser escuchada rápidamente en la radio o la televisión o para ser bailada en una discoteca. La música se ha tenido que refinar mucho, dejando fuera los "rollos" instrumentales y los recitativos vocales propios de la música de los siglos pasados, para conseguir fabricar productos musicales de gran éxito y que fueran , a la vez , adictivos e irresistibles, como lo es la CocaCola, que poca gente podría considerar una bebida de verdad ( al menos si la comparamos con un licor Chartreuse) pero que está fabricada con una fórmula que la hace irresistible para beber y adictiva y además para proporcionar un placer inmediato a la garganta, aunque luego no quede nada de esta cocacola una vez se haya bebido, a no ser problemas en el riñón por el ácido fosfórico que lleva. Las canciones en nuestra época se han convertido en canciones cocacola, que proporcionan un placer irresistible e inmediato al oyente , y que le obligan a escuchar esa canción una y otra vez como si fuera una droga, como ocurre con la cocacola, que siempre quieres beber un poco más. Pero una vez escuchada esa canción, no queda nada de ella, nada ha aportado al oyente esa música, excepto una momentánea y falsa excitación, pero nada más, como ocurre también con la cocacola después de beberla. E incluso no solamente no aporta nada al oyente esa música droga, sino que te está haciendo daño sin darse cuenta, obligándote a aceptar solamente aquellas músicas que sean canciones droga como esa que has escuchado y a no aceptar nada más en música que las cancionesdroga. Es decir, que esa canción droga te está embruteciendo y degradando culturalmente. La música no es una fábrica de productos musicales adictivos. La música es un arte donde cada artista se expresa según sus conceptos teóricos y musicales , según sus gustos y su evolución artística propia. No importa si la música que hace ese artista auténtico no guste a nadie o no la entienda nadie o no salga nunca de su casa o no tenga ningún éxito, lo que importa es la trayectoria de ese artista y su vida artística, reflejada en su obra. Así debería ser, si la música fuera solamente un arte. Pero desde que la música se ha convertido en una industria fabricante de productos musicales adictivos y en un negocio fabuloso, los principios artísticos se han dejado a un lado por parte de la mayoría de los músicos, que han caido en la trampa de dedicar sus vidas a buscar la melodía o los acordes o la canción que fueran más pegadizas o más impresionantes o más comerciales o más espectaculares , para vender miles de discos y ganar dinero. La gente más inculta musicalmente es la que solo se interesa por la música cuando la hace un guitarrista espectacular que toca a mil por hora en solos interminables de media hora donde no hace otra cosa que pasar sus dedos por los trastes del mástil a toda velocidad. Este tipo de gente que no sabe nada de arte ni de música, normalmente no compra discos ni va a ningún concierto a menos que le ofrezcan algo realmente único, sensacional, espectacular, grandioso, como ver a ese guitarrista tocar a mil por hora o ver a un grupo musical que le de mucha marcha. Si no , este público corriente no va a ningún concierto ni compra ningún disco. Por eso los músicos que quieren ganar mucho dinero y sus compañías discográficas buscan fabricar el producto musical grandioso y irresistible que haga que la gente quiera ver a ese guitarrista o a ese grupo o cantante y vaya a sus conciertos y compre sus discos. Pero entre los aficionados a la ópera también abunda este tipo de energúmeno que no sabe nada de música y que solo va a la ópera a escuchar las óperas más famosas para ver cómo el tenor o la soprano hacen una exhibición de sus facultades pulmonares en las arias más conocidas, aunque se duerme en el resto de la ópera. Y es que en el siglo XIX ya se dió el problema entre estos dos tipos de público: el que entiende en música y va a ver un concierto u ópera sabiendo de qué va el tema e incluso a veces va con la misma partitura para releerla a lo largo del concierto, y el otro público que no entiende de nada y que solo se interesa por la música si hay cantantes que hacen cosas extraordinarias con sus pulmones o violinistas como Paganini que tocan a mil por hora ( pero al menos Paganini era un buen músico que sabía que estaba haciendo algo no musical cuando tocaba a mil por hora y por eso ponía a algunas de sus obras unos títulos tan significativos como "Estudio diabólico"). Hay pues un conflicto entre dos tipos de público desde hace tiempo: el público de los " connoisseurs" , o enterados o puristas, que con frecuencia son músicos también ellos mismos y que poseen una amplia cultura general, y el público de los ignorantes que normalmente no se interesa por la música excepto cuando aparece un monstruo que grita más que nadie o que toca más rápido que nadie. Estos dos tipos de público son incompatibles entre sí e irreconciliables. Lo más gracioso del asunto es que a veces surge de este tipo de público ignorante alguien que quiere dedicarse a la música, por ser hijo de alguno de estos burgueses o por alguna tara que tiene, y ese nuevo músico surgido del público ignorante se pone a hacer... lo que él cree que es la música, es decir gritar más que nadie y tocar más rápido que nadie. En los últimos 100 años, este público ignorante que nunca se interesaba por la música de verdad, ha sido seducido por una cantidad enorme de productos musicales que lo han hecho interesarse por la música e incluso a querer dedicarse a ella, además con la ayuda de gente como Leo Fender y Hammond y Moog que les han puesto en las manos instrumentos musicales mucho más fáciles de tocar que los instrumentos duros de los siglos pasados. Es ese tipo de gente que se pone a cantar "My way" en los karaokes aunque tenga 70 años ya, o que coge una guitarra eléctrica y se pone a tocar "Highway to hell" o que compone en su casa larguísimos temas atmosféricos y ambientales con teclados al estilo " new age". Pero es gente que normalmente nunca se habría interesado por la música, si no fuera porque en nuestra época supone un negocio fabuloso que mueve una cantidad de dolares astronómica, y porque en nuestra época han surgido miles de canciones y temas musicales atractivos y divertidos , que no existían en otros siglos, y que todo el mundo quiere cantar y tocar, como "My way" o "Highway to hell". Si no existieran los discos, ni la amplificación, ni el surgimiento de tantos nuevos estilos y subestilos en la música popular como han aparecido en los últimos 100 años , la música seguiría siendo un asunto minoritario de unos pocos entendidos, formados en los conservatorios, y con unos cuantos de miles de burgueses añadidos como público de las óperas más famosas, y con unos pocos cientos de seguidores de los cantantes populares o cantautores que aparecieran, que casi siempre se verían obligados a tocar en tabernas y por las plazas de los pueblos. Serrat o Lluis Llach no serían más que trobadores o juglares como los de otros siglos, y desde luego no serían ricos ni tendrían un público fanático de seguidores que adoraran sus personalidades. En España todo sigue igual que en el franquismo en la profesión musical y los nuevos figuras que han aparecido en estos últimos 40 años de democracia no han hecho absolutamente nada por mejorar la situación de la profesión musical en España. sino que se han comportado exactamente igual que las figuras musicales que habían aparecido en el franquismo y que solo se habían dedicado a su carrera y a su negocio musical. Las nuevas figuras de la música aparecidas en España en estos últimos 40 años de democracia solo se han dedicado a alcanzar su éxito personal y luego a enriquecerse. Y lo peor es que las nuevas generaciones de músicos que van apareciendo en programas de telebasura como Operaciòn Triunfo tienen exactamene el mismo objetivo que esas figuras musicales del pasado: primero ser famosas y luego enriquecerse con la música. Y lo más divertido de todo es que los principales perjudicados de todo ese montaje que es la música en España, los principales perjudicados no son los cientos de miles de músicos españoles que nunca tienen ninguna oportunidad de salir en televisión o de participar en algún concierto masivo, sino que los principales perjudicados son los mismos participantes en ediciones anteriores de Operación Triunfo, como Bustamantes, Chenoas y Bisbales, que ahora ya son viejos y ya ha pasado su época y ven cómo están siendo sustituidos por los nuevos ganadores de Operación Triunfo que son más jóvenes y atractivos y que venden ahora los discos en vez de ellos y se llevan los contratos para tocar en las fiestas mayores de las ciudades y pueblos españoles este verano. Y es lo que pasa cuando te vendes al capitalismo salvaje, que tarde o temprano te vas a encontrar con otros más jóvenes que tu que también se van a vender al capitalismo salvaje por dinero y te van a relegar a un lado por viejo. LA SITUACIÓN EN ESPAÑA, COMO YA EXPLICAMOS EN "LA DEMOCRACIA MUSICAL -1", ES INCLUSO PEOR AHORA QUE DURANTE EL FRANQUISMO, ENTONCES, JUNTO A LA MÚSICA COMERCIAL REPRESENTADA POR GENTE COMO JULIO IGLESIAS Y CAMILO SESTO, TE ENCONTRABAS QUE TAMBIÉN EXISTÍA OTRA MÚSICA UNDERGROUND, COMO EL ROCK PROGRESIVO, QUE TENÍA SU PÚBLICO Y QUE ERA UNA MÚSICA ALTERNATIVA A LA MÚSICA COMERCIAL Y DONDE IMPORTABA MÁS LA CREATIVIDAD Y ORIGINALIDAD DEL GRUPO MUSICAL QUE NO SU APARIENCIA FÍSICA O SUS DOTES VOCALES. Ahora mismo estamos peor que durante el franquismo, no existe la posibilidad de otra música alternativa a la música comercial, con la excepción de los ambientes del jazz y sus clubs, y la excepción también de la existencia de cientos de grupos de punk que cantan lo que quieren en sus canciones aunque no tengan ninguna posibilidad de ser conocidos más allá de sus locales de la CUP o de otros partidos de extrema izquierda ( a este respecto, debemos recordar que lo que decimos en nuestros escritos sobre la democracia musical es , en gran parte, una repetición de los que decían los punks a finales de los años 70, cuando protestaban contra los grupos dinosaurios como Led Zeppelin o Yes que no dejaban que otros grupos pudieran tocar su música, al acaparar aquéllos todo el mercado, entonces aparecieron miles de grupos punk que solo sabían tocar tres acordes y que reinvindicaron una música democrática como hacemos nosotros, contra la música de unos pocos elegidos elitistas que controlaban todo el mundillo musical inglés en los años 70 ). No existe actualmente en España música alternativa a la música comercial, no existe el rock progresivo ni hay público para él ni existe nada que no sea música comercial, porque incluso los grupos musicales y cantautores que en otras décadas habían hecho música auténtica no comercial, ahora hace años que se han vendido a la comercialidad y graban en estudios de grabación muy caros para conseguir una calidad de sonido parecida a la de la música comercial. En este aspecto, la situación actual es peor que en el franquismo porque entonces al menos una parte del público era receptiva para otras músicas y otros estilos, mientras que ahora solo hay un público y es el de la música comercial y es un público bastante más intolerante y hostil que el público que había durante el franquismo, que iba a ver cantar a Manolo Escobar pero que permitía, quizás a regañadientes, que existieran los Canets Rocks y otros conciertos alternativos donde se expresaba lo más creativo de la música española de entonces y donde , además, no se dejaba tocar a músicos extranjeros. Hoy en día en los Canets Rocks solo hay música comercial en catalán. Además, hoy en día existen mafias de managers y directivos de compañías discográficas y directivos de programas musicales televisivos que manejan cantidades de dinero mucho mayores que las que se manejaban durante el franquismo y que , por lo tanto, tienen mucho mas poder para imponer al pais sus gustos y sus dictados en materia de música, que es lo que hacen cada día, con un poder tan grande que desafía a otros poderes de la democracia como el poder del gobierno, que no se atreve a regular la profesión musical precisamente porque teme al enorme poder que tiene la industria musical comercial en España. Por eso van pasando los años y ningún gobierno regula la profesión musical en España, porque no se atreven a meterse con el muy poderoso "lobby" de los managers y directivos de la industria musical española, de la misma manera que tampoco se atreven a meterse con la muy poderosa industria automovilística española y por eso van pasando los años y no hay coches eléctricos baratos en España ni se acaba con los diesel y el gasoil. Cuando en una democracia aparecen lobbies que tienen tanto poder y que manejan tanto dinero como para desafiar al poder del gobierno y de los jueces, entonces es que vivimos en una democracia falsa que es en realidad una dictadura encubierta, una dictadura de estos poderes fácticos en la sombra, como son las grandes compañías discográficas y managers de la industria musical española o la industria automovilística. Efectivamente, los músicos españoles vivimos bajo una dictadura, la de la industria musical comercial española que impone sus leyes y sus designios a todo el mundo, desde a TVE hasta a los gobiernos que no se atreven a meterse con esa industria tan poderosa en España. Solo hay que fijarse que ni Podemos se mete con ellos porque no se atreven. Y en una TVE controlada por Podemos, un programa tan capitalista salvaje como Operación Triunfo seguro que va a seguir existiendo, porque da mucho dinero a TVE. A veces lo que ocurre es que los mismos dirigentes políticos no entienden de música y son también adictos a productos musicales como Supertramp u Operacion Triunfo y por eso dejan que todo siga igual, pues en su interior creen que efectivamente solo las figuras superdotadas tienen derecho a salir en TV y a vender discos y hacer grandes conciertos. Es exactamente lo mismo que pensaban los directivos franquistas de TVE. Es un mundillo musical profundamente antidemocrático e inconstitucional. Pero como la mayoría de los dirigentes políticos españoles se ha criado o bien en el tardo franquismo o bien en la democracia actual , están acostumbrados a que el mundo musical funcione según el esquema explicado antes, con unas cuantas figuras musicales de gran éxito y aparte de ellas, nada más que el desierto. Y creen que esa es la manera " natural" como debe funcionar la música en España: que siempre aparezcan unas cuantas figuras irresistibles que ganen mucho dinero y tengan mucho éxito, y aparte de ellas no exista nada más. Eso no tiene nada de natural, cuando vemos que el éxito de esas supuestas figuras ( que en la mayoría de los casos solo son músicos que conocen el oficio como los demás músicos de carrera ) es inducido por enormes campañas de marketing y de publicidad y de presencia constante en las radios y en las televisiones. Además otro efecto pernicioso de los concursos de televisión del tipo "You got talent" es que todos los concursantes acaban cantando las mismas canciones exitosas de siempre, como el "My way" o el "I will survive", con lo que el público solo escucha una y otra vez esos productos musicales y no acepta nada más que esos productos musicales de enorme éxito mundial , creyendo además este público ignorante que eso es cantar o que eso es música, cuando no es más que lo que se hace en un karaoke cada noche , o sea imitar. Pero como la mayoría de políticos actuales se ha criado en ese esquema de cosas, se cree que es lo normal . El que grite y toque más rápido que nadie, ese es el que tiene que salir por Tv y vender millones de discos y llegar a ser millonario. Esa es su concepción de la gestíon del recurso llamado música en España. Nada que ver con nuestro concepto de la democracia musical que , como explicamos en nuestro primer libro, se parece mucho más a la situación musical que hay en Cuba. Una prueba muy evidente de la degeneración a la que ha llegado el público en España es cuando vemos que en conciertos multitudinarios de "música" como el de Burriana este verano, se amontonan 20.000 personas, pagando cada una de ellas 50 euros, para ver a unos cuantos disc-jockeys cómo ponen discos. Disck-jockeys que no saben nada de música y que ni tan solo tocan la música que ponen, pero que ganan cantidades fabulosas de dinero por hacer esas tonterías de poner discos ante 20.000 personas. Es como si se pagara a un actor de teatro para que pusiera unos cuantos DVD de peliculas en un teatro . Es ya la degeneración extrema. Como también lo es la moda de los grupos tributo, esos grupos que se ponen a tocar canciones de grupos famosos como los Beatles, Queen, Led Zeppelin, Pink Floyd, Bruce Springsteen y se creen que esas canciones las han creado ellos, cuando solo son unos micos imitadores. Estos grupos tributo son las paparras de la música, que se alimentan de la sangre de los grupos originales, sin haber creado nada ellos realmente. Pero hay un público ignorante que paga por ver a estos grupos tributo, sin saber que lo realmente importante y difícil en arte es crear una obra y no el copiarla. Imitar es fácil, lo difícil es crear. Frente a todo este mundillo infernal de la música en España, lleno de mafias y de falta de regulación, sigue existiendo el oasis que son los conservatorios. Allí se siguen formando músicos de verdad, tras muchos años de estudios, allí se enseña la música como arte y no como un montón de trucos musicales para hacer canciones comerciales ( que es lo que la mayoría del público ignorante se cree que es la música), y allí la opinión mayoritaria sobre la música vulgar es la misma que la mía, porque me lo han comentado muchas veces. Un músico de carrera puede tocar cualquier partitura y bien pero se ve obligado muchas veces a trabajar como profesor de música para tener un sueldo, mientras que tiene que aguantar como unos niñatos de Operación Triunfo se hacen millonarios de la noche a la mañana por cantar cancioncillas de cuatro notas. Es una situación tan injusta que en ningún otro sector profesional se toleraría, por ejemplo los taxistas no lo tolerarían en su oficio, pero parece que la música es el peor de todos los sectores profesionales, el más olvidado, el último de la fila que no importa a nadie, ni al ministro de cultura de turno y así van pasando los años con esta situación tan escandalosamente injusta en la profesión musical sin que ningún gobierno la regule de una vez. Si existieran sindicatos de músicos poderosos y unidos como tienen los taxistas, podrían conseguir que el gobierno atendiera sus peticiones , pero ahora mismo no existe ningún sindicato parecido en España porque cada músico va a la suya, solo piensa en su éxito personal y no le importa nada lo que le pase a los demás músicos y solo aspira a tener conciertos bien pagados él y a ganar dinero él, sin meterse en peligrosos contenciosos contra el lobby de los managers y directivos de la música vulgar , pues teme mucho sus represalias. Esta falta de unión entre los músicos españoles dificulta mucho que algún día aparezca en España una legislación civilizada sobre la profesión musical para que deje de ser la selva que es actualmente. Cada nuevo grupo musical que aparece, cada nuevo cantante o cantautor, solo piensa en tener éxito él y nadie más, que no le falten conciertos bien pagados y que venda miles de discos y gane mucho dinero. De alguna manera ,en España se acepta tácitamente que la actividad musical, por sus características propias, debe funcionar de esta manera, es decir según los principios del capitalismo salvaje más extremo y del darwinismo social, porque la población en España piensa que solamente deben existir una pocas figuras musicales, las más extraordinarias, y nadie más y que solo esas pocas figuras salgan en TV y radios y ganen mucho dinero y nadie más. Esa es la concepción de la música en España y por eso es la profesión más mal regulada de todas las existentes en España, cuando tantas otras profesiones han accedido ya a condiciones de trabajo muchos más civilizadas. Además, si el público español tiene esa concepción de la actividad musical, ¿ por qué existen entonces los conservatorios, donde se gradúan cada año cientos de nuevos titulados en música ? Es como decir que en España se titulan cada año miles de nuevos mecánicos de coches en las escuelas de formación profesional, pero que la mayoría de ellos están condenados a no poder trabajar nunca de mecánicos de coches porque solamente van a poder trabajar como tales unos pocos de ellos, los que sean los más guapos o los que desmonten un motor más rápido. No señor, si existen cientos de músicos en España, y miles de ellos son titulados, es para que toquen música , con el derecho a trabajar que tienen como el resto de ciudadanos españoles. Y lo que decimos nosotros no es nuevo, ya lo dijeron los punks de finales de los años 70 en Inglaterra cuando se rebelaron contra el poder excesivo que tenían los supergrupos de entonces que llenaban grandes estadios , grupos como Led Zeppelin, Emerson Lake and Palmer, Genesis, Pink Floyd, Yes, Deep Purple, a los que llamaban " dinosaurios" porque se comían todo el negocio musical y no dejaban que existieran miles de otros grupos musicales más " normales " en Inglaterra. Todo lo que decimos nosotros contra las figuras musicales que acaparan toda la actividad musical en un país, es lo mismo que dijeron los punks en esos años. Se trata, pues de un conflicto tan antiguo como el mundo: los superdotados contra los "normales". Es cierto que aparecen en cada época unos cuantos músicos que son únicos, superdotados, excepcionales y que estos músicos son los que se llevan el éxito, el público y el dinero, mientras que otros cientos de músicos " normales" no tienen ninguna posibilidad de tocar ni de hacer nada en la vida. De cuando en cuando hay una rebelión contra este estado de cosas y eso es lo que representamos nosotros: queremos que todo el pueblo , como ocurre en Cuba, sea músico y disfrute de este recurso que nos ofrece el planeta y que , como el agua y el aire, pertenece a todos y que todo el mundo pueda tocar su música libremente. Se trata, por lo tanto, del eterno problema de los igualitaristas contra los elitistas. Los que buscan la igualación entre todos los ciudadanos de la sociedad siempre piden que todos los ciudadanos tengan la misma igualdad de oportunidades para hacer cualquier cosa, desde estudiar hasta trabajar, mientras que los elitistas quieren que solamente una élite de privilegiados pueda tener acceso a esas oportunidades, para enriquecerse solo ellos con ellas. Este problema eterno de la política también se repite en el mundo de la música: hay los igualitaristas como nosotros que creemos que la música pertenece a todo el mundo y que todo el mundo debería tener la oportunidad de expresar lo que quiera en música y de dar a conocer al público lo que hace , mientras que los elitistas quieren controlar este sector profesional para que solamente ellos puedan ganar dinero con él, especialmente desde que aparecieron los discos y los amplificadores hace unos 100 años que posibilitaron que el negocio musical adquiriera desde entonces dimensiones económicas enormes, lo cual ha atraido a la música a una gran cantidad de granujas que en otros siglos nunca se habrían interesado por este arte pero que al ver las enormes ganancias que eran posibles con los medios audiovisuales actuales , ha entrado en el mundo de la música y se ha apropiado de él para ganar mucho dinero, quitando el control sobre la música que tradicionalmente y desde hacía siglos habían ejercido los conservatorios. Al apoderarse del negocio musical toda esta serie de mafiosos y de ladrones , los conservatorios se han visto relegados a ocupar una posición marginal en este sector profesional, de lo que se han aprovechado también innumerables caraduras que sin saber música ni querer aprenderla, se han dedicado a llenar el espacio sonoro de música basura fabricada para dar mucho dinero. Y todos sabemos que el espacio sonoro es muy limitado y delicado, solo admite que esté sonando una música a la vez, o enseguida se producen cacofonías que nadie soporta. Por eso hay tantas luchas por apropiarse del espacio sonoro entre managers y compañías discográficas, para que solo suenen los discos de sus representados y de nadie más. En los siglos pasados, el espacio sonoro estaba controlado por los conservatorios y los músicos que estudiaban allí conocían la ciencia musical y sus técnicas. Ahora el espacio musical está controlado por empresarios sin escrúpulos que solo ven en la música una manera de ganar mucho dinero fácilmente, y este espacio sonoro está controlado también por multitud de malos músicos que no saben música. Las guitarras eléctricas , los amplificadores y los discos no han democratizado la música sino que la han degradado a un nivel prehistórico, pues la mayoría de malos músicos que no sabe de música utiliza trucos propios de la prehistoria para aclararse entre las notas y los acordes que usa, pasando por alto e ignorando toda la evolución de la técnica musical desde la Edad Media, y además este tipo de malos músicos ha fomentado un mal ambiente en el mundillo musical, un mal ambiente que es propio de la prehistoria donde todos se mataban unos a otros y se quitaban la comida a porrazos. En cambio, cuando la música es controlada por los conservatorios, se mantiene un fair play y una caballerosidad en el trato entre los músicos , porque todos han estudiado en el conservatorio y conocen las mismas técnicas sobre cómo leer partituras, cómo aprenderlas y cómo tocarlas con otros músicos. No hay grandes peleas entre los músicos de conservatorio, si exceptuamos algunos casos muy sonados de peleas entre divos, como entre algunos tenores contra directores de orquesta. Pero dejando a un lado estos casos aislados, en general los músicos de conservatorio se respetan entre ellos y se tratan con la corrección que se espera de unos ciudadanos del siglo XXI. Esto no ocurre entre los músicos vulgares, sin estudios, donde las peleas y los malos rollos , cuando no las tácticas mafiosas para quitarse conciertos y oportunidades unos a otros, están a la orden del día. Cuando era niño, iba al conservatorio, que entonces estaba dominado por franquistas, seguidores del estilo que entonces se llamaba " neoclásico franquista" con representantes de ese estilo como Joaquin Rodrigo, Turina, Antón García Abril y otros. Eran músicos educados en pleno franquismo que hacían una música neoclásica. En mi conservatorio, la mayoría de profesores era de este tipo y para ellos lo neoclásico quería decir Bach, Mozart, Beethoven y Chopin, y eso era todo lo que se tocaba en ese conservatorio y nada más. Estaba totalmente prohibido intentar tocar alguna cosa de jazz o improvisar. Los profesores empezaban a gritar si escuchaban a alguien sentado en uno de los pianos del conservatorio, tocando algo que no fuera Bach, Mozart, Beethoven y Chopin. Eran puristas, y como todos los puristas creían que esos compositores eran los únicos buenos de la historia de la música y por ello se tenían que tocar sus partituras nota por nota exactamente como las habían escritos su autores, sin añadir ni quitar nada. Así que las clases consistían en tocar las partituras de esos autores nota por nota exactamente tal y como estaban escritas. Además se nos obligaba a pasar muchas horas al día haciendo ejercicios de escalas y arpegios al piano. De vez en cuando salía en clase el tema de la música " ligera", que es como estos profesores tan puristas llamaban a la música vulgar. Según ellos, esta música "ligera" no tenía ningún valor artístico y era música que se hacía solamente para ganar dinero. Dentro del paquete de "música ligera" metían tanto los boleros, como los tangos, las coplas, las rumbas, el jazz, el rock, el blues (músicas africanas de la selva según ellos y según los musicólogos de esa época como Julián Ribera) , así como la canción francesa, la italiana, la samba y toda la música de baile. Para esos profesores, la " música ligera" era una música totalmente despreciable y nunca se hablaba de ella en el conservatorio, excepto para denigrarla. Una vez, una de las profesoras empezó a hablar mal de Waldo de los Ríos, compositor argentino que había compuesto para Miguel Ríos y adaptado el himno de la alegría de Beethoven, así como otras piezas clásicas, alguna de Mozart y les había puesto un ritmo de batería, en un disco que se vendió mucho hacia 1972. Según esta profesora, Waldo de los Ríos estaba destrozando la música clásica y su disco era un atentado contra la buena música. La guitarra eléctrica no existía como instrumento para estos profesores y solo la consideraban un juguete para niños con el que se podían conseguir sonidos curiosos, como con el Thelemin. Es evidente que estos profesores me influyeron mucho en mis opiniones sobre música, sobre todo cuando sé seguro que la mayoría de los profesores de conservatorio actuales sigue pensando lo mismo sobre las diferencias entre la música culta y la música vulgar ( excepto aquellos que además son músicos de jazz y que son adictos a esa música , los cuales se pierden en apreciaciones exageradas de los hallazgos de Charlie Parker o John Coltrane, quienes en gran parte no fueron más que vulgarizadores de nuevos elementos musicales introducidos por los grandes compositores del siglo XX, como el atonalismo, el uso de escalas exóticas, etc ). Si yo tengo algo de purista es por esos profesores de conservatorio y si mi opinión sobre la música vulgar es negativa, es por esos profesores y lo que decían en clase. Si yo tengo claro que la música de verdad es la de los conservatorios y que la música de la calle, como el rock, el jazz, etc solo es un divertimento sin importancia, es por esos profesores. Si yo tengo la capacidad de discernir entre lo que es música de verdad, con valores artísticos, respecto de la música que se hace solo para ganar dinero, o para impresionar a un público necio, es gracias a esos profesores. Pero en nuestra época está mal visto ser un purista. Quedan pocos, y la mayoría de ellos son de la profesión musical. La mayoría del público hace años que dejó de ser purista y solo va a ver las óperas más conocidas y solo aguanta de esas óperas los fragmentos más famosos, y se duerme en el resto de la ópera y lo mismo hace en los conciertos sinfónicos. La mayoría del público no está formada por puristas entendidos en música sino por gente vulgar que solo espera de la música que le emocione o le dé un subidón cuando escucha sus partes más espectaculares, como la cabalgata de las walquirias, pero no aprecia nada más porque no entiende realmente nada de música. Los puristas son ya muy pocos, aunque afortunadamente siguen controlando los conservatorios y los departamentos de historia del arte, donde es muy difícil que un mal músico pueda colarles música basura con la pretensión de que es música que tiene un valor artístico. Por ello podemos decir que los jueces que deciden qué arte vale y qué arte no vale, son los profesores de conservatorio y los profesores de historia del arte, y desde luego no lo decide el público vulgar que no sabe de nada. En el conservatorio, se aprende a respetar todas las músicas y todos los estilos de cada siglo porque cada una de ellas tiene sus valores artísticos propios y sus hallazgos melódicos, armonicos y orquestales. Todo músico que haya estudiado música sabe que la historia de la música es muy larga y está llena de miles de obras y que cada obra se debe estudiar compás a compás y nota a nota como hacen los analistas musicales, y como hace el mismo Plácido Domingo que a su edad dice que sigue estudiando cada nueva ópera que aprende, como lo hace cualquier otro estudiante de música, estudiando la partitura página a página y compás a compás. Hay miles de partituras escritas desde hace siglos y se necesitarían varias vidas para estudiarlas todas y tocarlas. Solamente para estudiar a fondo las partituras que nos dejó J. S. Bach se necesitaría toda una vida y quizás dos. Por ello es estúpido, entre los músicos de carrera , el ser engreído o divo o mafioso, porque este tipo de músicos sabe muy bien que cada partitura es diferente y cada una tiene sus logros melódicos, armónicos , de orquestación y otros, y que debe estudiarse a fondo para entenderla y apreciarla. Nunca se acaba de aprender en música porque siempre te encuentras con nuevas partituras que no conocías y que tienes que estudiar a fondo para entenderlas y para apreciar sus hallazgos creativos. Por eso el músico de carrera no es un estúpido, como son tantos músicos vulgares, que se creen que ya lo saben todo de música porque les sale bien un rock and roll, el músico de carrera sabe que nunca podrá conocer todas las partituras existentes en una sola vida y que además ante cada una de ellas deberá prepararse para aprender algo que no sabía antes, algún hallazgo o creación melódico, armónico o formal que no conocía. Por eso el músico de carrera es modesto de una manera natural , porque sabe de música, mientras que el músico vulgar es un ignorante ridículo. La vida del auténtico músico no consiste en acumular conciertos llenos de publico fanático y discos exitosos vendidos a millones, sino que la vida del músico auténtico es la de un investigador de la ciencia musical en las obras de los compositores del pasado y en algunos de los actuales. Y esta investigación no se acaba nunca porque siempre hay obras que estudiar, siempre hay algo nuevo que aprender en música. Quien por saber tocar unas cuantas partituras se cree que ya lo sabe todo de música, es un pobre tonto. Pero en nuestra época la profesión musical se ha convertido en un gran negocio para intrusos oportunistas que en otras épocas se habrían dedicado al bandolerismo, a la piratería o a la trata de blancas, actividades que en otros siglos daban mucho dinero . Ellos controlan ahora el mundo musical y son ellos los que impiden que llegue una verdadera democracia musical en España donde toda la población tenga estudios musicales, toda la población haga música y toda la población pueda presentar sus obras musicales con igualdad de oportunidades para todos. Los que controlan el negocio musical actualmente siguen funcionando como en el franquismo, tienen el monopolio de lo que se hace en música en España, controlan los medios de comunicación, embrutecen a las masas con su música basura, controlan los conciertos y los festivales de música que se hacen en España así como las revistas de música e imponen unos concursos de música en televisión propios del capitalismo salvaje más crudo , utilizando a adolescentes que quieren ser famosos y millonarios fácilmente, como utilizaron a Marisol y a Joselito durante el franquismo. Por todo ello decimos que la música en España está ahora en una situación mucho peor que durante el franquismo. Hablemos ahora de las diferencias entre un músico profesional respecto a un músico aficionado. El músico profesional tiene estudios musicales, trabaja con partituras, es capaz de aprender una partitura nueva rápidamente y de tocarla bien, aunque no le guste, pero lo hace por profesionalidad, y toca bien cada día aunque no tenga ganas de tocar y está formado en el conservatorio o en la escuela de jazz para tocar con los otros músicos con un respeto mutuo. El músico aficionado no tiene estudios musicales, no sabe leer partituras, toca solamente lo que le gusta y solo toca los días que tiene ganas, se pelea constantemente con los otros músicos de su grupo y de otros grupos por cualquier detalle de una nota, un acorde o un solo que no le guste, se cansa pronto de tocar y se marcha, no tiene disciplina para tocar mucho rato con otros músicos, desarrolla pronto un ego propio de gente vulgar por el cual quiere que el único importante del grupo sea él o que sus solos sean lo único bueno del grupo o se cree que el éxito del grupo es debido solo a él, se vuelve un egoísta terrible que solo quiere brillar él y que el público sólo se fije en él, degenera en un tirano que impone al resto del grupo lo que a él le gusta tocar, lo que a él le sale bien o le interesa tocar o sus propias composiciones, boicoteando las aportaciones de los otros miembros del grupo, rompe con su tiranía la constitución democrática de un grupo donde todos sus miembros aportan sus conocimientos, sus solos y sus gustos al grupo, ensucia el aire con su polución acústica o música basura, quita el trabajo ilegalmente a los músicos profesionales, es un pobre ignorante al que enseguida se le suben los humos a la cabeza en cuanto aprende a tocar tres acordes, exige enseguida cobrar por tocar aun cuando lo que toque sean cuatro cosas mal aprendidas, mal copiadas y peor tocadas, degrada la profesión musical a una manera de funcionar prehistórica con todos los músicos aficionados peleados para conseguir conciertos y éxito , rebaja a la música a ser un montón de trucos baratos musicales para conseguir el éxito fácil. Y además el músico aficionado toca mal, se equivoca constantemente , cuando un músico profesional no puede tocar ni una sola nota equivocada. En definitiva, el mundillo de los músicos aficionados es un infierno. Es como si los médicos dejaran que unos aficionados sin estudios de medicina , ejercieran de médicos y además cobrando. Eso no puede ser y los colegios profesionales de médicos persiguen constantemente a los falsos médicos sin titulación que practican ilegalmente la medicina. Y lo peor de todo es que estos médicos que enseguida hacen callar a un paciente cuando se atreve a opinar sobre medicina, diciéndole que no tiene la titulación de medicina para opinar sobre medicina, estos mismo médicos luego consumen la músicabasura que les ofrece la TV aunque esté hecha por músicos sin estudios. Lo mismo ocurre con los arquitectos, solo aquellos que son titulados pueden firmar planos de edificios y conseguir licencias de obras pero luego ves que esos mismos arquitectos consumen música -basura hecha por músicos sin estudios. Y todos estos profesionales, en cuanto leen lo que escribimos nosotros sobre la música culta contra la música vulgar, se ponen a buscar en internet y en you tube las canciones que hacemos nosotros para ver si están hechas por un genio de la música o por alguien que toque muy rápido, ya que eso esperan de alguien que critica tanto la música vulgar, y se encuentran que nuestras canciones en internet y en you tube son bastante flojitas y del montón y dicen entonces: " ¿ Cómo se atreve a escribir todo esto un músico que es del montón ? ". Así son los que no entienden de música. En la música no existe la persecución al intruso profesional que no tiene estudios musicales y se deja que gente sin estudios musicales haga música mala y encima cobre por ello, no existe un colegio de músicos profesionales que persiga a los músicos aficionados sin titulación. Un músico aficionado solo debería poder tocar en su casa o en las fiestas de sus amigos y gratis. Solamente los músicos profesionales deberían poder tocar en los lugares públicos y cobrando. Y si un músico aficionado quiere profesionalizarse, que estudie música como hemos hecho los demás. Por otra parte, debemos aconsejar a todos aquellos adolescentes que hayan caído en la "melomanía", es decir en esa enfermedad en la que se dice que uno quiere dedicarse a la música toda la vida y no quiere hacer nada más en la vida aunque viva siempre en la miseria, a todos los adolescentes que hayan caído en esta "melomanía" hay que decirles que tienen un concepto equivocado de lo que son las profesiones artísticas. Hay muy poca gente que gane dinero trabajando en las profesiones artísticas y la mayoría de los profesionales se gana la vida trabajando en otros oficios o profesiones y luego dedica su tiempo libre a su vocación artística, pintando, haciendo música, cine , escultura o macramé. Hay miles de licenciados en bellas artes en España y la mayoría de ellos no gana casi nada con sus pinturas o sus obras y debe dedicarse a trabajar como profesor de arte o en cualquier otro trabajo para ganarse la vida, y luego en su tiempo libre sigue trabajando en su obra artística. Hay miles de licenciados en bellas artes que tienen en sus casas cientos de pinturas o esculturas que nadie compra. Lo mismo ocurre con los profesionales de la música, la mayoría tiene que trabajar como profesor de música en un colegio o escuela de música y en su tiempo libre sigue tocando y componiendo , aunque gane muy poco dinero con eso. La concepción correcta acerca de las posibilidades de trabajo en las profesiones artísticas es que muy pocos privilegiados ganan dinero con estas profesiones mientras que la gran mayoría de profesionales del arte tienen que trabajar como profesores o en cualquier otro trabajo que puedan encontrar. Por eso aconsejamos a los adolescentes que hayan caído ya en la "melomanía", que estudien algún otro oficio y profesión para ganarse la vida y que sigan trabajando en su arte en su tiempo libre, como hace la mayoría de los profesionales del arte. Es un error cercano a la locura creer que uno es diferente y que uno va a "triunfar" en la música y va a tener mucho dinero y no va a tener que trabajar en nada más , porque esta situación tan idílica es propia de solo unos pocos elegidos. Todo adolescente debería aprender otro oficio para ganarse la vida mientras sigue dedicándose a su vocación musical en su tiempo libre: esa es la correcta concepción de la realidad profesional en España. Conocemos un tipo que a sus 12 años ya decía que quería ser cantautor y que quería dedicarse solamente a esto toda su vida aunque siempre viviera en la miseria. Desde hace 40 años toca en bares y pubs donde le pagan poco, ahora tiene 60 años y sigue haciendo canciones y tocando, pero en todos estos años que han pasado se ha visto obligado a trabajar en todo tipo de oficios para sobrevivir: ha sido vendedor de Fichet, vendedor de instrumentos musicales, jornalero agrícola, ha hecho camas en hoteles, camarero en restaurantes, ayudante de un mecánico, ayudante en una imprenta, contador del gas, electricista, albañil, se ha apuntado a todos los cursos para mayores de 50 años, y mientras tanto en su tiempo libre seguía componiendo y tocando. Esa es la realidad para miles de músicos en España y no otra. CONTRA LA GUITARRA ELÉCTRICA Todos los músicos con formación clásica saben que tocar la guitarra quiere decir tocar la guitarra clásica que se toca con todos los dedos de las manos y usando todas las posibilidades del instrumento para tocar melodías y armonías a la vez. Todos ellos saben que tocar la guitarra electrica no es tocar realmente la guitarra sino que la eléctrica solo es un invento para aquellos que no pueden tocar la guitarra clásica, para que puedan hacerlo de una manera facilitada gracias a no tener que usar todos los dedos de las manos al solamente usar dos dedos de la mano derecha para sostener una púa o plectro mientras se usan los otros dedos de la mano izquierda para tocar punteados sobre solo una cuerda a la vez o bien se tocan acordes, pero nunca al mismo tiempo punteado y acordes. La guitarra eléctrica es , pues, un instrumento para aquellos que no pueden tocar la guitarra clásica y facilita enormente la ejecución musical porque el guitarrista eléctrico solo tiene que tocar o bien un punteado sobre una cuerda o bien acordes, y no las dos cosas a la vez como se hace en la guitarra clásica. Además, el guitarrista eléctrico se beneficia de una gran cantidad de efectos electrónicos que se pueden usar junto a su amplificador y que facilitan todavía más la ejecución a la guitarra electrica, especialmente los distorsionadores. Por todo ello, los guitarristas clásicos consideran a la guitarra electrica como un instrumento para niños, un juguete que produce sonidos curiosos gracias a la amplificación y a la modificación de esos sonidos por la electrónica y que no tiene más interés musical ni valor artístico. Para los guitarristas clásicos, la guitarra electrica es solamente un instrumento que se usa en la música popular para divertirse y no tiene más valor. Es cierto que desde que apareció la guitarra electrica en los años 30 han aparecido especialistas en tocarla que han conseguido tocar con ella pasajes muy difíciles o espectaculares con gran movimiento de dedos y de manos sobre el mástil y todo tipo de acrobacias circenses por los trastes, incluso tocando con las dos manos sobre el mástil en la técnica llamada " double tapping" , pero para un guitarrista clásico, todos esos especialistas que han aparecido tocando la guitarra eléctrica de cien maneras distintas, no tienen ningún valor y solamente pueden tolerarse como espectáculos de circo, sin relación con la música de verdad. Así, la guitarra electrica es relegada por la música clásica de los conservatorios ( excepto en aquellos conservatorios que actualmente están controlados por amantes del jazz, como ocurre en muchos conservatorios españoles actuales ) a un puesto de mero instrumento para niños, para divertirse, como un Thelemin que produce sonidos divertidos y nada más. Los guitarristas clásicos saben que la forma más pura y avanzada de tocar la guitarra es la manera clásica, donde se usan técnicas y digitaciones estudiadas e inventadas en los últimos siglos por los grandes teóricos de la guitarra clásica como Sor, Tárrega, Aguado, Llobet para que la guitarra clásica pueda tocar melodías y armonías a la vez, sin forzar los dedos y las manos como hacen los guitarras eléctricos especializados en tocar pasajes espectaculares para un público ignorante, sino que la guitarra clásica siempre busca las digitaciones y las técnicas más estudiadas pra tocar cada partitura para guitarra, sin forzar las manos. Esto no ocurre entre los guitarristas eléctricos que muchas veces se fuerzan los dedos y las manos para conseguir tocar pasajes muy espectaculares, con el resultado de que con los años acaban sufriendo de artritis en los dedos, como le pasó a Les Paul, el inventor no solo de la guitarra eléctrica sino también del concepto de guitarrista eléctrico espectacular , tan imitado por los guitarristas siguientes como Page o Blackmore y hasta los actuales Steve Vai y Satrianis. Para Les Paul, tocar la guitarra electrica quería decir encontrar fraseos y motivos musicales excitantes tocados con gran movimiento muy rápido de los dedos sobre el mástil, con ocasionales y sensuales estiramientos de las cuerdas ( ver la partitura de Les Paul llena de acrobacias digitales, al final de este escrito) . Los guitarristas electricos siguientes van a explorar las inmensas posibilidades de sonidos distintos que ofrece la guitarra electrica, gracias a que el más mínimo sonido producido en la guitarra ( y que en la guitarra clásica no se escucha) es amplificado por el amplificador y transformado por los efectos electrónicos, de manera que en la guitarra electrica se escuchan cientos de sonidos y matices y variantes de sonidos que en la guitarra clásica ya existían pero que se perdían al sonar muy apagados. La guitarra electrica ofrecía, a principios de los años 50, cuando los amplificadores primeros de válvulas de 10 watios se fueron especializando cada vez más y aumentaron de potencia en watios, una cantidad enorme de posibilidades para explorar y para explotar en los guitarristas siguientes, y eso es lo que hicieron los guitarristas de Elvis Presley que ya tocaban aprovechando una ligera distorsión natural que producían esos amplificadores de válvulas, y los guitarristas de jazz como Joe Pass que explotaban las posibilidades de una guitarra eléctrica de jazz con sonido mate pero muy sensual . Los guitarristas de los años 60 y 70, especialmente Hendrix, todavía van a explorar más todas esas posibilidades de sonido y luego va a aparecer una tercera generación de guitarristas eléctricos como Bonamassa o Steve Morse o Eric Gales y los de la Lick Library que se van a dedicar a estudiar académicamente los estilos de los primeros guitarristas eléctricos de las décadas anteriores y van a formalizar en métodos y tratados todos los hallazgos de esos guitarristas, haciendo de esta manera que ellos y muchos otros guitarristas electricos de formación académica sean capaces de tocar en cualquier estilo, desde jazz hasta country pasando por blues, rock y todos sus subestilos. La tendencia dessde los años 70 es que los guitarristas eléctricos cada vez toquen más rápido al estilo Steve Vai, cada vez toquen con más distorsión y efectos sonoros al estilo del "heavy metal " y sus solos sean cada vez más pirotécnicos a la vez que vacíos en substancia musical , aunque con un gran sonido gracias a que las guitarras electricas cada vez están mejor construidas y los amplificadores poseen cada vez mayor calidad de sonido. El público se acostumbra mal a esperar que cada solo de guitarra sea de este estilo "heavy metal" superrápido y espectacular y no acepta ninguna otra manera de tocar la guitarra, al tiempo que no se da cuenta, en su ignorancia, que ese estilo de tocar la guitarra electrica que se nos ha impuesto desde los años 80 es , en realidad, una degeneración del tocar realmente la guitarra, y es solo aprovechar mástiles muy rectos con pick ups muy sensibles y cuerdas muy delgadas y amplificadores llenos de efectos de sonido y no tiene más mérito ni valor musical. Para los guitarristas clásicos, el estado actual de degeneración de tocar la guitarra electrica al que se ha llegado, donde todos los solos parece que tienen que sonar a "heavy metal" con muchos efectos de sonido y tocados a mil por hora, para un guitarrista clásico esta degeneración a la que ha llegado la guitarra eléctrica después de 70 años de historia y de experimentación con ella, es un resultado lógico de la misma existencia de este intrumento que para un guitarrista clásico es un instrumento que no es otra cosa que una corrupción de la guitarra clasica verdadera, un instrumento falso que engaña a la gente porque no se toca con todos los dedos sino con una púa y sobre una cuerda solamente a la vez, que es como tocar el piano con un solo dedo, y por esos comienzos falsos de la guitarra eléctrica, que se presentaba como un instrumento nuevo cuando no lo era , siendo solamente una degeneración de la guitarra clásica y que se le ha ido de las manos a los músicos, por eso la guitarra electrica ha degenerado tanto , por estar en manos de especialistas circenses que , inevitablemente, para seguir impresionando a un público ignorante, han necesitado tocar cada vez solos más rápidos o espectaculares y ,por ello , han debido especializarse cada vez más en una técnica bastarda que solamente atendía a deformar los dedos y las manos para conseguir tocar pasajes que siguieran impresionando al público, y al especializarse en solamente esta técnica antinatural y primaria, los guitarristas eléctricos inevitablemente han llegado a un punto de degeneración de su manera de tocar, como podemos ver en los guitarristas actuales como Steve Vai. De nada sirve recordarles a Steve Vai y a sus miles de imitadores en todo el mundo que lo que ellos hacen no es música y que ni es tocar la guitarra, porque no atienden a nadie, instalados en su trip de genios de la música y de la guitarra eléctrica como como creen que son, cuando solo son realmente unos especialistas muy especializados en tocar una guitarra eléctrica que ya de por sí es un instrumento falso, por tocarse con una púa sobre una sola cuerda. HAY TAMBIÉN ESPECIALISTAS EN TOCAR UNA SIERRA CON UN ARCO DE VIOLÍN Y SU ARTE NO PASA DE SER UNA CURIOSIDAD y un espectáculo para el circo. lo mismo significa tocar la guitarra electrica. Así piensan los guitarristas clásicos sobre la guitarra eléctrica. Para la mayoría del público, lo que digan los guitarristas clásicos se la suda, porque la mayoría del público está seducida por los sonidos tan atractivos que produce una guitarra eléctrica , especialmente si el ejecutante está tocando un gran solo excitante y con mucha marcha y muy rápido, y el público actual solo atiende a satisfacer su necesidad de placer sonoro y no quiere saber nada de la verdad sobre la guitarra eléctrica ni sobre el arte musical. No sirve de nada recordar a los engreídos guitarristas eléctricos que casi todo lo que tocan en su guitarra eléctrica no lo pueden tocar en una guitarra clásica, ni recordarles que la gran cantidad de efectos sonoros electrónicos que usan, hacen que tocar la guitarra eléctrica sea bastante fácil , especialmente con los distorsionadores, ni recordarles que la guitarra es el instrumento donde es más fácil tocar e improvisar escalas pentatónicas porque coinciden muchas veces con los trastes y su colocación en el mástil, y se puede tocar la guitarra electrica sin saber música gracias a esta particularidad de la guitarra, ni recordarles que la guitarra eléctrica es uno de los instrumentos donde se pueden tocar pasajes más rápidamente y con facilidad gracias también a cómo es el mástil de la guitarra y la disposición de los trastes. No sirve de nada recordarles todo eso a los guitarristas eléctricos porque no atienden a nadie, solo atienden a conseguir tocar grandes solos y obtener el éxito que necesitan para vivir. Las enormes posiblidades de sonido de la guitarra eléctrica no han supuesto una contribución al arte musical sino que solo se han aprovechado para que aparecieran cientos de figuras de la guitarra eléctrica , cada uno de ellos explotando alguno de estos sonidos que se podían sacar a la guitarra electrica, por usar un modelo determinado como una Gibson, o un amplificador en concreto, o unos pedales de efectos en concreto,o una manera de usar la púa o de usar los dedos de la mano izquierda. Han aparecido cientos de figuras de la guitarra eléctrica desde hace 70 años y cada uno de ellos explota alguna posibilidad de sonido y de ejecución que ofrece la guitarra eléctrica, pero ello no ha supuesto un enriquecimiento en el arte musical, porque todos estos guitarristas eléctricos solo han usado las posibilidades inmensas de sonido de la guitarra eléctrica para producir placer sin más, sin otro contenido musical o intelectual. Asi se demuestra que no es suficiente con que un instrumento musical tenga grandes posibilidades de ser tocado de muchas maneras distintas y con muchos sonidos disponibles en la paleta musical, para que con ese instrumento se haga música de valor, porque un instrumento así como es la guitarra eléctrica ha sido mal usado , sin vistas al arte musical y solo como medio para encantar a las serpientes logrando sonidos muy comerciales, excitantes, sensuales, irresistibles, y que dieran mucho dinero al intérprete. La guitarra electrica, hasta el día de hoy, no ha contribuido nada al arte musical, si exceptuamos algunas cosas de Hendrix y de algún guitarra de jazz como Joe Pass que es posible que sean incorporadas a las técnicas de la guitarra clásica. La guitarra eléctrica se ha usado solamente como medio para ganar dinero, produciendo música muy comercial , unos productos musicales donde la guitarra eléctrica, con su sonido irresistible y brillante, es la protagonista. Es un hecho que en la mayoría de grupos musicales, la guitarra es el instrumento más brillante y el guitarrista es el músico del grupo más endiosado y del que el público espera solos más brillantes y espectaculares. La guitarra eléctrica, gracias a los avances en amplificación y en efectos de sonido desde los años 50, suena cada vez mejor , hasta el punto de que suena demasiado bien y deja al resto de los músicos del grupo como meros comparsas acompañantes o como convidados de piedra, mientras el guitarrista eléctrico se dispara muchas veces en solos interminables de media hora donde no hace otra cosa que repetir sus clichés musicales arriba y abajo del mástil, aprovechando como ya hemos mencionado que es en la guitarra donde es más fácil tocar pentatónicas debido a cómo estan distribuidos los trastes en el mástil y además es en la guitarra donde se puede tocar mas rápido, por el mismo motivo ( ver el solo en pentatónicas de Tonny Iommi al final de este escrito). Todo esto hace que el guitarrista sea muchas veces el miembro del grupo más engreído porque se cree que es el único que puede tocar tan rápido, y también el más odiado por el resto de músicos del grupo cuyos instrumentos nunca suenan tan bien como la guitarra eléctrica actual. Por ello los ambientes en los grupos msuicales muchas veces son malos debido al guitarrista y a su ego. Esta es otra razón por la que estamos en contra de la guitarra electrica, despues de sus 70 años de historia creemos que ya ha llegado el momento de acabar con su supremacía en la música popular, ya tenemos bastante de esos solos interminables de guitarra, de escuchar esos solos "heavy metal" en todo tipo de canciones, incluso en canciones comerciales románticas, estamos hartos de los guitarristas eléctricos y sus egos, estamos hartos después de 70 años de escuchar guitarras eléctricas. Es hora de que se acabe ya el dominio de las guitarras eléctricas en la música popular. Hace 50 años habríamos dicho todo lo contrario, porque había mucho que explorar en los sonidos de las guitarras eléctricas y en sus técnicas para estirar cuerdas y desarrollar estilos de ejecución casi siempre derivados de la guitarra blues, hace 50 años estábamos a favor de la guitarra eléctrica porque ofrecía un campo muy grande de experimentación musical de sus grandes posibilidades, ahora tenemos que decir que estamos hartos de los guitarristas electricos, especialmente de los del tipo Steve Vai que tocan a mil por hora sin dejar nada de música en medio ( ver al final de este escrito las partituras de Steve Vai llenas de escalas tocadas a mil por hora ) . La guitarra eléctrica se ha revelado como un instrumento muy por encima de las posibilidades humanas de tocarla, precisamente por tener tanta capacidad de amplificar el más mínimo sonido producido por unas cuerdas metálicas y transformalo electrónicamente. Hay tantas posibilidades que es imposible que ningún guitarrista logre controlarlas todas, ni tan solo Jeff Beck que se había especializado en manejar los torrentes de sonido producidos por todo tipo de efectos de sonido, ni él puede. Los guitarristas eléctricos se vuelven muchas veces maniáticos e imposibles de tratar precisamante porque tiene que trabajar con un instrumento que es muy traicionero y que nunca sabes muy bien por dónde te va a salir en sus sonidos, nunca sabes qué te va a obligar a tocar o qué te va a salir al tocar. Te adaptas constantemente a cómo suena tu guitarra eléctrica ese día e incluso a cómo estén las cuerdas de nuevas y sensibles o no. Como especialistas en esa manera de tocar tan especial que requiere la guitarra eléctrica, la mayoría de los guitarristas eléctricos desarrolla, a lo largo de los años, unas manos adaptadas para tocar al estilo que quieren tocar o al estilo que a cada guitarrista le sale o encuentra. y esa manera especial que tiene cada guitarrista de tocar y de extraer un sonido suyo a la guitarra eléctrica es dificil de definir, pero cada guitarrista eléctrico sabe que eso pasa, que sus manos con el tiempo logran sacar un sonido propio a su guitarra eléctrica , porque lo nota. Para que de un día para otro el guitarrista eléctrico no se encuentre que no le sale nada al tocar, que se equivoca constantemente, que no pisa bien las cuerdas, para evitar todo esto el guitarrista electrico tiene que practicar cada día varias horas, porque solamente de esta manera puede conseguir dominar hasta cierto punto a la indominable guitarra eléctrica. POR ESO TANTOS GUITARRISTAS ELÉCTRICOS SE VUELVEN MANIÁTICOS E IRRASCIBLES. La guitarra eléctrica, insistimos en ello, es un instrumento que está por encima de las capacidades humanas para tocarlo, y además, por si faltara poco, tiene una calidad de sonido tan grande y atractiva que hace que el público solo quiera escuchar guitarras electricas y no quiera escuchar nada más , y se queda hipnotizado ante su sonido y eso es malo para el arte musical. que nunca debe anular la capacidad para pensar del público, como hacen los guitarristas de rock sobre su público, y por eso estamos en contra de la guitarra eléctrica. Además, las cuerdas metálicas son duras, incluso las más delgadas, y cuesta estirarlas, se clavan en las yemas de los dedos, el guitarrista electrico se convierte en un ser doliente porque todo el día le duele algo de su cuerpo, especialmente las manos y los dedos, pero también todo el cuerpo por el esfuerzo de tener que estirar unas cuerdas metálicas , un esfuerzo para el que no ha sido diseñado ni el brazo ni el músculo humano. En un estilo como el blues, el mismo dolor que sufre el guitarrista al tocar y estirar esas cuerdas contribuye no poco al sentimiento de dolor que acompaña a ese estilo musical del blues. Digamos de pasada que si hay algún estilo que podríamos respetar de los muchos estilos que se tocan con la guitarra eléctrica, ese estilo sería el blues auténtico de los años 30 , porque ya existía antes de la aparición de la guitarra eléctrica y los guitarristas de blues ya estiraban las cuerdas mucho antes de que aparecieran los guitarristas eléctricos, y lo mismo puede decirse del jazz anterior a los años 50, como el de Django Reinhardt que tocaba con guitarras acústicas y con las mismas técnicas que luego siguieron usando los guitarristas eléctricos de jazz. En esos dos casos, en el blues auténtico y el jazz anterior a los años 50, se puede observar que las técnicas circenses acrobáticas ya existían antes de la aparición de la guitarra eléctrica y tenían su justificación dentro de esos dos estilos, blues y jazz , que son estilos antieuropeos y antiacadémicos puesto que proceden de otra tradición musical muy distinta de la europea, proceden de la tradición musical africana americana. Pero como ya hemos dicho antes, en la guitarra clasica se busca todo lo contrario que en la guitarra auténtica de blues y de jazz anterior a los años 50 , es decir se busca forzar al mínimo los dedos y las manos y encontrar las mejores técnicas para una ejecución civilizada y no primaria como ocurre en esos dos estilos, blues y jazz, de origen africano americano y que necesitan para ser tocados a intérpretes de gran capacidad atlética , muscular y con un poderío físico para tocar con esas técnicas primitivas como son el estirar las cuerdas. En la tradición europea antiafricana, se busca todo lo contrario, con una teoría y unas técnicas mucho más refinadas. Estirar las cuerdas produce sonidos muy sensuales y en otras culturas encontramos instrumentos, como la guitarra hawaiana, donde el uso de glissandos sobre las cuerdas forma parte intrínseca del estilo musical de esos pueblos polinesios y expresa su vida alegre ,placentera y despreocupada por siglos , cuando no floja y viciosa. En Estados Unidos existió en los años 50, y seguramente desde mucho antes, una cruzada por parte de la ultraderecha cristiana contra las guitarras eléctricas y es especial contra el estiramiento de las cuerdas y los glissandos, que eran juzgados por los curas de las muchas iglesias ultraconservadoras que hay en USA, como sonidos diabólicos , propios del demonio y corruptores de la juventud. Algo parecido había dicho Platón 2500 años antes cuando quería prohibir a las syringas y a sus intérpretes porque corrompían a la gente y la llevaban a un éxtasis dionisíaco gracias a ejecutar pasajes muy rápidos y difíciles en sus syringas por deformar y retorcer sus dedos. Como vemos, la tendencia a censurar y prohibir músicas e instrumentos musicales existe desde hace muchos siglos y siempre viene por parte de legisladores ultraconservadores. En el mundo de la guitarra clásica, los estiramientos de cuerdas y los glissandos están prohibidos por considerarlos antimusicales, al menos desde la perspectiva del arte europeo, excepto en algunas obras de música del siglo XX. La guitarra eléctrica, en cambio, se basa en gran parte en estiramientos y glissandos constantes de cuerdas, demostrando así su vocación de instrumento productor de placer primario y poca cosa más. Hay que hablar ahora del aspecto atlético , físicamente poderoso de muchas de las figuras de la guitarra eléctrica. Efectivamente, la guitarra eléctrica, en tanto que es un instrumento para ofrecer espectáculos circenses que se hacen con los dedos, exije una gran capacidad física , dotes atléticas y muchas condiciones musculares para poder tocar la guitarra eléctrica a mil por hora como pide el público ignorante actual. Es una consecuencia necesaria de tocar con técnicas primitivas, bestiales, brutales, con gran movimientos de manos y dedos sobre el mástil, con deformación de dedos y manos, con cuerdas metálicas que se deben estirar, todo ello desgasta mucho al intérprete que solo puede aguantar ese tren de vida si está en gran forma física y es fuerte... o si toma dopantes. Además, el intérprete de guitarra eléctrica sufre problemas mentales al tener que ofrecer a su público estúpido, solos cada vez más espectaculares, rápidos y nuevos y se ve obligado a buscar en todo tipo de otras músicas, desde la clasica hasta la étnica, nuevos trucos musicales en forma de motivos musicales, escalas, lo que sea, para seguir teniendo material musical con el que impresionar a su publico. Por todo ello, el guitarrista eléctrico sufre un degaste mental considerable también. En cambio, esto no sucede en la guitarra clásica donde las digitaciones y las técnicas se han desarrollado para que fuera posible tocar la guitarra clásica de la manera más estudiada y civilizada possible ( ver al final de este escrito la partitura de guitarra clásica ) . Hay que decir que cuando aparece la guitarra clásica hace unos 400 años, como el nuevo instrumento que corresponde al Imperio Español, un instrumento que esté a la altura del imperio y que lo represente, la guitarra española o clásica es también un instrumento nuevo con muchas nuevas posibilidades y que se presenta ante los músicos como imposible de dominar, porque tiene seis cuerdas y un mástil más ancho y una caja de resonancia más grande y voluminosa que en los instrumentos tañidos anteriores. Hasta entonces, existían la vihuela y el laúd, ambos de cuatro cuerdas y fáciles de coger con los brazos, y se tocaban alternativamente con punteado sobre una cuerda o con acordes de acompañamiento. La guitarra española revoluciona todo esto porque ahora se va a poder tocar melodía y armonía a la vez, con sus seis cuerdas, pero para los músicos de la época se les antoja un instrumento muy por encima de las posiblidades humanas para tocarlo, Afortunadamente en los siglos siguientes se van desarrollando técnicas para tocar este nuevo instrumento, hasta la situación actual de la guitarra clásica , sus técnicas y su repertorio establecido. De la misma manera, la guitarra eléctrica aparece en los USA como el nuevo instrumento oficial de ese imperio, el que mejor lo representa, con toda la brillante vulgaridad que es característica de la cultura norteamericana. La guitarra eléctrica, especialmente la Fender Telecaster con su sonido "twang", se va a utilizar en todas las canciones country, donde los guitarristas tocan una y otra vez los mismos solos sin cansarse de ellos ni cansarse su público de escuchar siempre los mismos solos de guitarra Telecaster, y los otros modelos de guitarras eléctricas van a ser usados para poner en música al Imperio USA y a su instrumento nacional, la guitarra eléctrica. No es casualidad que el más grande intérprete de guitarra eléctrica, Jimi Hendrix, fuera norteamericano, medio negro y medio indio y que representara mejor que nadie la manera de tocar la guitarra eléctrica al estilo norteamericano, siendo Hendrix el "all american guitar player " en USA. Ningún otro instrumento musical podría encajar tan bien con los Estados Unidos y su estilo de vida, sino la guitarra eléctrica vulgar , simplificada en su ejecución ( comparada con la guitarra clásica ) , fácil de tocar si solo tocas pentatónicas y de sonido "imperial" gracias a los potentes amplificadores. . Pero en España, donde sigue existiendo una escuela de guitarristas clásicos purista , desde Andrés Segovia, Sainz de la Maza, Yepes y muchos más, es seguramente en España , desde los conservatorios donde se sigue enseñando la guitarra clásica pura, es aquí donde debemos ser más críticos con la guitarra eléctrica y toda la vulgaridad que ha traído y denunciar una y otra vez que tocar la guitarra eléctrica no es tocar la guitarra, que la guitarra clásica es la única que puede llamarse realmente una guitarra y que la guitarra eléctrica solo es un instrumento facilitado para especialistas circenses que quieren ganar dinero ofreciendo shows de circo. Nuestro mensaje sin duda va a caer en saco roto, excepto para todos aquellos guitarristas clásicos que piensan igual que nosotros, pues para la inmensa mayoría de millones, y no exagero, digo millones de malos músicos que tocan la guitarra eléctrica en todo el mundo, están tan enganchados a ella y a sus sonidos que les da igual lo que puedan decir unos puristas anticuados, que es como nos ven a nosotros. Nunca aceptarán que lo que tocan ellos no tiene ningún valor artístico , como no sea el de un entretenimiento infantil, porque tocan un tipo de guitarra para niños, con una púa sobre una sola cuerda y con una gran cantidad de efectos electrónicos. Además muchos de ellos se creen que son genios de la música y no se dan cuenta de que tocar la guitarra electrica quiere decir tocar uno de los instrumentos musicales más fáciles de tocar por las características de su mástil. Pero no hay nada que hacer, están enganchados a ese instrumento diabólico y a sentirse genios y dioses cuando lo tocan, porque porduce gracias a la amplificación y a los fectos electrónicos, unos resultados musicales muy impresionantes. El aprendizaje de la guitarra clásica se hace civilizadamente, con estudio de las técnicas y de una manera científica y el alumno va progresando en su ejecución de una manera natural y no traumática. En cambio, la guitarra electrica se aprende a tocar a base de repetir cientos de veces unos acordes y unos riffs, con violencia , hasta que con los años las manos y los dedos se deforman para tocarlos. El guitarrista eléctrico acaba encontrando con los años un " sonido " propio que no sabe realmente cómo lo ha conseguido, pero nota que ha sido a base de deformarse las manos y los dedos para tocar la guitarra electrica y hacer esos movimientos tan sutiles y casi imperceptibles por los cuales cada guitarrista electrico " saca" de la guitarra electrica su sonido propio característico y su " vibrato " propio , en un proceso muy difícil de definir y de estudiar pero que todo guitarrista eléctrico sabe que sucede, aunque no pueda explicar cómo sucede ( ver nuestro escrito "La guitarra", sobre cómo el cuerpo del guitarrista pasa a formar parte de la " caja de resonancia" de la guitarra electrica, con los años, en otro proceso también poco estudiado y de difícil delimitación ). Todos estos procesos inflyen en que la personalidad de los guitarristas electricos sea tan especial, con abundancia de divos y de tipos excéntricos entre ellos. No ocurre esto entre los guitarristas clásicos, primero porque su proceso de aprendizaje ha sido mucho menos traumático y mucho más sano, así como es la misma ejecución a la guitarra clásica, mucho más sana para la salud mental y física del guitarrista que la ejecución a la guitarra eléctrica. Por eso a tantos guitarristas eléctricos " se les va la olla" tan fácilmente y tienen personalidades " extrañas" y comportamientos poco normales. Además, a los guitarristas eléctricos les gusta dar la nota siempre que tocan en grupos, por lo que son bastante odiados por los otros miembros de los grupos, que siempre tienen que aguantar los caprichos y el divismo del guitarrista del grupo, hasta elpunto de que algunos músicos no quieren tocar con guitarristas, por ejemplo Tete Montoliu que no los soportaba porque decía que le molestaban al tocar. Y es que los guitarristas de jazz incurren muchas veces en el truco barato de llenar las partituras de jazz de modulaciones innecesarias a otras tonalidades, que les permiten brillar al tocar escalas rápidas en estas modulaciones conlas que que llenan sus solos ,por ejemplo los de Herb Ellis y también los de Joe Pass y ,en general, todos los guitarristas de jazz abusan de este truco barato ( ver la partitura de Joe Pass, al final de este escrito ) . Es muy difícil encontrar un guitarrista eléctrico que se sepa controlar y no se pase al tocar o no llene de fill-ins o de improvisaciones las canciones del grupo . En general, la mayoría de guitarristas eléctricos no pueden evitar el tocar por todos sitios algún riff o algún gimmick y les cuesta enormemente tener los dedos quietos. En la Historia del Arte es frecuente de que aparezca, con alguna nueva técnica, un nuevo estilo o un nuevo arte, una primera época de pioneros que prueban esas novedades un poco a la aventura sin saber qué hacen realmente. Luego aparece una segunda época de artistas que trabajan ya en ese nuevo arte o en esa nueva técnica con mucha más destreza y conocimiento de ella y exploran las muchas nuevas posiblidades que ofrece aunque todavìa se mueven más con el instinto que con la ciencia . Y finalmente aparece una tercera época o tercera generación de artistas que se dedica a estudiar académicamente el nuevo estilo o la nueva técnica y formalizarla en tratados y estudios y que ya es capaz de usar esa novedad artística en las muchas variantes en las que ha aparecido , sabiendo lo que hace, pero al mismo tiempo esa nueva técnica o arte se estanca con ellos en el academicismo y ya no progresa más aunque se mantiene en los logros alcanzados por los artistas instintivos del primer y el segundo período. Es lo mismo que ocurre con los territorios inexplorados cuando son colonizados por europeos en los últimos 500 años en otros continentes, hay una primera epoca de pioneros que tienen la ilusión de conocer ese nuevo territorio y de fundar allí ciudades y países con nuevas constituciones políticas, luego sigue una segunda generación que ya conoce ese territorio y que se dispone a explotarlo en sus grandes recursos naturales y a desarrollar sus ciudades y países, pero todavía moviéndose más por el instinto que por la reflexión y finalmente aparece una tercera generación que escrbe la constitución de ese nuevo país, habla de su estilo nacional, de su personalidad nacional nueva, acaba de fundar las ciudades y de establecer el estilo propio de ese nuevo país con leyes y tradiciones nuevas, aunque la ilusión de los pioneros ya ha pasado y es sustituida por la oficialización de la vida en el país. En la guitarra eléctrica, después de 70 años de su existencia, estamos ahora en la fase de la tercera generación , la de los estudiosos académicos de ella y de las muchas técnicas nuevas que han aparecido para tocarla . Estos estudiosos que además suelen ser profesores de música como Bonamassa, Eric Gales o Steve Morse, han llegado incluso a desarrollar partituras donde constan todos los efectismos que se usan en un solo de guitarra, desde el uso de la palanca «whammy» hasta los estiramientos, glissandos y vibratos, ! lo cual no deja de ser demencial si tenemos en cuenta que el uso de estos efectismos en los guitarristas eléctricos de la primera y la segunda generación era improvisado y según la inspiración del momento ! Ninguno de estos efectismos estaba escrito en ninguna partitura antes de 1980. Los partidarios de la manera de tocar exhibicionista vacía y llena de efectismos de Steve Vai dicen que es mejor que todo lo que se toque en la guitarra eléctrica esté escrito y definido en la partitura , pero no se dan cuenta de que cuando un arte ha llegado ya a ese estado de academicismo, se muere por tener ya demasiadas regulaciones y reglas académicas que no dejan libertad al intérprete y que provocan la aparición de nuevos movimientos artísticos rebeldes contra ese academicismo. Es otra constante de la Historia del Arte. .

Como podemos ver en estas partituras para guitarra clásica, están escritas las digitaciones para cada dedo y su posición en el mástil y la cuerda que se usa. Esta es la manera científica de tocar la guitarra.

La música como producto Como vivimos en una época en que todo lo que nos rodea son productos hechos para el consumo masivo y pensados para tener un éxito inmediato y seguro, esto nos obliga a pensar si en realidad toda la historia de la música no está llena también de productos musicales, de obras musicales que han tenido gran éxito en cada siglo y que luego han pasado a formar parte del repertorio de los conciertos de las orquestas filarmónicas, de los teatros de ópera y de las partituras que se enseñan en los conservatorios. En cada siglo se han compuesto unas cuantas obras maestras de la música que son las que todo el mundo quiere escuchar o tocar, así en el Renacimiento hay unos cuantos adagios que son lo que se tocan siempre, en el barroco hay unas cuantas obras de Bach que son las que se tocan siempre, hay algunas obras de Haydn y de Mozart que son las más tocadas, lo mismo con las de Beethoven o partes de las óperas de Wagner, así como oberturas y preludios de cada siglo que son los más tocados en todo el mundo, como el "Concierto de Aranjuez". Pero dejando a un lado estos grandes éxitos de la música clásica, o sea las piezas que siempre se tocan en programas de televisión del tipo " Clásicos populares " y otros programas de divulgación de la música clásica, la historia de este estilo musical está lleno de cientos de miles de obras que no se tocan casi nunca, porque no gustan a nadie o no interesan a nadie, aunque hayan sido compuestas por los más grandes compositores. El público, especialmente desde el Renacimiento, espera escuchar obras musicales que tengan muchos ingredientes juntos, que la conviertan en un gran espectáculo de sonidos, y el resto de la música compuesta en cada siglo puede pasar perfectamente desapercibida o considerada como mera "música ambiental" sin nada más. Es por esto que sospechamos que , especialmente desde el Renacimiento, componer música ha consistido cada vez más en conponer obras musicales que eran, en realidad, productos diseñados y concebidos para tener un gran éxito , aunque de vez en cuando estos grandes éxitos de la música clásica también eran obras de gran originalidad y un prodigio de inventiva , como la Novena sinfonía de Beethoven. El público en general no es entendido en música y lo que espera de un concierto de música, sobretodo si no es gratuito sino de pago, es que le ofrezca unos cuantos grandes momentos musicales de gran impacto, o bien se aburre y se duerme, y en esto no se diferencia en nada del público lelo de la música comercial actual o del rock e incluso del jazz, un público que no entiende nada de técnicas musicales y que solo se interesa por la música cuando le ofrece algo realmente extraordinario y de gran impacto. En cambio, el público entendido en música, que casi siempre se compone de músicos a su vez y de teóricos del arte, no atiende especialmente a esos grandes éxitos de la historia de la música, y a veces incluso los desprecia por tener demasiado éxito inmerecido ( por ejemplo la obertura de "Guillermo Tell" de Rossini, tan popular gracias al cine ), mientras que muchas veces este publico realmente entendido porque es del oficio, prefiere escuchar y tocar otras obras menos conocidas pero de más valor artístico o técnico y de mayor belleza. Pero como todos sabemos, un público compuesto solamente por puristas entendidos no podría costear las grandes sumas de dinero que suponen el montar una ópera y pagar a sus divos y a los músicos de la orquesta y de los coros, y tampoco un público purista entendido podría mantener ninguna orquesta sinfónica con su sola presencia en los conciertos, porque este tipo de público siempre es muy minoritario. Por ello,   teatros de óperas y orquestas sinfònicas llevan muchos años tocando los grandes éxitos de la ópera y de la música de concierto, para sobrevivir, e incluso ultimamente tocan rock en versiones orquestales, por el mismo motivo. Con todo esto queremos decir que la historia de la música, especialmente desde el Renacimiento , está esclavizada por un público malo, sin formación en música, que tampoco es especialmente amante de la música por sí misma, y que solo se acerca a ella cuando la música es espectacular o grandiosa o muy original, y este tipo de público es mayoritario desde el Renacimiento y ha condicionado la música que se ha compuesto en los últimos 500 años, pues los compositores se han visto presionados por este tipo de público vulgar , para componer productos musicales que tuvieran un gran éxito , para sobrevivir ellos o simplemente para que ese público vulgar no murmurara acerca de ellos c0mo malos compositores. Sí gran parte de la música que se ha compuesto en los últimos 500 años es un producto fabricado, del mismo tipo de productos musicales que la mayoría de la música popular actual, especialmente en estilos como la canción comercial, el rock y la música disco, entonces debemos cambiar nuestra visión de la historia de la música y aceptar que solamente unos pocos viciosos melómanos , desde siempre, han sido los únicos servidores de esta musa por ella misma, mientras que el resto de la humanidad solo ha atendido a la música cuando se le ha ofrecido un producto muy bien acabado. El jazz tampoco se escapa a esta sospecha de que gran parte de los temas de jazz que todo el mundo toca, como la Chica de Ipanema o Satin Doll, no son más que productos muy bien hechos, dentro del estilo del jazz. Y que los musicos de jazz menos creativos y originales no son más que imitadores de la manera de tocar de alguna figura del jazz como John Coltrane o Charlie Parker o Bill Evans, y que en el mundillo del jazz hay mucho imitador y poca gente realmente creativa y original, y que esta mayoría de músicos de jazz que no son más que imitadores, solamente saben imitar a las grandes figuras que han creado un nuevo estilo dentro del jazz, jazz que a su vez cae bajo la sospecha de ser un nuevo estilo que no es más un producto muy bien pensado para enganchar al público y a los músicos del jazz , puesto que sus mismos músicos de jazz no quieren tocar piezas de jazz que sean aburridas o sin interés. En otras palabras , el mundillo del jazz está lleno también de productos musicales muy bien fabricados, y esos productos musicales jazzísticos son los que imitan miles de otros músicos de jazz en todo el mundo. En nuestra época, prácticamente todo es un producto que es diseñado según unas técnicas de fabricación, de marketing y de venta muy estudiadas en las escuelas empresariales. El compositor , grupo musical o autor que quiere tener éxito en nuestra época, tiene que conseguir fabricar uno de estos productos musicales, que tenga algún ingrediente, o mejor muchos ingredientes, que lo hagan atractivo para el gran público: que tenga marcha, que sea original, que esté muy bien interpretado, que tenga una calidad de sonido altísima, que el intérprete tenga una imagen física irresistible, que contenga solos de virtuosos tocados muy rápidos, que sea excitante, divertido de escuchar y de tocar por parte de los músicos, que transmita una serie de valores como el triunfo, el éxito, el optimismo de vivir en esta sociedad capitalista, la confianza en el futuro lleno de placeres y riquezas, glamour, sensualidad, mensajes políticos, y muchos más ingredientes . Algunos grupos musicales de los últimos 50 años han conseguido crear este tipode productos musicales perfectos, por ejemplo Queen: sus canciones son divertidas de tocar, sencillas y al mismo tiempo con espacio para virtuosidades instrumentales, están grabadas con una gran perfección, dan mucha energía a sus oyentes ("Don`t stop me now") y no cansan a sus intérpretes al tocarlas una y otra vez . Con todos estos ingredientes se fabrica un producto irresistible y de éxito seguro que va a dar mucho dinero, pero tenemos que aceptar que esto ha ocurrido ya en los siglos anteriores respecto a muchos grandes éxitos de la música clásica que también se fabricaban como productos, por ejemplo "El Danubio azul". Hablando de Queen , tenemos que decir sobre ellos que han sido seguramente el grupo musical más democrático de la historia, pues todos sus componentes componían, cantaban y tocaban instrumentos y tocaban las canciones de todos, el grupo mantuvo su formación original sin cambios y además Brian May era doctor en física, Roger Taylor biólogo y Deacon era ingeniero. Seguramente gracias a esta alta formación de sus miembros, no cayeron en todos los conflictos de ego tan frecuentes en otros grupos con miembros de poca formación, como por ejemplo en Deep Purple, cuya historia está llena de peleas, cambios de personal y choques de egos. La lección que nos enseña Queen es que para mantener un buen ambiente en un grupo musical, que es por sí mismo un ambiente tan propicio a los problemas personales, es necesario que sus miembros tengan una buena formación, preferiblemente universitaria, y que mantengan una democracia dentro del grupo, donde todos sus miembros tengan su oportunidad para contribuir a la música del grupo. En caso contrario , ocurre lo que vemos en tantos otros grupos musicales en los que sus miembros tienen pocos estudios y se pasan la vida peleándose por problemas de egos y de tiranías. En el estilo del rock, es típico que aparezcan autores y grupos que sean muy creativos y originales pero sin éxito, porque hacen una música para ellos mismos sin ninguna concesión a la comercialidad, y que no tengan ningún interés en vender millones de discos, es decir, en fabricar productos, pero luego llegan otros autores y grupos mucho más listos que recogen todas las innovaciones aportadas por ese grupo muy minoritario y convierten su música en un producto muy comercial, así ocurrió por ejemplo en cientos de blues tocados y cantados por bluesmen negros ciegos y pobres en los años 30, que luego fueron imitados y comercializados por músicos blancos como los Rolling Stones y Eric Clapton , o incluso también por otros músicos negros muy listos, y así surgió el rock and roll de los años 50, el blues-rock de los años 60 , y muchas variantes más que siempre tienen como origen al blues de los años 30. Otro caso muy conocido es el de Jimi Hendrix, que era un surtidor de ideas, todo el  día componiendo y probando nuevos temas y solos de guitarra, dejó una cantidad enorme de nuevas ideas musicales y de una nueva manera de tocar la guitarra, pero fueron los grupos que vinieron después, especialmente Ritchie Blackmore y Deep Purple, los que copiaron todo lo que había hecho Hendrix y lo convirtieron en un producto comercial, dominado por los riffs de Blackmore, muy comerciales y excitantes, a la vez que simples y divertidos de tocar, y las canciones de ese grupo, que no eran más que un producto muy bien diseñado, con la ayuda de algún músico clásico como Malcom Arnold, donde se mezclaba algo de música clásica con algo de jazz y de blues y de pop, con solos virtuosísticos de los miembros del grupo y unas canciones sencillas pero excitantes y divertidas. El producto que es Deep Purple especialmente en canciones de 1973 como "Woman from Tokyo" o "Place in line " o "Rat bat blue", canciones donde la fórmula musical de Deep Purple alcanza su máxima perfección (y comercialidad), ese producto va a tener un éxito mundial enorme y va a ser imitado por miles de otros grupos, hasta el punto que la mayoría de las canciones de los últimos años constan de un riff de guitarra pegadizo, un solo de guitarra espectacular y una manera de tocar simple pero muy efectiva ( a la vez que destructora del arte musical, al simplificarlo todo a tocar riffs de cuartas y "power chords" y acompañamientos de octavas y quintas con escalas pentatónicas), imitados miles de veces por los grupos de heavy y metal pero también por muchos músicos de la canción comercial. Por eso se puede decir que Deep Purple crearon una fórmula comercial muy efectiva y muy imitada luego, incluso por orquestas sinfónicas cuando se ponen a tocar rock en versión orquestal . O4ros grupos como Queen hicieron algo parecido mezclando música de cabaret, de ópera , coros vocales y gran nivel de sus músicos, para fabricar el producto rockero que conocemos como Queen. Otro grupos hicieron lo mismo con otros ingredientes, como Yes y su rock sinfónico de canciones de media hora con muchas partes y variaciones. La tendencia, desde finales de los años 60, ha sido , en el rock, la de fabricar productos rockeros cada vez más perfectos y con más ingredientes y son estos productos musicales los que imitan y tocan los cientos de miles de grupos de versiones que hay por el mundo. Pero convendría no perder de vista que también en el rock todo funciona con criterios empresariales y que la mayoría de los grandes éxitos del rock son, en realidad , productos muy bien fabricados. Luego podemos encontrarnos con grupos y músicos que hacen su música sin importarles no tener éxito y sin ningún interés por fabricar productos musicales perfectos. Este tipo de grupos, siempre marginales , son siempre muy desconocidos, nunca salen de su circuito de bares y pubs de mala muerte donde tocan y nunca pueden tocar en radios ni televisiones, nunca son contratados por nadie y nadie les hace caso y muchas veces tienen que sufrir las burlas de la gente que les acusa de no saber tocar o de sonar mal. Aquí hay que hacer la observación de que la música es uno de los últimos sectores profesionales donde se practica una crueldad escandalosa sobre los trabajadores de la música, pues son frecuentes los comentarios por parte del público contra los cantantes y músicos, comentarios como " que desafinas" " dedícate a otra cosa", " cómo te atreves a salir a un escenario con esa pinta ", " Estás gordo", "no sabes cantar", " déjalo ya que no sirves para esto ", y todo tipo de insultos que actualmente ya no se aceptan ni en los estadios de fútbol dirigidos a los árbitros. En la música se practica una crueldad que queda impune, contra los músicos, que no son más que trabajadores como los demás que están trabajando, pero que tienen que aguantar insultos y desprecios por parte de un público que muchas veces no es otra cosa que un montón de fracasados que querrían saber música y tocar instrumentos para hacer música, pero no saben y desvían su frustración siendo crueles con los otros músicos. Esta crueldad otras veces proviene de conflictos entre generaciones, pues la que creció con la música de los años 60, 70, 80 tiene que enfrentarse ahora con generaciones que han crecido con la música basura de estas últimas décadas y que practican el mobbing sobre los músicos que tocan música de verdad que proviene de décadas anteriores, no dejando que toquen o boicoteando sus conciertos, como también lo hacen los indepes catalanes con los músicos que no son indepes, impidiéndoles tocar y reventando sus conciertos , mientras que los conciertos de los grupos indepes catalanes están llenos de su público indepe que se traga toda la música basura que tocan , solo porque son indepes. Si se está buscando que desaparezca la crueldad y la violencia contra las mujeres, en nuestra época, y en el fútbol y en todos los sectores de la sociedad, entonces también debe acabar la crueldad hacia los músicos , y lo mínimo que se puede pedir es que cada músico, cantante o grupo musical pueda tocar y hacer su trabajo, sin silbidos ni boicots ni malas artes para ponerles nerviosos y hacer que se equivoquen al tocar, como pasa tantas veces en tantos conciertos llenos de un público hostil o vulgar. Otras veces son los mismos músicos los que se tratan con crueldad entre ellos, por tocar estilos incompatibles, como los el jazz y lo que dicen acerca de los " subnormales " que tocan rock y heavy , y a la inversa. Entre los grupos marginales, entre los cuales hay miles de grupos de punk, también hay muchos grupos de música más experimental , auténtica y personal, y prefieren vivir solo para su arte y no les importa nada más. Este tipo de música no comercial está condenada a pasar por la vida sin que nadie se entere de su existencia, conocida solamente por los músicos que la tocan y por sus amigos, aunque parece que eso no importa a esos músicos si saben que tienen la superioridad moral de no hacer música comercial sino solamente su música, la que les sale a ellos de una manera natural. Tampoco tienen ninguna necesidad de convertirse en estrellas del rock endiosadas donde cada concierto de rock es una misa en la que se celebra el culto a su personalidad, a su físico o a alguna superioridad que tenga esa estrella de rock. Los músicos auténticos no necesitan dar ese tipo de conciertos para vivir. Saben que el rock es la música de esta época con todas sus tonterías y que algún día en el futuro desaparecerá esta época con su música y será olvidada, mientras que la música que hacen ellos , los marginales, al no depender de ninguna de las tonterías de esta época, seguirá existiendo porque es la música auténtica y no una música útil para el sistema actual. Y porque su música auténtica es solo música y no un gran montaje industrial y económico. Y como decía Cicerón en su "Sueño de Escipión", en cada nueva época con una nueva generación de humanos, se rompe con la música que se había hecho en el pasado, que resulta insoportable para las nuevas generaciones por ser una música demasiado atada a las tonterías de esa época pasada, y aparece un nuevo tipo de música que es el que gusta a las nuevas generaciones. Hay innumerables testimonios de gente que vivió en otros siglos, comentando que no soporta la nueva música que se hace ahora ( en su época) y que no entiende cómo la música ha empeorado tanto respecto a la buena música de la anterior época. Es lo que pasa cuando una música está demasiado comprometida con los ídolos de la época, como ocurre con la música comercial actual. Volvamos ahora al tipo ya analizado anteriormente, el que llamamos " el productor" y que Martirio, en su canción del mismo título, ya denunció. El productor toma una música y la convierte en un producto comercial que se pueda vender y en grandes cantidades, por lo tanto el productor no necesita ser un músico sino solo un vendedor astuto que sabe detectar los gustos del público de cada década y que vulgariza la música para que sea asequible a ese público. El trabajo del productor no se diferencia en nada del trabajo de cualquier otro fabricante de productos . Pero vamos ahora a analizar un tipo especial de productor, aquel que sí es músico profesional y además es guitarra de jazz, profesor de guitarra y técnico de sonido de su propio estudio de grabación, además de propietario de un sello dsicográfico. Este tipo de productor es bastante más nocivo que los otros tipos de oportunistas musicales, porque este tipo de productor , además de que busca, como todos los otros productores , fabricar productos musicales de éxito, además, por su condición de músico profesional también hace el papel de censor musical respecto a un gran número de músicos aficionados y"patilleros" que le presentan sus maquetas para que él elija los grupos que le interesa grabar en su estudio, con lo cual este tipo de productor musico funciona como selector de aquellos musicos que acceden al status de músicos con discos grabados, respecto a aquellos músicos que no pueden nunca grabar un disco y que son descartados por este censor. Este tipo de productor y músico muchas veces ayuda a los grupos y músicos aficionados que finalmente decide promocionar y grabar, los ayuda a refinar sus canciones, a que las toquen de una manera más profesional y les ayuda en los arreglos musicales o incluso acaba integrándose en el grupo como su guitarra, como pasó en el caso de Els Pets y su productor Grau. Este tipo de productor mucha veces proviene del jazz y tiene titulación de alguna escuela de jazz, y toca jazz en sus momentos en que hace realmente lo que le gusta hacer, mientras que por otra parte graba a músicos aficionados a los que desprecia, y a los que manipula para conseguir fabricar con ellos un producto musical vendible, y ganar dinero gracias a ellos. Este tipo de productor musical desprecia todo lo que él llama la "música comercial " ( que para él quiere decir toda la música que no sea el jazz, que para él es una música propia de gente superior) , pero fabrica productos musicales comerciales para ganar dinero, publicándolos con su sello discográfico propio. Este tipo de productor músico graba a lo largo de los años una gran cantidad de músicos aficionados, esperando dar en la diana alguna vez y conseguir algún gran éxito económico, y así pueden pasar perfectamente 30 años de historia en su estudio de grabación , pasando por allí cientos de músicos aficionados. El productor y músico presume de la gran cantidad de grupos de este tipo que ha grabado en esos 30 años en su estudio, y de que ha grabado a todo tipo de estilos musicales, y de que además ha hecho en su estudio de grabación muchos otros trabajos como música de películas, de anuncios de televisión, doblajes y otros encargos . Además se vanagloria también de que posee contactos con todo el negocio musical, con managers, directivos de televisión, promotores, locutores de radio y con todos los que controlan el negocio musical y dice que solamente él sabe como tratar con ellos para conseguir bolos y promociones. Además, este tipo de productor músico es técnico de sonido y presume también de conocer todas las técnicas de grabación, todos los trucos y todos los aparatos electrónicos que se usan en los estudios de grabación ( pero siempre se guarda la información para él mismo y no revela sus secretos a nadie ) y hace lo mismo en tanto que es profesor de guitarra, pues enseña a sus alumnos unas pocas cosas poco a poco, pero nunca les revela todo lo que él sabe sobre la técnica guitarrística, que se la reserva para él mismo, aunque casi siempre lo que él sabe no es más que lo que se enseña en Berklee. Desde su posición de músico profesional graduado de escuela de jazz y sus muchos años de experiencia tocando y grabando, trata al resto de músicos desde las alturas de su superioridad en la que se ha instalado él mismo. Además, y como acostumbra a ocurrir en este tipo de músico tecnócrata, le da mucha importancia a conocer los detalles técnicos que diferencian a un aparato de su estudio de grabación de otro, siempre habla de frecuencias y de valores acústicos, y lo mismo respecto a las guitarras y los amplificadores, pues siempre está buscando aquellas que tengan el sonido más espectacular impresionante, aunque desde el punto de vista técnico electrónico las diferencias entre un amplificador y otro sean mínimas, así como entre una guitarra y otra, pero él las distingue en su obsesión por encontrar el sonido más impresionante. Las grabaciones que hace en su estudio de grabación quiere que sean siempre perfectas, con la máxima calidad de sonido y se burla de tantas otras grabaciones hechas en otros sitios que él considera de bajo nivel. En su obsesión, típica en los músicos vulgares, para conseguir la máxima calidad de sonido, descuida la calidad musical de sus productos, sin darse cuenta. En realidad, los productos que fabrica en su estudio de grabación, a pesar de su gran calidad de sonido, son musicalmente deficientes, pues este tipo de productor músico muchas veces solo sabe grabar bien lo que a él le gusta, que es el jazz, y no sabe grabar otros estilos musicales como el pop, donde el estudio de grabación se usa como un instrumento más, desde que pusieran de moda esta manera de trabajar en un estudio de grabación gente como Brian Eno y David Bowie en sus discos berlineses, así que este productor músico en realidad no sabe grabar otros estilos donde tiene más importancia la creación de atmósferas sonoras y de arreglos divertidos o curiosos, como ocurre en el pop, que no la perfección de sonido del producto. Además, este tipo de productor músico jazzista no sabe tocar bien otros estilos ( y cuando toca jazz, tampoco lo toca muy bien sino a su manera, con una gran cantidad de trucos de modulaciones constantes que introduce en las piezas musicales para poder tocar escalas inesperadas que sorprendan a su público, truco barato usado por la mayoría de los guitarristas de jazz) y no sabe tocar en otros estilos, donde da pena cuando intenta tocarlos. Para empeorarlo todo, si este productor músico tiene un físico agradable y espectacular propio de una estrella del rock, todavía se hace más difícil relacionarse con él, porque a su supuesta superioridad en estudios y experiencia , va a añadir su supuesta superioridad en su físico, ya que él se siente una verdadera estrella del rock natural por su físico y ve a los demás músicos como piltrafillas pretenciosos que no le llegan ni a la suela del zapato. Este tipo de productor músico no tendría mayor importancia, si no fuera porque el tipo es muy soberbio y se permite el lujo de estar fiscalizando constantemente a los otros músicos, desde sus opiniones personales musicales muy discutibles, y así juzga a muchos otros músicos desde su altura, desde su posición de productor músico profesional que presume siempre de haber grabado en su estilo cientos de grupos , y este tipo de productor músico juega sucio cuando se dedica a desanimar a otros músicos, pasándoles por la cara su superioridad profesional y de estudios musicales o de experiencia musical, y deprimiendo a muchos músicos a los que les dice que mejor se dediquen a otra cosa, o les desanima de alguna manera, muchas veces de una manera sibilina , dejando siempre muy claro que lo que él hace es lo único que tiene calidad profesional y que lo que hacen los demás no vale nada. En realidad, este tipo de productor músico resultar ser, al final, un músico mediocre y que además hace mucho daño a muchos otros músicos a los que desanima y humilla y no deja progresar , a los que dice cosas como que " todavía les queda mucho que aprender ", y les dice que él lo sabe todo sobre este oficio ( pero se lo calla para él mismo). Es fácil descubrir en este tipo de productor músico al mediocre que no deja que los demás puedan hacer nada y les pone todo tipo de zancadillas, sobre todo de tipo psicológico, para que desistan en dedicarse a la música. Si alguno de vosotros tiene la mala suerte de toparse con este tipo de productor músico, lo mejor que puede hacer es alejarse de él todo lo posible, porque de una manera u otra, y muchas veces usando técnicas psicológicas de dudosa honestidad, va a hacer todo lo posible para hundiros, para que dejéis la música y para que os deprimáis, a menos de que os pongáis en sus manos como sus esclavos y hagáis todo lo que él os diga. Si tenéis la mala suerte de toparos con este tipo de productor músico, lo mejor es no escuchar nada de lo que diga ni hacerle caso en nada de lo que diga, y sobretodo pasar de él y seguir a vuestra bola, seguir con vuestro progreso propio y con vuestro camino en la música. Si lo tenéis como profesor de guitarra, procurad aprender por vosotros mismos todo lo que él os está ocultando en cuanto a información sobre teoría musical, técnicas guitarristicas y otros conocimientos musicales, si es necesario viajando a Berklee y a otras escuelas de música de USA y comprando allí sus libros, que son los que este mal profesor de guitarra también utiliza y de los que él ha aprendido, e incluso es posible comprarlos ahora por internet sin necesidad de viajar a USA, y tened en cuenta de que en USA se publican constantemente métodos de guitarra de todos los estilos. Por todo lo que os hemos explicado sobre este tipo de productor músico, ya habréis visto que en realidad solo es un mafioso que quiere tener el monopolio del negocio musical para él solo y que utiliza todo tipo de maniobras para quitarse de encima a la competencia, que para él significa todo aquel que también se dedique a la música. El mundillo musical está lleno de estos tipejos que hacen todo tipo de tretas sucias para quitarse competencia de encima. Vamos ahora a hablar de otros tipos de individuos que también son perniciosos para el músico. En primer lugar, los críticos musicales que escriben en revistas como Popular 1 y en periódicos. La mayoría de ellos no tiene estudios musicales y no sabe nada de música y en sus artículos no hacen otra cosa que elogiar a los músicos que a ellos les gustan y denigrar a los que no les gustan a ellos. Por lo tanto, lo mejor que puede hacer un músico es no atender nunca a lo que escriban estos críticos musicales. Luego tenemos al público, esa masa que es tan difícil de estudiar, incluso para los sociólogos, porque el público puede estar formado por gente muy diversa. El público casi nunca sabe de música, por lo cual no es bueno hacerle caso en nada, cuando manifieste sus opiniones sobre tu música. Sin embargo, el público es muy bueno para un cosa muy concreta, y es para descubrir productos muy buenos. El público busca y mira y cuando encuentra en un supermercado o en una tienda un producto muy bien hecho, lo compra, lo promociona por el boca a boca y lo convierte en un producto de gran éxito . El público es muy bueno pues, para identificar los mejores productos en venta cada época. Aparte de eso, el público no entiende de nada. Por eso al público le colocan constantemente todo tipo de productos de todo tipo, por parte de los directivos de marketing, y por eso el público es tan fácil de manipular. Se han dado casos, como el de los Rolling Stones y su "Satisfaction" o Deep Purple y su *"Smoke in the water" , que eran canciones ambas poco valoradas por sus autores, que no veían nada especial en ellas, pero que el público ha convertido en éxitos mundiales, sin que nadie sepa muy bien por qué. Por lo tanto, hay que despreciar lo que opine el público sobre música, porque no entiende, pero hay que estar atento a algunas reacciones inesperadas suyas, por las cuales elige una canción o una música por encima de otras, sin que nadie sepa por que , y la convierte en un éxito mundial. Luego tenemos a los otros músicos, estos son los peores y no hay que escuchar nada de lo que digan sobre tu música, porque si un músico tiene un enemigo mortal, es el de su oficio, o sea otro músico. Muy pocas veces escucharás a otro músico hablar bien de un músico, porque todos los músicos se odian entre ellos y no soportan lo que hacen los demás músicos, además todos los músicos se dejan llevar por sus prejuicios al juzgar la obra de otros músicos y por eso sus opiniones musicales no tienen ningún valor, además la mayoría de músicos se deja llevar por sus malos rollos personales contra otros músicos y por todo tipo de bajas pasiones contra ellos, al juzgar su música, y por eso su opinión no tiene ningún interés. Por eso lo mejor que podría hacer un músico es no escuchar nunca lo que opinen sobre él los otros músicos. Todo músico, simplemente por el hecho de hacer música, enseguida se gana una gran cantidad de enemigos, y son sobretodo otros músicos que no soportan la competencia. Finalmente, tenemos a los únicos a los que creemos que el músico de verdad debería atender y aprender de ellos: son los profesores de música , especialmente los que enseñan composición y análisis musical, así como los musicólogos, porque ellos son los únicos que saben realmente de música y pueden juzgar lo que haces, imparcialmente y solo teniendo en cuenta sus conocimientos sobre teoría musical e historia de la música, sin que intervenga ningún prejuicio personal. El músico verdadero solamente debería atender a lo que escriben los profesores de composición y análisis musical en sus libros. Todo lo que pueda decir sobre música cualquier aficionado y diletante no tiene ningún valor y solamente refleja su opinión personal subjetiva , una más entre millones de otras opiniones. Con todo lo que hemos escrito sobre el mundo de la música en "La democracia musical" , cualquier lector ya se habrá dado cuenta de que este mundillo profesional es una jungla , como dice Shakira, siendo ella mismo un gran ejemplo de cantante comercial que busca ganar millones de dólares con este negocio. MANIFIESTO PARA UNA NUEVA LEGISLACIÓN ESPAÑOLA SOBRE LA PROFESIÓN MUSICAL 1La profesión musical en España se encuentra en una situación intolerable y tercermundista que no se parece en nada a la situación de las otras profesiones en España, que desde hace años poseen una legislación que protege los derechos constitucionales de los trabajadores al trabajo, a la igualdad de oportunidades y a buenas condiciones de trabajo. 2La profesión musical en España no ha cambiado desde el franquismo y sigue funcionando igual que en el franquismo, por lo que se puede bien decir que la democracia no ha llegado todavía a la profesión musical en España. 3Las condiciones de trabajo de los músicos españoles son espantosas y se dan situaciones que ningún otro profesional de ninguna otra profesión tolera ya actualmente en España, con todo tipo de mafias, monopolios , desigualdades de oportunidades y atentados al derecho al trabajo de los músicos. 4 La situación profesional de los músicos en España no ha cambiado desde el franquismo y sigue siendo la misma que en el franquismo: se supone que hay unas 30 o 40 figuras de la música en el país que tienen derecho o privilegio a enriquecerse con la música, a tener el monopolio de salir en TV y radios y de hacer conciertos importantes , mientras que el resto de cientos de miles de músicos españoles debe vivir en la pobreza o en la marginalidad, excepto aquellos que se ganan la vida como profesores de música. SE considera que managers y directivos de discográficas tienen el derecho de imponer sus músicos a las Tv y radios y al público, para enriquecerse y que este monopolio suyo es " lo normal" en España desde el franquismo. . 5Este modelo de gestión de la profesión musical en España corresponde al modelo capitalista salvaje propio de USA y de España, donde a unos 40 músicos que se les convierte en figuras, pueden llegar a ser millonarios con la música y son los ùnicos que pueden aparecer por las TV y radios y dar grandes conciertos , mientras que el resto de cientos de miles de músicos españoles no existe o no puede salir nunca del circuito de bares musicales, pequeñas salas y pubs donde se toca para unas 30 personas y no se cobra más de 50 euros por tocar. 6El modelo alternativo a este modelo capitalista salvaje es el modelo comunista cubano, donde toda la población recibe educación musical, toda la población toca y compone música y toda la población cobra ( poco ) por tocar, con igualdad de oportunidades para todos y sin que existan figuras millonarias. En caso de que en España se siguiera el modelo cubano, significaría que toda la población española sería musicalmente capaz, por educación, de hacer música y podría tocarla donde quisiera libremente, sin que existieran figuras millonarias detentoras de privilegios ni monopolios ni mafias de managers y directivos a su servicio . 7En España, y desde el franquismo, se da por supuesto que solo pueden existir unas 40 figuras millonarias en la música que puedan salir en TV, radios y dar conciertos y que es " normal" que así sea y que tengan a sus espaldas una serie de managers y de directivos de compañías discográficas que van colocando a estas figuras millonarias en las oportunidades de trabajo que hay en España. Este modelo franquista no ha cambiado en los últimos 40 años y se sigue aplicando en España, por lo que se puede decir muy bien que la democracia no ha llegado todavía a la música en España. 8 _ Como en el franquismo, donde la mayoría de la población se callaba y se escondía por temor a las represalias, y solo una minoría de antifranquistas llevaba adelante una lucha antifranquista, ahora en la música en España ocurre lo mismo, solo una minoría de músicos protesta por la situación franquista en la que está la profesión musical en España, mientras la mayoría de músicos se calla por temor a las represalias de los managers y directivos de discográficas que controlan el negocio musical en España. 9La mayoría de músicos solo piensa en sí mismo y en conseguir conciertos y en tener éxito y en ganar dinero y por ello hay una gran desunión entre los músicos y en los sindicatos de los músicos, y de ello se benefician los que mantienen a la profesión musical funcionando dentro de los esquemas del franquismo. Los sindicatos de músicos no funcionan porque cada uno de ellos va a lo suyo, a conseguir conciertos bien pagados para los directivos de cada sindicato y sus amiguetes y no existe en España un sindicato de músicos fuerte como la UGT o CCOO que cuide por los intereses de los músicos. La SGAE por su parte solo sirve para defender los intereses de las figuras millonarias y sus altos ingresos en concepto de derechos de autor. 10Por todo ello , la situación profesional de los músicos españoles es penosa y no tiene parangón con ninguna otra profesión en España, donde desde hace años se disfruta de buenas condiciones de trabajo, SS, salarios mínimos y persecución del intrusismo laboral y de las mafias y los monopolios. 11En los países más avanzados del mundo, solo pueden tocar como músicos profesionales, es decir, cobrando, aquellos músicos que hayan estudiado música en conservatorios, facultades de música o escuelas de música o de jazz. Solamente pueden cobrar por tocar los músicos titulados. En España, en cambio hay una enorme cantidad de músicos, grupos musicales y cantantes y cantautores que no saben música y que tocan mal, de una manera aproximada, de oído, por no tener formación musical, más por pereza que por otra cosa pues actualmente en España hay muchas escuelas de música además de los conservatorios tradicionales, donde se puede estudiar música fácilmente. Este tipo de malos músicos perjudica a los músicos de verdad, a los músicos titulados, porque los que tocan de oído , tocan mal y rebajan el nivel musical. Son como esos falsos arquitectos que no tienen estudios y que calculan la obra " a ojo de buen cubero". Como ocurre en todas las otras profesiones, desde los médicos hasta los periodistas, donde si no tienes la carrera no puedes trabajar en esas profesiones, en la música hay que exigir que al que no le haya dado la gana de estudiar música , no pueda cobrar por tocar, es decir, que no pueda tocar profesionalmente. 12En los países más avanzados, los músicos profesionales, es decir los titulados por alguna escuela de música, tienen su SS, su salario mínimo y otras condiciones de trabajo como las de las demás profesiones. Las mafias en esta profesión musical están perseguidas y se acepta que unos músicos más especializados ( aquellos que hacen música más comercial o que tiene más éxito o aceptación del público ) puedan cobrar más por tocar pero no se ve claro que tengan que ganar cantidades astronómicas por hacer un trabajo que , en substancia, no es más trabajo que el de cualquier otro músico . 13Es decir, estamos de acuerdo en que la mayoría de los músicos cobre un salario mínimo, y que existan algunos músicos que puedan ganar más en razón de que su música sea más comercial o de más éxito, pero estamos en contra de las figuras millonarias que ganan cantidades astronómicas de dinero, porque no se lo merecen ya que su trabajo no es más que el trabajo que hace cualquier otro músico. Como ocurre entre los albañiles, donde la mayoría cobra un salario mínimo y luego hay algunos albañiles que cobran más , hasta 5000 euros al mes, por hacer trabajos especializados para edificios poco corrientes o más complejos, estamos de acuerdo en que existan músicos que puedan cobrar más que los otros músicos en razón de la mayor dificultad de su música, como ocurre con los músicos clásicos, o en razón del mayor éxito comercial de su música, pero estamos en contra de que en la música se ganen millonadas por hacer nada. Esto atrae al mundo de la música a oportunistas que en otras circunstancias y en otros siglos nunca se habrían dedicado a la música, por dar poco dinero, como ocurría en los siglos pasados cuando no existían ni los discos ni los equipos de sonido de gran potencia, es en nuestra época y sobre todo desde los años 50, cuando el negocio musical proporciona unos dividendos enormes gracias a la venta millonaria de discos y a los conciertos masivos, atrayendo a este tipo de oportunistas que no son verdaderos músicos, porque el verdadero músico toca por amor al arte, aunque no gane dinero, y estos oportunistas son solo traficantes de sonido que usan la música para enriquecerse como podrían traficar con cualquier otra cosa para el mismo fin. Debido a la gran cantidad de este tipo de oportunistas peseteros y falsos músicos en nuestra época , la profesión musical está llena de granujas y de mafiosos a los que la posibilidad de ganar millones con la música les vuelve muy peligrosos. La mayoría de los verdaderos músicos lo sabe y por eso se callan, no protestan y agachan la cabeza. Además, los medios de comunicación como los periódicos y las radios siguen funcionando como en el franquismo, están controlados por falsos críticos de música, porque la mayoría de ellos no tiene estudios musicales y no sabe nada de música, y promocionan o bloquean a aquellos músicos que a ellos les caen bien o mal, sin más justificación que sus ojerizas y sus caprichos personales, imponiendo siempre en las revistas musicales y radios que controlan, que se escuche solo lo que a ellos les gusta o a sus amiguetes músicos , que es exactamente la situación que se daba en las radios y periódicos durante el franquismo respecto a la crítica musical. Los críticos musicales españoles siguen siendo los mismos que en el franquismo y se comportan igual . A ellos tenemos que añadir los responsables de cultura de los ayuntamientos, los que contratan a músicos para las fiestas mayores de las ciudades y los pueblos, y a otros supuestos " gestores culturales" que trabajan para bancos y otras organizaciones en sus programas de apoyo a las artes , todos ellos contratan a los músicos que a ellos les gustan o que son sus amiguetes , bloqueando que muchos otros músicos tengan oportunidades para tocar, y comportándose de esta manera exactamente igual que como lo hacían los franquistas, en una prueba más de que la democracia todavía no ha llegado a la profesión musical en España. Contra todo lo que se enseña en los masters de gestión cultural, donde se dice que el responsable del ayuntamiento en gestión cultural debe promover todas las actividades artísticas y culturales que realicen los ciudadanos de su ciudad, estos falsos "gestores culturales " solo promueven los actos de sus amiguetes y enchufados y de aquellos músicos que a ellos les gustan. 14El caso de Operación Triunfo es especialmente escandaloso : unos niñatos que no saben hacer otra cosa que cantar en karaokes, son promocionados masivamente en TVE con campañas de marketing carísimas y estos niñatos ven como se convierten en millonarios de la noche a la mañana por hacer nada. Operación Triunfo es un caso clarísimo de monopolio ilegal, de utilización de una televisión pública para un negocio privado, de manipulación de unos niños ( como antaño se hiciera con Marisol y Joselito en los años 60 del franquismo) para el enriquecimiento de unos cuantos managers y directivos ( muchos de los cuales lucharon contra el franquismo y que ahora se comportan como franquistas) . Hemos visto también cómo nuevos músicos aparecidos en la Movida madrileña y que presumían de representar a la nueva España democrática, en realidad en estos 40 años de democracia en España se han comportado exactamente igual que los músicos del franquismo, buscando controlar este negocio musical, las actuaciones, las apariciones en TV, para que solo tuvieran oportunidades estos músicos de la Movida madrileña y nadie más. TVE como televisión pública debería estar al servicio de todos los músicos de este país para que tuvieran su oportunidad de salir en TVE al menos una vez en la vida. En vez de eso, TVE se comporta como una televisión privada vendida a una empresa privada que es la que gestiona Operacion Triunfo. Pero en España nadie se queja, Podemos no dice nada en el Congreso ante esta situación anticonstitucional e ilegal, por atentar contra el derecho al trabajo de todos los músicos de España y contra la igualdad de oportunidades en un medio público , además de potenciar a unos niñatos que no son más que cantantes de karaoke, ofendiendo a miles de músicos españoles que llevan años estudiando y trabajando. Por supuesto, en Cuba no existe ni podría existir Operación Triunfo. Las canciones comerciales no son más que canciones cocacolas: están fabricadas, como la cocacola, para dar gusto al oído al pasar por éste y luego ser olvidadas, como hace también la cocacola al pasar por el gaznate. OPERACIÓN tRIUNFO ES COMO SI LA COMPAÑÍA PRIVADA COCACOLA ESTUVIERA USANDO A tve, QUE ES UNA EMPRESA PÚBLICA, PARA HACER UN CONCURSO DE APRENDICES DE HACER COCACOLA, PREMIANDO LUEGO AL MEJOR APRENDIZ CON UN CONTRATO EN LA FÁBRICA COCACOLA, DESPUÉS DE PASAR CUATRO MESES EN SU ACADEMIA DE FABRICACIÓN DE COCACOLA DONDE LES ENSEÑAN LOS TRUCOS Y LAS FÓRMULAS PARA FABRICAR LA COCACOLA. PUES ESO MISMO ES OPERACIÓN TRIUNFO. Y ES INACEPTABLE QUE UNA EMPRESA PRIVADA UTILICE A tve PARA GANAR DINERO, COMO SERÍA IMPENSABLE QUE LA EMPRESA PRIVADA COCACOLA USARA A tve PARA HACER UN CONCURSO DE APRENDICES DE HACER COCACOLA, PARA HACERSE PUBLICIDAD GRATIS DE SUS PRODUCTOS COCACOLA. Si la empresa cocacola quiere hacerse publicidad en TVE, que contrate un anuncio de publicidad anunciando su cocacola, que es lo que efectivamente hace, lo mismo deberían hacer los cantamañanas de Operaciòn Triunfo, si quieren hacer publicidad en TVE, que contraten un anuncio en TVE anunciando su nuevo disco. CUALQUIER OTRO USO DE tvE PARA FINES PRIVADOS ES ILEGAL. Otros concursos de Tv como "la Voz " o "You got talent" también engañan a la gente porque solo buscan el freak de turno que grite más que nadie o toque la guitarra más rápido que nadie, y sus " coach" son muy sádicos con los concursantes, que muchas veces no saben música ni han tenido la oportunidad de aprender las técnicas musicales. En este tipo de programas no se ofrece música sino un show para la televisión y se ofrece un mal concepto de lo que es la música, que para estos programas no es más que hacer algo espectacular que deslumbre a todos, para que no cambien de canal. 15No vale el argumento de decir que " es lo que el público quiere" , para justificar la existencia de Operación Triunfo. Al público se le puede engañar y condicionar de muchas maneras, como saben los técnicos en marketing y Operación Triunfo es una de esas ocasiones en que al público se le manipula y se le seduce mediante técnicas de propaganda muy conocidas por todos, excepto por los bobos que ven Operación Triunfo, casi todos ellos adolescentes que se dejan manipular. Es falso que hay un "mercado " según el cual , en nombre de la "ley de este mercado" , hay unos músicos que tienen más exito y que , por lo tanto se merecen más oportunidades y se merecen ganar más dinero, y que resulta que por esa "ley de mercado" los músicos preferidos por la gente resultan ser también los mejores músicos o los que hacen música de más exito o los que son más guapos o atractivos. Es falso, porque todo músico profesional, es decir todo músico que haya pasado por una escuela de música, toca bien necesariamente por haber pasado por una escuela de música y la calidad de su música está asegurada precisamente por su titulación en música. Otra cosa es que a la gente su música no le guste o no le guste su físico o le caiga mal o a algunos les guste una canción y a otros les guste otra. La música es una actividad donde cada persona tiene sus gustos y sus preferencias y su opinión, pero no puede negarse que todo músico profesional, por el hecho de haber estudiado música, necesariamente toca bien, aunque el público puede preferir más a uno que a otro. Por lo tanto, desde un punto de vista estrictamente técnico, todo músico profesional toca bien. Si existen figuras musicales que se llevan todos los premios y todo el público y venden más discos que nadie y llenan sus conciertos y ganan mucho dinero, no es porque toquen mejor que los otros músicos profesionales , sino por otras razones extramusicales difíciles de controlar, como son los gustos del público, los caprichos del público, las campañas de propaganda y de promoción que se hayan gastado en tal figura, los gustos musicales de la época, y un " no se qué " que tienen algunas figuras y que no tiene el resto de los músicos, sin que ello quiera decir que los músicos profesionales no toquen bien. 16 Si la profesión musical fuera como las demás profesiones, todos los músicos profesionales deberían cobrar lo mismo , como ocurre en todas las profesiones, por hacer su trabajo, lo que ocurre es que en la profesión musical hay algunas figuras que son preferidas antes que otras por el público, que es como decir que algunos fontaneros o electricistas o mecánicos de coches son preferidos antes que otros de igual de profesionales que ellos, por criterios extramusicales, como su físico, su personalidad o un " no sé qué " que poseen las figuras y que no tienen los otros musicos profesionales, lo cual hace que la profesión musical sea considerada por muchos políticos como "especial" y donde no se cumple la Constitución Española en sus artículos sobre la igualdad de oportunidades y el derecho al trabajo, puesto que hay políticos que creen que en la profesión musical solo deben existir las figuras. Y el resto de cientos de miles de músicos deben conformarse con tocar en su casa y no salir nunca de allí o bien hacer de profesores de música si quieren vivir de esto. También lo cree una gran parte del público que es ignorante en música y que no escucha música habitualmente, excepto cuando consume los grandes productos musicales fabricados para ser escuchados irresistiblemente una y otra vez por la radio o en una discoteca, este tipo de público ignorante no escucha normalmente música excepto los grandes éxitos fabricados especialmente para este público ignorante que no escucha música de verdad habitualmente. Este tipo de público cree que para ser músico hay que ser "artista" , es decir guapo, con un gran físico, una gran voz y con canciones espectaculares, y si no es así, no lo quieren. Este tipo de público es el que condiciona que solamente existan las figuras y nadie más en el país. 17 En España no se protege a la industria musical nacional y se permite que entren en España todo tipo de productos musicales extranjeros, desde Lady Gagas hasta Shakiras ( ya que es colombiana hasta que no pague sus impuestos en España como hace su marido) o U2, Bruce Springsteen o cualquier otro grupo de moda extranjero que hace conciertos masivos en España y que , por supuesto, quita público y oportunidades a los músicos españoles. Debería protegerse más a la industria musical española, limitando el número de actuaciones que los músicos extranjeros puedan hacer en España y potenciando que sean músicos españoles los mayoritarios en todo tipo de apariciones televisivas, en radio y en conciertos y festivales españoles. No puede ser que en programas de RTVE como "Los conciertos de la 2 " salgan grupos ingleses de cuarta fila desconocidos en su país y que aquí aguantamos por puro esnobismo, porque se supone que un grupo inglés es mejor que un español aunque sean grupos ingleses de cuarta fila, lo mismo ocurre en muchos conciertos y festivales en España donde se contrata a grupos extranjeros solo por serlo y no se contrata a grupos españoles que son bastante mejores que aquéllos, o ,como mínimo, igual de malos . 18- En resumen: la profesión musical en España estará al nivel de regulación de las otras profesiones y al nivel que se encuentra en los países más avanzados, cuando: los músicos profesionales ( con estudios musicales) sean los únicos que puedan cobrar, tengan su SS y su salario mínimo, las figuras musicales no cobren cantidades astronómicas por hacer nada, los medios de comunicación públicos como TVE y radios públicas estén al servicio de todos los músicos españoles, se limite el número de músicos extranjeros que puedan tocar en España ( como se hace en USA donde solo pueden tocar allí unos pocos músicos extranjeros que tengan un nivel internacional , con un visado de trabajo temporal para "talented aliens" , para proteger a los cientos de miles de músicos estadounidenses y sus puestos de trabajo ) , se de igualdad de oportunidades a todos los músicos españoles y se cumpla su derecho al trabajo como obliga la Constitución Española y se persigan las mafias y monopolios que controlan la profesión musical en España desde el franquismo, por ejemplo los managers que controlan quién puede tocar en las fiestas mayores de los pueblos y ciudades de Cataluña, que es una oportunidad para los músicos catalanes de ganar mucho dinero, desde hace muchos años solo pueden ser contratados los que estos managers dicen, y casi siempre son grupos musicales independentistas catalanes de dudosa calidad. CONCLUSIONES: Una nueva legislación sobre la profesión musical debería: mantener a los titulados en música por los conservatorios y escuelas de música homologadas, en su situación actual, como los profesionales de la música por derecho propio, los únicos que pueden ser profesores de música y que pueden dar conciertos remunerados de música clásica y de otros géneros , así como los que deben ganar más dinero entre todos los profesionales de la música, en razón de sus estudios. aceptar que existe otro tipo de músicos dedicados a los muchos géneros existentes en la música popular, que no tiene estudios musicales y a los que se debe obligar a seguir un cursillo mínimo de 3 meses en los que se les enseñe : teoría musical básica, lectura de partituras sencillas, composición básica de canciones y técnicas basicas del instrumento . Todo músico que aspire a tocar en público y a ser remunerado por ello deberá haber pasado este cursillo mínimo de 3 meses en alguna escuela de música homologada. Será condición indispensable que todo músico haya pasado este cursillo mínimo para poder tocar en público con remuneración. Todos los miembros de un grupo musical deberán acreditar este cursillo, así como cantautores y todo tipo de músicos. Deberá establecerse un baremo de precios por actuación según el aforo del local y sus características: para los bares musicales y pubs de menos de 50 personas de aforo, para los bares musicales, pubs y salas de conciertos entre 51 y 200 personas de aforo, para los conciertos con un aforo de más de 200 personas . Asimismo deberá establecerse un precio por actuación en radios, televisiones y según las canciones tocadas. Estos precios mínimos son los que se deberán cobrar en cada uno de esos casos. Se establecerá un límite en las ganancias que todo músico pueda recibir en España, por ejemplo un límite de 10 millones de pesetas al año entre remuneraciones por conciertos, derechos de autor y ventas de discos , de manera que todo músico que gane más de esta cantidad al año en España, deberá ceder ese dinero sobrante a la SGAE o a otro organismo autorizado que redistribuya este exceso de ganancias, entre los cientos de miles de músicos españoles, en forma de ayudas, becas, cursos y otras subvenciones, repartidas equitativamente entre todos estos músicos españoles. Las actuaciones de músicos en los medios públicos españoles ( radio y televisión) así como en los conciertos contratados por entes públicos como Ayuntamientos , se deberá seguir una cuota por la cual se contratará a músicos de todos los estilos musicales existentes, según esta cuota, y con una rotación anual por la cual cada año se contraten a unos músicos y el año siguiente a otros hasta que todos los músicos hayan tenido su oportunidad de ser contratados por el ente público, sea RTVE o sea un ayuntamiento. En el caso de medios privados, como televisiones privadas y empresas de espectáculos , no hay ninguna limitación ni cuota , puesto que en España existe libertad de empresa y las empresas pùblicas son libres de contratar a quien quieran y de organizar los conciertos que quieran y como quieran. SE limitará a un 25 % la presencia de músicos extranjeros que puedan ser contratados por medios públicos españoles, como RTVE , Ayuntamientos y otros. En el caso de contratación de músicos por parte de Ayuntamientos, se favorecerá en un 75 % la contratación de músicos del lugar, de la ciudad . En cuanto al ejercicio privado de la profesión musical, seguirá como en la actualidad, con la libertad de empresa garantizada por la Constitución Española, y por lo tanto con la libertad por todo músico español para organizar conciertos, giras y para conseguir bolos en empresas privadas como son las televisiones privadas, para cobrar por sus actuaciones el precio que considere conveniente , aunque limitado por el artículo que limita las ganancias de todo músico en España a 10 millones de pesetas anuales. El problema de la Seguridad Social para los músicos solo tiene importancia para aquellos músicos cuyas ganancias son altas, y este tipo de músicos son pocos en España. La mayoría de los músicos españoles cobra poco por tocar y lo hace casi siempre en locales pequeños, por lo cual sus ingresos son mínimos y no deberían causar problemas en los temas de Seguridad Social. Es posible que , de cuando en cuando, este tipo de músico semiprofesional que tiene otro empleo ( situación laboral mayoritaria entre los músicos españoles), consiga alguna actuación mejor pagada, en RTVE o gracias a un Ayuntamiento, y en ese caso esas ganancias deberían ser computadas como ingresos extraordinarios en la declaración de renta de cada uno de los músicos. Aquellos músicos que además poseen un estudio de grabación y son productores , a todos los efectos seguirán funcionando como empresarios autónomos como son actualmente. El reparto de subvenciones y ayudas públicas entre músicos deberá seguir una cuota por la cual todos los géneros musicales estén representados y además deberán ser repartidas equitativamente entre todos los cientos de miles de músicos que hay en España. Lord Blackmore Ahora que ya es viejo, se ve más claramente cuál ha sido la dirección de la vida de Ritchie Blackmore, que siempre ha vivido bien ( excepto los años de Hamburgo hacia 1967 cuando no tenía ni un duro) y siempre ha buscado tener una buena vida , con buenos hoteles y buenas condiciones de vida y dinero, siempre ha buscado tener éxito y hacer lo que le diera la gana, siguiendo sus caprichos años tras año, cambiando sus músicos según sus necesidades en este sentido, cambiando de pareja varias veces por el mismo motivo y siempre disfrutando de un estatus de estrella del rock bien pagada y con una buena situación económica. En otras palabras, Blackmore siempre se ha comportado como tantos otros lords de su país que siempre han vivido así desde hace siglos. Además, es muy típico también de su país el dedicar la vida al hedonismo puro, trabajando solo en lo que le gusta y haciendo solo lo que quiere, siempre buscando el máximo placer y la máxima felicidad personal, con un total egoísmo y egocentrismo y sin ningún escrúpulo ni problema de conciencia, y este tipo de inglés ha sido muy frecuente desde hace siglos, no solo entre los aristócratas, también entre sus piratas o sus científicos e incluso en reyes como Henry VIII que hacía siempre lo que le daba más placer , y si era necesario le cortaba el cuello a sus anteriores esposas y rompía con el Vaticano. Así pues, Blackmore es en este sentido muy inglés y muy típicamente inglés, solo dedicado al placer que le da tocar la guitarra y sin interés en nada más en el mundo, excepto el dinero. Ahora lo vemos más claramente, al hacer un balance de toda su vida, ahora que es viejo y toca solos sencillos y poco , tras más de 20 años dedicado a investigar en música medieval y renacentista con poco éxito ( su grupo Blackmore's Night no da dinero) y forzado a volver a tocar rock para ganar dinero ahora que tiene dos hijos y muchos más gastos, y hace lo mismo que tantas otras estrellas del cine y de la música han hecho de viejos, dar algunos conciertos bien pagados donde no ofrecen nada nuevo , solo un repaso a sus éxitos de siempre, así lo hicieron Frank Sinatra o B.B. King y tantos otros. Ahora que Blackmore necesita dinero, se busca un cantante buen imitador de sus cantantes anteriores y vuelve a tocar sus éxitos de siempre, sin nada de nuevo, sin matarse mucho con sus solos, y así se embolsa desde hace unos años unos cuantos millones con solo dos o tres conciertos al año. De esta manera Blackmore rentabiliza el ser una leyenda del rock y de la guitarra, porque muy pocas otras estrellas del rock podrían hacer esto que él hace , solo dar dos o tres conciertos al año y ganar mucho dinero con ellos, para su público de siempre, ese público que por 1975 él mismo se quejaba de que tenía unos 14 años de edad media y no entendía gran cosa de música y ahora somos esos mismos adolescentes pero ya tenemos 60 años y somos nostálgicos y por eso vamos a sus actuales conciertos, aunque seguimos sin saber gran cosa de música. Ahora que ya es viejo, se ha preparado una buena vejez con una mujer joven , y dos hijos que van a cuidar de él , porque Blackmore espera llegar a los 100 años como Kirk Douglas, al que se parece tanto en egoísmo y en egocentrismo, y esa será la vida que habrá llevado Lord Blackmore , una vida muy corriente entre los Lords ingleses desde hace siglos, dedicados solamente en toda su vida a satisfacer su sed de placer y de gozar de una buena vida y sin otra preocupación . La misma música que ha creado Blackmore a lo largo de los años se puede entender ahora como una música al servicio de su filosofía de vida hedonista, una música no demasiado difícil ( excepto cuando toca solos muy rápidos) y más bien simple, con un poco de todo, de rock and roll, de pop , de música clásica , de blues , Hank Marvin, Django Reinhardt, que le diera placer y que le permitiera tocar canciones divertidas, excitantes, sencillas, con gran espacio para "dispararse" en sus solos como él mismo dice y para improvisar, entendida la improvisación como una gran fuente de placer para el guitarrista, una música diseñada para su placer y para nada más, una música en la que se necesita especializarse y por eso existe una Blackmore School de tocar la guitarra y de hacer canciones , una escuela miles de veces imitada por miles de músicos en todo el mundo que imitan a Lord Blackmore, pues querrían vivir la gran vida que ha tenido Blackmore y querrían tocar la sencilla y a la vez excitante música que él ha desarrollado como estilo propio desde los años 60. Todos lo que lo imitan, querrían poder tocar esa música sencilla ( que luego complica con solos virtuosísticos que le dan gran placer al tocar ) y vivir la gran vida de Blackmore. Y poder mandar en un grupo musical como un dictador, con el resto del grupo a sus órdenes, y si se le rebelan, entonces Blackmore se va del grupo o reniega de los discos grabados en esa situación, como pasó con Fireball , Stormbringer o The House of the blue Light, discos de los que reniega porque se le fue de las manos el control del grupo. Y hay miles de músicos que pagarían por tocar para Blackmore, incluso siendo tratados como sus esclavos, porque fuera de esa Blackmore School es difícil encontrar músicos especializados en tocar de esa manera, pues el resto de músicos se pierden muchas veces en rollos jazzísticos o en subestilos aburridos . El estilo de la Blackmore School tiene muchos ingredientes que son difíciles de reunir en la música, pero que Blackmore consigue: sencillez, espacio para improvisaciones y solos espectaculares, espacio para variar y reformar las canciones de concierto en concierto, canciones excitantes, divertidas de tocar , que den gran placer al musico y al público, que usen las fórmulas musicales y los motivos musicales aportados por la música del siglo XX , desde el blues al jazz hasta Hendrix y lo que sea, pero tocados de una manera muy eficaz, y sobretodo, lo que siempre ha sido muy importante para Blackmore: tocar solo lo que tiene ganas de tocar y no padecer imposiciones de nadie ni obligaciones ni tener que obedecer a nadie , algo que Blackmore no soporta ya desde sus años de teenager cuando trabajaba como técnico electrónico en el aeropuerto de Heathrow, ( obligaciones e imposiciones que el mismo dictador Blackmore sí impone a los músicos que contrata, que no tienen esa libertad total que sí disfruta su empresario Blackmore ) . La fórmula de la Blackmore School ha sido muy rica y exitosa, imitada miles de veces, y no expresa nada más ni tiene otro significado que el proporcionar a su líder Blackmore una gran vida llena de placer tocando la guitarra y nada más, como en el objetivo en la vida de cualquier otro Lord inglés. Y hay que reconocer que Blackmore siempre ha tenido mucha suerte, porque otros músicos no han conseguido llevar la gran vida que ha llevado él, e incluso han tenido que sufrir atentados como John Lennon por parte de psicópatas que no soportaban su éxito, o que alguien les tirara una bomba mientras tocaban en el escenario, como les ha pasado a otros. Blackmore siempre ha tenido mucha suerte y siempre ha hecho lo que le ha dado la gana y sin encontrarse nunca a nadie que le parara los pies. Pero no debe extrañarnos nada que desde los años 60 haya aparecido un tipo de rock que llamamos " rock inglés" y que haya sido representado por individuos ingleses que eran Lords o que tenían pretensiones de llegar a ser Lords, como los Beatles, Eric Clapton, Jimmy Page, y muchos más, y es que la sociedad inglesa , que es muy clasista desde hace siglos, está montada sobre el deseo de todo inglés de llegar a ser un lord, todos los ingleses, incluso los más punks de clase obrera como Ozzy Osbourne y , por supuesto , todos los ingleses de clase media, aspiran a llegar a ser un Lord. Y los Lords ingleses son tipos muy especiales, a los que les gusta vivir bien, con refinamientos, conociendo lo mejor de la cultura mundial, no privándose de ningún sport propio de gentlemen ni de ningún pasatiempo ( entre el que incluyen la música y el arte en general ) y hay muchos ejemplos de este tipo de lord inglés en los siglos pasados, y en el siglo XX y hasta la actualidad, nuevos tipos de lord inglés han aparecido, procedentes el teatro como Laurence Olivier, del cine como Roger Moore o Alec Guiness, de la música , del deporte y de la literatura, o incluso de los negocios como Richard Danson, basta con revisar los Sirs y Lords que la reina de Inglaterra ha nombrado en los últimos 70 años. Y no es exagerado decir que los músicos de rock aparecidos desde los años 60 hasta la actualidad, no son más que Lords que se han acercado a una música vulgar norteamericana como era el rock and roll y el blues, vulgar pero divertida y excitante, y lo han convertido en algo de más categoría, adaptado a sus gustos de lord inglés, un rock and roll mejor tocado y con más clase. Por eso, para entender el rock inglés tenemos que tener en cuenta que está hecho por Lords ingleses, o por pretendientes a serlo. Brian May es ya de por sí mismo un gentleman de este tipo, y el tipo que nos ocupa ahora, Ritchie Blackmore, siempre ha tenido gustos aristocráticos, tanto en su estilo de vida como en sus gustos musicales y en su proyecto musical de Deep Purple ( considerados siempre como los aristócratas del rock duro inglés) y , como tantos otros lords ingleses , tomó de Hendrix todas sus ideas y les dió una forma menos vulgar y con más categoría. Porque es característico de los Lords ingleses de todos los siglos el no querer privarse de lo excitante que aparezca en su siglo, adaptado a su refinada concepción de la vida. Por eso ha sido en Inglaterra donde han aparecido la mayoría de los deportes actuales, desde el fútbol hasta el golf, pero también las carreras de coches entendidas como un deporte peligroso que debe ser practicado por lords o gentlemen, porque si no, se convierte en una sucesión de accidentes espantosos . El lord inglés no sabe privarse de los nuevos juguetes que aparecen en su época, sean aviones o coches de carreras ( como le pasó a Lord Hesketh ) o el cine o las guitarras eléctricas, pero se acerca a todos estos gadgets con precaución y siempre buscando darle un contenido más elevado, como con más clase como corresponde a un Lord inglés. En Ritchie Blackmore, contemplad su carrera ahora que es viejo, y apreciamos toda esta intención de ser un lord inglés con la típica mentalidad del lord inglés, su búsqueda perfeccionista de que su música fuera tocada por los mejores músicos disponibles, en buscar algo más que solo tocar rock and roll, en llevar una buena vida de alta calidad con dinero y una buena situación. Los fanáticos de Blackmore dirán que les importa un rábano si su ídolo es un lord inglés o no, lo único que les importa son sus logros como guitarrista, que son muchos, pero esos logros no los habría alcanzado si no hubiera tenido una buena vida . Por lo tanto, cuando se escuche al rock inglés, se tiene que tener en cuenta que está hecho por lords ingleses o por pretendientes a serlo, y que los cientos de miles de imitadores de estos músicos ingleses que podemos encontrar en todos los países del mundo, en realidad lo que querrían es ser un lord inglés con su típica mentalidad de lord inglés y su estilo de vida de calidad. En otras palabras, si unos cuantos lords ingleses se hubieran reunido para hacer rock, les habría salido algo muy parecido a Deep Purple, Yes, Génesis, Led Zeppelin ... Pero no estamos diciendo nada nuevo, todo esto ya lo denunciaron los punks a finales de los años 70 , cuando llamaban a estos supergrupos ingleses : " los dinosaurios del rock". En este sentido , el movimietno punk de los años 70 significó una democratización de la música, que hasta entonces solo podía ser hecha por aristócratas elitistas formados en conservatorios y escuelas de jazz, a partir del punk cualquiera podía tocar y pasárselo bien en un escenario, aunque solo supiera tocar 3 acordes. Lord Blackmore siempre suponía para los punks el enemigo a vencer, el aristócrata del rock que solo existía para él mismo y su placer , y que solo aceptaba al resto del mundo si venía a sus conciertos como público pasivo a escuchar sus interminables solos, que es lo que sigue haciendo el público fiel a Lord Blackmore , como vemos estos últimos veranos con sus conciertos por Europa. En una entrevista de 1974, Blackmore se muestra más bien como un existencialista, lo cual no es raro teniendo en cuenta que se crió en los años 50, que fueron la década de los existencialistas y que la aparición del mismo rock and roll en esos años está vinculada a esa manera de pensar tan simple y a la vez desgarrada: Blackmore dice que se pregunta por qué está en este mundo, quién es él y por qué hace lo que está haciendo, recuerda que de niño se pasaba horas mirando por la ventana y , teniendo en cuenta su origen familiar, su padre matemático y él mismo técnico electrónico, se puede entender que de esta familia típica de tecnócratas surgiera un músico, que como tantas otras veces en tecnócratas cuando se acercan a la música, acaba viendo la música como un asunto de técnica y de tecnología y de llegar a un nivel alto en esa técnica, toda la carrera musical de Blackmore se puede resumir diciendo que es el típico tecnócrata que se ha dedicado a la música buscando alcanzar un dominio técnico y un nivel alto , como exigía cuandol director musical de sus grupos como DP, y que como existencialista con tendencias depresivas, como dice el mismo que escucha lam  suica bien hecha es lo que le enima más a seguir viviendo, encontró en lam suica , sus técnicas y suposiblidad de alcanzar un alto nivel técnico en ella, un sentido a su existencia. Luego, con los años, también encontró un sentido a su existencia al ver el poder que tenía, cuando estaba en el escenario, sobre mucha gente y él mismo dice que le gusta sentir ese poder , especialmente cuando toca en un buen concierto, cuando se siente en la cima del mundo. Adicto al poder sobre las masas y al poder que da tocar un aguitarra eléctrica con muchos cientos de watios de amplificación, Blackmore ha pasado por la vida superando su depresión esencial típica de existencialista, gracias a encontrar un sentido a su vida en la técnica musical y en el poder que sentía en un escenario. Pero desde el punto de vita artístico , qué ha aportado la obra musical de Blackmore ? Probablemente muy poco, ya que la mayoría de canciones y solos de Blackmore no son más que adaptaciones de motivos musicales provenientes del jazz, del blues, del rock and roll, de la música clásica y del folk , pero Blackmore, como buen tecnócrata, solo se ha dedicado a la música para tener éxito, para que funcionara lo qeu hacía, para que diera dinero, porque si no, ningún tecnócrata emprende ningún proyecto. Y por eso Blackmore ha desarrollado desde su adolescencia una manera de tocar y de componer canciones que es muy comercial, tomando un poco de Hendrix, otro poco de Hank Marvin, otro de Les Paul, otro poco de Chuck Berry, etc, hasta desarrollar un estilo propio muy comercial que le ha dado mucho éxito y dinero. Por eso sabemos qeu existen miles de otros buenos guitarristas que tocan bien, pero ninguno tiene el éxito de Blackmore, y es porque él se ha preocupado de alcanzar un estilo que fuera muy comercial. Tampoco podemos imaginar a un Blackmore que hubiera pasado toda su vida como un desconocido y oscuro guitarrista de sesión de estudio de grabación o de pequeño club como el Star de Hamburgo, solo podemos imaginar a una personalidad como Blackmore viviendo siempre bien, con dinero, aunque él se queje de que se ha pasado la mayor parte de su vida en hoteles y viajes, pero siempre de 5 estrellas. Un tecnócrata solo se dedica a la música si ve que puede ganar dinero con ello y tener éxito. También es típico de un tecnócrata como Blackmore su ansia de perfeccionismo, el buscar siempre lso mejores músicos disponibles para su grupo, los mejores amplis, los mejores equipos de sonido y estudios de grabación. Y , al final, lo que distingue a los grupos de Blackmore de cientos de otros grupos de rock, es su calidad, tanto al tocar como al componer y al grabar , y ese perfeccionismo tecnócrata de Blackmore es , en gran parte, el que le ha asegurado su éxito comercial. Y no olvidemos que este tipo vive muy bien desde 1969, acostumbrado a una gran calidad de vida, a hoteles de cinco estrellas, y que seguramente después de su concierto en Fuengirola este junio de 2019 , se fue a Gibraltar a ingresar en una cuenta bancaria de allí sus ganancias.

Hijos de Wagner: Los músicos vulgares indecentes usan todo tipo de trucos musicales para ganar dinero fácil y conseguir un éxito fácil. Así , como los tenores italianos del siglo XVI y XVII, abusan de los adornos a las melodías que les escriben los compositores , adornos como mordentes, trinos y apoyaturas, para impresionar a su público, como hacían Whitney Houston o Mariah Carey y sus miles de imitadoras que se dedican a gritar , sobretodo cuando cantan en estilo soul, creyéndose que son grandes cantantes cuando lo único que hacen es gritar, este tipo de cantantes que adornaban sus melodías con todo tipo de trinos y de improvisaciones, llevó a la ópera italiana de esos siglos a una degradación, entre el desprecio de los compositores franceses y alemanes que odiaban estas prácticas vulgares de los cantantes italianos. Lo mismo ocurre en nuestra época, que está llena de cantantes que usan trucos musicales baratos para conseguir el éxito fácil, en operación triunfo y en tantos programas de mala música en la TV, y lo mismo ocurre con los músicos de rock, especialmente de heavy, que usan una serie de trucos musicales baratos para impresionar a su público, trucos que debemos atribuir a Wagner su introducción en la música seria o clásica, pues Wagner es el compositor que más usó estos trucos baratos en sus óperas, aunque en su caso casi siempre estaba justificado este uso para enfatizar un pasaje épico , grandioso o importante de sus óperas. Wagner es, pues, el culpable del uso desmedido en la música clásica posterior a él y en la música popular del siglo XX como el rock y el heavy, de toda clase de trucos musicales efectistas como son las modulaciones a tonalidades lejanas e inesperadas que producen una sensación de poder y de euforia, o el uso de climax y crescendos y cualquier otro recurso musical que produzca excitación o sensación de poder en el músico. Wagner, al menos, usaba todos estos recursos musicales con justificación por el carácter grandioso de muchas de sus óperas, pero la música vulgar del siglo XX como el rock solo usa estos recursos excitantes y ninguno más, creando un tipo de música muy limitada y cerrada, que puede tener una justificación como manifestación de una rebeldía juvenil o existencial, pero que después de los años 60 degenera en el heavy , que es ya la degradación musical total, la antimúsica donde solo se escuchan trucos musicales baratos que produzcan excitación, y no hay nada más. Pero la música es mucho más que esos recursos musicales indecentes, la música tiene muchos más recursos y muchas más técnicas, por eso reducir la música a un mero espectáculo de sonidos excitantes y grandiosos producidos con un distorsionador, como se hace en el rock y en el heavy, es empobrecer la música y ofrecer un producto musical pobre y estúpido para un público vulgar e ignorante de lo que es realmente la música. Y el culpable de que haya aparecido el rock y el heavy en el siglo XX ha sido Wagner, pues antes de él todos estos recursos eran usados raramente y solo cuando estuviera justificado por el libreto de una ópera o por el desarrollo de una sinfonía, ya que la mayoría de los compositores anteriores a Wagner consideraban estos recursos musicales como propios de bárbaros, de culturas primitivas, como el uso de las escalas pentatónicas, que producen efectos tan potentes en el público y que pertenecen realmente a las culturas primitivas, todas ellas usaron las escalas pentatónicas porque son las más sencillas de todas. Los compositores anteriores a Wagner usaban todos estos recursos musicales con precaución, considerando indecente usarlos para lograr un aplauso fácil de un público ignorante. En cambio, los cantamañanas actuales de la música comercial, como los de Operación Triunfo y los del heavy, usan estos trucos baratos musicales constantemente precisamente porque quieren hacerse millonarios en dos días y quieren conseguir un éxito rápido y fácil. Y Wagner es el culpable de que estos recursos musicales tan potentes , pero bárbaros en el fondo, se pusieran de moda tanto en la música clásica como en la vulgar, pues antes de Wagner estos recursos musicales eran considerados de mal gusto, feos y desagradables, además de deshonestos. Por eso llamamos hijos de Wagner a los rockeros y a los del heavy, porque sin Wagner todas esas modulaciones bárbaras y todos esos pasajes épicos grandilocuentes no habrían llegado a la música y seguirían siendo considerados como antimusicales e impropios de una persona civilizada. Han imitado lo peor de Wagner sin entender nada del resto de su obra musical, y les ha salido una grandilocuencia vacía, estúpida, kitsch y sin sentido , allí donde Wagner habia logrado una grandiosidad musical, porque en Wagner había pensamiento , mientras que en sus imitadores del rock o del heavy , no hay nada, solo la búsqueda de unas fórmulas musicales que impresionen a su público. En el conservatorio, tanto profesores como alumnos piensan de la misma manera, porque pasar por un conservatorio de música clásica impone un carácter y un esprit de corps, y es opinión mayoritaria en los conservatorios que Operación triunfo es música indecente , deshonesta, que usa recursos musicales baratos para conseguir el éxito fácil, y los músicos de conservatorio consideran que ellos no pueden hacer eso, precisamente por haber pasado por un conservatorio y por tener un concepto mucho más noble y decente de la profesión musical. Es opinión mayoritaria en los conservatorios que Operación Triunfo es mala música y propia de rufianes, y que la mayoría de la música vulgar como el rock e incluso el jazz son músicas que explotan unos recursos musicales muy concretos para conseguir una excitación y una euforia fácil en su público y que son, por lo tanto, músicas muy limitadas y que no deberían taner más valor artístico que el de un entretenimiento musical, un scherzo, como lo es gran parte del jazz en tanto que es una música improvisada con una serie de materiales musicales como escalas y modos que se usan sobre diversos tipos de acordes, y nada más hay en el jazz. Por supuesto, hay músicos de jazz que son muy hábiles al improvisar pero eso no quita que el jazz, como música , no sea más que un divertimento musical sin valor artístico. La influencia de Wagner y sus pasajes impactantes , como la cabalgata de las walkirias , y sus miles de imitaciones en el rock y el heavy, ha llegado a un punto que actualmente los ignorantes en música, que son la mayoría del público y de los periodistas radiofónicos , se creen que lo único que es bueno en música es lo que sea muy impactante con poderosos riffs o en sus power chords o en lo que sea, y no saben que esos momentos impactantes que ellos buscan en las canciones que luego convierten en canciones del verano o superéxitos mundiales, no son más que los momentos impactantes que busca cualquier ignorante en música que no sabe nada de música y al que en su cabezota y en sus oídos no le entran nada más que esos momentos impactantes porque no entiende de nada más en música. Por eso nos encontramos con el fenómeno actual de que la gente va escuchando música en You Tube o Spotyfy y solo aguanta unos cuantos segundos de cada canción antes de cansarse y cambiar a otra canción, porque solo busca esos momentos impactantes en una canción y no tiene paciencia para escucharla entera, y lo mismo ocurre en los fragmentos de canciones que aparecen en televisión en anuncios o como fondos musicales en programas, con fragmentos como "The show must go on " de Queen o cualquier riff potente de heavy. El público actual, tan memo, solo atiende a esos momentos impactantes y de gran poder energético y euforizante que tienen algunas canciones y es incapaz de escuchar nada más en música. Y todo esto se lo tenemos que reprochar a Wagner. En los cantantes, el abuso de trinos y florituras y de apogiaturas y mordentes, al estilo de Whitney Houston y de Mariah Carey, ha llenado los países de cantantes femeninas, a miles , imitadoras de aquellas y que se creen que cantan muy bien porque gritan mucho y porque llenan de improvisaciones las melodías que cantan. En realidad están haciendo el ridículo pero no se enteran. Eso no es música, eso es no saber nada de música y no saben que el abuso de estos trucos musicales para agradar a un público imbécil ya se ha dado en todos los siglos y siempre ha sido criiticado por los músicos de verdad, los músicos decentes no usan esos trucos musicales baratos para conseguir el favor de un público tonto. Como el uso de terceras y de sextas constantemente, tan dulces como suenan, otro recurso que todos los compositores clásicos han usado con mucha prudencia y solo cuando estuviera justificado por el carácter de la obra musical. Los compositores de verdad usan todos estos trucos musicales con mucha prudencia y sabiendo el gran efecto que causan en el público ignorante, y por ello no abusan de estos trucos baratos musicales y los usan solo cuando esté justificado. En cambio, los músicos vulgares solo usan esos trucos baratos porque quieren conseguir un éxito fácil y rápido, como hacen los de Operación triunfo y los del heavy. Los compositores de conservatorio han sido entrenados para usar todos los recursos musicales existentes con mesura y con equilibrio, y el mismo paso por un conservatorio les obliga a comportarse como caballeros y no usar esos trucos baratos musicales para enriquecerse fácilmente. Aunque en nuestra época hay unos profesores de conservatorio tan despistados como los del Conservatorio de Madrid , al que unos cuantos rockeros vulgares les han comido el coco para que permitan una cátedra de heavy en ese conservatorio, cuando el heavy es la antimúsica y es anticonservatorio por esencia. Así de perdidos hay ahora muchos profesores de música clásica que no saben qué está pasando y a los que les es fácil colocarles el heavy como una música " de verdad ", cuando solo es un montón de ruido hecho por gente llena de conceptos musicales y artísticos mal entendidos. Y pàra los que crean que estas opiniones mías son muy "personales", les recomiendo que se paseen por un conservatorio y escuchen lo que dicen allí los profesores y los alumnos, qué dicen sobre Operación triunfo y sobre la música vulgar, porque la mayoría de los músicos de conservatorio opina lo mismo que yo y de hecho , mis opiniones escritas aquí no son originales mías sino que se las he escuchado muchas veces a mis profesores del conservatorio. Desafortunadamente, hay en la actualidad un tipo de profesor de conservatorio que es además músico de jazz, y es un fanático el jazz, contra toda racionalidad y contra toda teoría de la música que dice que el jazz solo es un divertimiento musical sin más importancia. Como muchos profesores de conservatorio actualmente también son músicos de jazz, nunca aceptan que se hable mal del jazz y además lo ponen por las nubes como estilo musical, cuando en realidad no es nada. Por eso hay qye tener cuidado ahora con este tipo de profesores de conservatorio que son además músicos de jazz, porque sus opiniones son las de unos fanáticos , pero pasarán, como han pasado en la historia de la música todas las modas musicales de poco valor artístico, y los actuales profesores de conservatorio que son fanáticos del jazz también pasarán y dentro de 50 años nadie se acordará de ellos y los conservatorios volverán a estar llenos de profesores de música de verdad. Porque deben ser los conservatorios de música y los departamentos de historia del arte donde se decida qué es lo que tiene valor artístico y por qué, y no lo puede decidir gente ignorante que no sabe nada de arte ni de música y que está influida por campañas de promoción y de marketing como las de Operación triunfo. El público no debe decidir lo que es arte y lo que vale o no vale nada, porque el público está formado por gente muy diversa, hay necios y hay cultos, hay opiniones de todo tipo en música entre el público, y es imposible satisfacer a cada persona del público porque se tendría que hacer una obra de arte para cada uno de ellos, por eso el público, como en medicina, no es quien debe decidir en arte, como en medicina no puede decidir el vulgo ignorante sino los médicos profesionales. Por eso deben seguir existiendo los conservatorios de música y los departamentos de historia del arte, para que defiendan al arte puro , no contaminado por procesos industriales ni campañas de marketing ni por modas ni por los gustos vulgares. Por eso los profesores de conservatorio y los historiadores del arte siempre están en conflicto con lo que le gusta al público vulgar en arte . Por otra parte, las leyes de la economía, entre ellas las de la oferta y la demanda, nos dicen que cuando un producto es fácil de fabricar y lo producen miles de fabricantes, ese producto pierde valor y se vende por casi nada . Es lo que está ocurriendo ahora mismo con la música popular. Reconocemos que la música popular ha existido siempre, en todos los siglos pasados , y en la Edad Media con los trovadores y los juglares era un asunto de músicos vagabundos que iban de pueblo en pueblo y tocaban por cuatro perras gordas, aprovechando que en esa época la única manera de escuchar música era tocándola en directo, porque no existían los discos ni las cintas de magnetófono, así que los músicos populares de los siglos pasados podían ganarse la vida malamente tocando por los pueblos y las tabernas porque no había otra manera de encontrar música. En nuestra época, con tantos bares y pubs y distocecas que ponen música enlatada, la mayoría de los músicos se ha quedado sin trabajo porque los empresarios prefieren poner música enlatada que es más barata. De todas maneras, muy pocos músicos se han hecho ricos con la música en el pasado, solo unas cuantas figuras en cada siglo, tanto en occidente como en los países musulmanes, y unos pocos compositores de música clásica . El resto de músicos siempre ha sobrevivido como ha podido . Con la llegada de internet, que ha puesto gratis al alcance de la gente millones de canciones y de obras musicales , los músicos actuales se han visto condenados a la miseria, pues ahora solo unas pocas figuras ganan mucho dinero realmente, gracias a ser muy promocionados por todos sitios, desde la tv hasta la radio y la prensa. Aunque desde el punto de vista estrictamente musical, la mayoría de figuras actuales de la música popular no ofrecen nada de especial, solo canciones como tantas otras. En nuestra época, la profesión de músico ha entrado en una grave crisis, tanto por culpa de internet como por culpa de que han aparecido cientos de miles de grupos musicales, cantautores y músicos de jazz y de todos los estilos, en cada ciudad occidental y del resto del mundo, y evidentemente no hay trabajo para todos, lo que lleva a que una gran parte de los músicos actuales no tenga ninguna oportunidad de tocar en público ni de hacer nada en la vida como músico. Además, por la aparición de instrumentos electrónicos cada vez más fáciles de tocar, de programas informáticos que facilitan todo el trabajo musical, tanto la composición como la grabación y la masterización, y de que está al alcance de todo el mundo conseguir una gran calidad de sonido en sus grabaciones. Por todo ello, millones de individuos se dedican a hacer música actualmente, porque resulta que han descubierto que es fácil hacer música hoy en día con tanta electrónica, y tanbién han descubierto con los karaokes que es fácil cantar en nuestra época , gracias a las muchas ayudas en efectos de sonido de las que disponen los cantantes . Entre una cosa y la otra, la música actualmente ha entrado en una época de desvalorización, porque es fácil hacer música hoy en día y por eso hay millones de grupos musicales actualmente. Y como hemos explicado antes respecto a las leyes de la economía, cuando hay millones que hacen lo mismo, el producto que fabrican pierde valor . Es lo que ocurre actualmente en la música popular, con tantos millones de grupos musicales haciendo lo mismo, su producto ya no tiene ningún valor. Sin embargo, la mayoría de los músicos que tocan en estos grupos musicales están satisfechos con tocar la guitarra o cantar porque era la ilusión de su vida, y muchos de ellos se dedican a esto cuando se jubilan y entonces tienen tiempo para hacer lo que siempre habían querido ser en la vida: una estrella del rock , aunque fuera solo por un día. Y así estamos, con cientos de miles de grupos musicales en el mundo que no ganan ni un duro ni tienen ningún futuro pero cuyos miembros están contentos con tocar porque era la ilusión de su vida. Y es que la mayoría de la gente ha soñado alguna vez con saber tocar la guitarra eléctrica y jugar con todos los efectos de sonido de los que se disponen para este instrumento, es como un juguete con el cual todos los niños han querido jugar alguna vez. Y además muchos descubren que con los medios electrónicos actuales es más fácil tocar la guitarra eléctrica y grabar . Por eso la música popular está actualmente en una gran crisis . Aquellos músicos profesionales que tienen estudios del Taller de Musics o similar, se encuentran que tampoco encuentran trabajo, o que les pagan poco por tocar, porque sufren también esta crisis general que se da actualmente en la música popular. La gente no aprecia lo que saben tocar los músicos profesionales y no le da ningún valor. Y quizás es un castigo que tienen bien merecido muchos músicos de jazz, todos ellos muy engreídos, que se creen que su música de jazz es una música superior a las demás y solo para gente " superior", y ahora se están dando cuenta de que su música de jazz solo es un estilo más, que requiere muchos conocimientos de teoría musical, pero nada más, porque al final los cientos de miles de grupos de jazz que existen son casi todos imitadores de las grandes figuras del jazz y todos estos grupos de jazz tocan más o menos igual y lo mismo. El jazz no será la música popular del siglo XXI como quería Jaco Pastorius sino que en el siglo XXI asistimos a una desvalorización del jazz, que se ve arrinconado a ser solo un estilo musical más , con su sonoridad propia por el uso de acordes con muchas notas alteradas y sus solos llenos de escalas raras, y poco más es el jazz, y con sus músicos condenados a tocar por poco dinero en los pocos clubs de jazz que existen en cada país. Es por ello por lo que los pocos clubs de jazz que existen, como el Jazz Cava de Terrassa, se convierten fácilmente en un club cerrado mafioso que controlan unos cuantos músicos de jazz locales para tener un lugar donde poder tocar, al mismo tiempo que consiguen una gran cantidad de dinero en subvenciones por parte de su ayuntamiento y de la Generalitat. Siempre con el pretexto de que el jazz es una música minoritaria que necesita el apoyo estatal para sobrevivir: efectivamente es una música minoritaria, porque es solo un divertimento musical sin más subtancia. Pero los músicos del jazz siempre quieren presentar a su música como más importante de lo que realmente es. Se trata de un caso claro de enviciamiento en un estilo musical muy cerrado, del cual sus fanáticos son incapaces de salir , como ocurre también en muchos otros estilos y subestilos de la música vulgar, como en el heavy por ejemplo. Los practicantes de estos estilos caen fácilmente en el fanatismo por el cual solo son capaces de apreciar su estilo y además difaman a los otros estilos musicales , siendo incapaces de darse cuenta de que el estilo que ellos tocan no es más que eso, un estilo musical como los demás. En definitiva, las leyes de la economía son inexorables y lo estamos comprobando estos días totalmente, la música que hace 50 años daba mucho dinero, ahora no da ni un duro porque el mundo se ha llenado de cientos de miles de imitadores de esos músicos de hace 50 años , llevando a esa música a perder su valor , como ocurre siempre cuando miles de fabricantes producen el mismo producto. Así ocurre en otras disciplinas artísticas, donde un grabado podía tener mucho valor en los siglos en que solo se podían hacer con xilografías, pero que cuando aparece el grabado por aguafuerte y más tarde los procedimientos de imprenta actuales, los grabados bajan su precio a niveles casi regalados, y lo mismo con las acuarelas o las pinturas de paisajes que ya nadie compra. Actualmente hay millones de grupos musicales tocando lo mismo y su producto ha perdido casi todo su valor. Los managers y productores de música lo saben y por eso buscan controlar , como sea, las pocas oportunidades de negocio musical que quedan en España, como son los grandes conciertos del verano y los programas de Operación triunfo, porque fuera de esas ocasiones no hay nada que hacer en música actualmente en España. Por eso en Cataluña siempre son unos pocos grupos musicales y otros músicos catalanes , todos indepes, los que controlan cada año quiénes pueden tocar en las pocas oportunidades que hay en Cataluña para ganar dinero con la música popular , como son los conciertos de verano, las apariciones en Tv3 y las radios indepes y la promoción constante por esos medios así como tocar en las fiestas mayores de los pueblos de Cataluña, y siempre son cuatro grupos musicales los que controlan esas pocas posibilidades de salir adelante en la música en Cataluña. Y mientras tanto hay miles de grupos catalanes, la mayoría de ellos también indepes, que no tienen ninguna oportunidad, y lo mismo pasa con miles de cantautores y otros músicos catalanes. Y, sin embargo, las diferencias entre los pocos grupos musicales y músicos que controlan el negocio musical en Cataluña, son mínimas respecto a los otros miles de grupos y de músicos que no consiguen nunca salir de su garage, ni del circuito de salas pequeñas donde tocan por cuatro duros, cuando las diferencias musicales entre todos ellos son mínimas, porque todos cantan y tocan más o menos igual y lo mismo: una especie de rock o pop comercial en catalán ( o una mala imitación de Lluis Llach ) . Hablemos ahora otra vez de la guitarra eléctrica, cuando aparece con Les Paul en los años 40, es solamente una guitarra acústica con un poco de amplificación, pero Les Paul empieza una tendencia que ha seguido luego hasta nuestros días, que es la de hacer trampas para conseguir sonidos de la guitarra eléctrica que sean cada vez más impresionantes y excitantes, Les Paul es quien primero usa trampas para conseguir impresionar a su público, graba varias guitarras a la vez en varias pistas distintas, acelera la velocidad de las grabaciones y usa sus manos como lo haría un malabarista por todo el mástil para poder tocar pasajes muy rápidos o espectaculares. Después de Les Paul, todos los guitarristas eléctricos han hecho trampas, modificando alguna parte de su guitarra o de su equipo de amplificación, para conseguir un sonido propio que explotar o para impresionar a su público. Es famoso el uso del efecto de sustain por Santana para conseguir notas que duren mucho, o el fuzz de Jeff Beck desde los años 60, o conectar varios amplis en serie y ponerlos en saturación como hacía Hendrix, bajar la afinación de las cuerdas para que sean más blandas al tocar y estirar, o usar cuerdas de calibre muy delgado para lo mismo, o modificar los mástiles para que sean cada vez más lisos y rectos o lijando el espacio entre los trastes, o modificando las pastillas, o con el uso de la palanca whammy, o usando púas de concha de tortuga o modificando los amplificadores y los pedales de sonido o añadiendo reverberación y muchos más trucos secretos que tiene cada guitarrista eléctrico y que usa siempre con el mismo fin: impresionar a un público imbécil que le pide solos de guitarra con un sonido espectacular y lleno de marcha . Los guitarristas auténticos, los guitarristas de verdad, no usan ninguno de estos trucos y cuando quieren tocar la guitarra eléctrica, se limitan a usar una de serie de Fender o Gibson, sin modificar nada y con cuerdas normales y afinación normal, pero este tipo de guitarristas , como Joe Pass , es muy poco apreciado por el público, pues aunque su manera de tocar exige mucho más esfuerzo y trabajo, porque no usan ningún truco como los otros guitarristas eléctricos demagogos ( porque tocan lo que les pide el pueblo) , y tocar con esas guitarras secas sin ningún efecto, es mucho más difícil y el sonido es más puro y auténtico pero no es lo que espera la mayoría del público , que , como ya hemos dicho, quiere escuchar solos de guitarra desgarradores y excitantes, y , en su ignorancia, cree que los guitarristas que tocan de esta manera como quiere el vulgo, son mejores guitarristas que los que tocan sin efectos ni ayudas ni trampas, cuando en la realidad es todo lo contrario, es mucho más difícil tocar la guitarra eléctrica sin ninguna trampa ni truco, pero el público en general no aprecia a los guitarristas auténticos que tocan la guitarra eléctrica de verdad. Además hoy en día hay guitarras eléctricas llenas de electrónica que todavía facilitan más la ejecución y la interpretación con esas guitarras, lo cual permite que muchos guitarristas malos que con una guitarra eléctrica de verdad, como una Gibson Les Paul, que con esa guitarra eléctrica de verdad no serían capaces más que de tocar cuatro notas mal tocadas, con las guitarras eléctricas que hay ahora llenas de efectos y electrónica, parece que saben tocar mucho y se hacen pasar por grandes guitarristas cuando en realidad lo que tocan es todo muy facilitado por las guitarras eléctricas actuales y no tiene ningún merito. Pero esto el público en general no lo sabe. Además, los guitarristas eléctricos tienen muy mala fama de maniáticos y de gente imposible, porque pierden fácilmente la noción de la realidad y se les va la olla, en gran parte ello es debido a que deben satisfacer a un público que les pide solos espectaculares con un gran sonido, y ellos se ven obligados a encontrar nuevos trucos para impresionar a su público, lo cual causa esa personalidad tan especial que tienen tantos guitarristas eléctricos. Además se vuelven muy engreídos y no tienen en cuenta de que están tocando unos instrumentos muy facilitados llenos de trucos, de trampas y de efectos electrónicos. Y es que las guitarras eléctricas actuales, con tanta electrónica, se parecen mucho a un juguete de niños que todos los niños quieren probar de tocar , para ver qué les sale y por eso hay ahora mismo millones literalmente de guitarristas eléctricos por todo el mundo, y muchos de ellos son jubilados que se han comprado una guitarra eléctrica en su jubilación porque ahora que tienen tiempo, quieren probar qué es ese juguete. Aquí, como en tantas otras cosas en la vida, las apariencias engañan, pues muchos guitarristas eléctricos que el público actual cree que son grandes guitarristas , en realidad si les das una guitarra española en las manos, son incapaces de tocar nada porque todo lo que tocan en la guitarra eléctrica surge de una gran cantidad de trucos y de efectos electrónicos de los que se dispone actualmente. Y los guitarristas eléctricos que son verdaderos y auténticos guitarristas porque no usan ningún truco ( aparte de la amplificación que conlleva la guitarra eléctrica), no son apreciados por el público vulgar . Y es que hay muchos guitarristas eléctricos que solo saben tocar si usan muchos efectos de sonido, con amplificadores saturados y a volumen más bien alto y con guitarras que no son las mejores sino imitaciones y que son más fáciles de tocar, También hay los guitarristas profesionales que son capaces de tocar tanto la guitarra eléctrica pura , como la guitarra eléctrica llena de trampas y trucos, y lo hacen según quién les contrata, si es un cantante comercial que le pide solos desgarradores y excitantes en sus canciones noñas , este guitarrista profesional toca con una guitarra eléctrica llena de trucos, pero luego en privado reniega de esa manera de tocar y dice que solo lo hace por dinero, y dice que a él lo que le gusta es tocar la guitarra eléctrica pura, como hace en privado o tocando en pequeños clubs, casi siempre de jazz. Este tipo de guitarrista profesional es frecuente viéndolo tocar con famosos cantantes comerciales actuales, y luego te los puedes encontrar por la noche tocando en algún club de jazz , tocando la guitarra eléctrica pura sin ningún truco. La mayoría de estos guitarristas profesionales consideran que cuando tocan la guitarra eléctrica llena de trucos, lo hacen solo por dinero y que esa manera de tocar al guitarra no tienen ningún valor y lo hacen porque hay un público estúpido que no entiende de música que lo pide, pero a este guitarrista profesional lo que le gusta realmente tocar es la guitarra eléctrica pura, que es lo que él considera que es realmente arte. Cuando toca la guitarra eléctrica llena de trucos, lo considera como un simple show para la masa. Por eso decimos que la historia de la guitarra eléctrica desde Les Paul , es la historia de unos tramposos. Es difícil encontrar otro instrumento que permita tantas modificaciones de sus partes y de sus accesorios para lograr sonidos excitantes e irresistibles, es decir, que permita ser modificado para fabricar unos sonidos que consigan satisfacer las exigencias de un público vulgar, de hecho creemos que no hay otro instrumento así como es la guitarra eléctrica, exceptuando quizás al sintetizador. Decíamos que en un país democrático se debería dar una democracia musical, es decir, debería ser un país donde todos sus músicos tuvieran sus derechos constitucionales reconocidos y protegidos, el derecho al trabajo como músico, el derecho a la igualdad de oportunidades y el derecho a la libre empresa contra los monopolios que son frecuentes en esta profesión. Pero en España ninguna de estas condiciones se cumple para con los músicos profesionales, vivimos en una dictadura musical que es la misma que se daba en el franquismo , donde unos managers y directivos tienen el monopolio de decidir quién puede tocar en conciertos y festivales, así como en Tv y radios, mientras cientos de miles de músicos españoles no tienen ninguna oportunidad de trabajo, que es exactamente la misma situación en la que estaba la profesión musical durante el franquismo. En una democracia musical, todos los ciudadanos deberían tener la oportunidad de hacer música y de presentarla en público, y se puede decir que en nuestra época la electrónica y la informática han democratizado enormemente la música , porque ahora cualquiera sin conocimientos de teoría musical ni estudios, puede hacer música en su casa y grabarla con los programas informáticos y los instrumentos electrónicos fáciles de tocar que existen actualmente. Se trata, por lo tanto, de una verdadera democratización de la música, pero los cantantes comerciales, esos que necesitan ganar mucho dinero haciendo música comercial, no están conformes con haber perdido sus oportunidades de enriquecerse y han reaccionado montando los numeritos de Operación triunfo y otros programas parecidos, que no son más que karaokes encubiertos, y los managers y directivos que necesitan ganar mucho dinero con la música han conseguido en estos últimos años en España que la música comercial sea la única existente , promocionada todo el día por la tv pública ( de manera ilegal) , y de esta manera han reaccionado contra la enorme democratización de la música que se ha dado gracias a la informática y a la electrónica en los últimos 20 años. La industria de la música comercial española se las ha ingeniado para crear unas cuantas figuras a partir de unos cantantes de orquesta de fiesta mayor, que es lo que eran Bisbal y Chenoa antes de pasar por Operación triunfo, y los han convertido, de una manera artificial, en figuras de la música comercial, con lo cual la situación en España, para el resto de cientos de miles de músicos, ha empeorado mucho, hasta el punto de que no tienen ninguna oportunidad de trabajar: ahora solo existen las cuatro figuras promocionadas todo el día por la tv y que hacen música comercial. Es gracioso que mucha gente que es de izquierdas y que odia el culto a la personalidad de figuras políticas como los dictadores, Franco, Stalin, Hitler, Mussolini, Mao, Fidel Castro, y , sin embargo, caigan tan fácilmente en el culto a la personalidad de figuras de la canción comercial e incluso a figuras del rock que buscan precisamente que se les rinda un culto a su personalidad, porque tienen un ego monstruoso. Esta gente de izquierdas que protesta siempre por el culto a la personalidad que se rinde a dictadores y a otros , sin embargo no dice nada del culto a la personalidad que se rinde a las figuras de la canción comercial, que en realidad no son más que cantantes de canciones, como tantos otros cantantes y con tantas otras canciones. La figura de la canción comercial necesita que se rinda un culto a su personalidad, como si a una persona normal le importara algo lo que le pasar en su vida , en sus matrimonios y divorcios y en sus líos de todo tipo. Sin los fans, la mayoría de los cantantes comerciales no sería nada, es decir, serían solamente lo que son realmente, cantantes como tantos otros, pero son las fans, que con su fanatismo se tragan todo lo que haga en la vida su estrella del rock o su figura de la canción comercial, son los fans los que practican un culto exagerado a la personalidad de su ídolo , que es exactamente lo que ese cantante necesita para ser famoso y para ganar dinero. Por eso los departamentos de promoción de su compañía discográfica o de su manager, están constantemente fabricando noticias más o menos escandalosas sobre esta figura de la canción comercial, para que el público no se olvide de él y siga en el candelero. Una persona culta no debería rendir culto a ninguna personalidad, ni tan solo a los grandes compositores de la historia de la música. La democratización de la música que ha traído la electrónica y la informática, también ha supuesto una desvalorización de muchas obras musciales que en el pasado eran muy apreciadas y que ahora han caído en su apreciación, porque mucha gente ahora tiene la oportunidad de hacer música en su casa y ve que no es tan difícil como creía, así que ha perdido su aprecio por muchas obras musicales del pasado y por muchos compositores que no eran más que profesores del conservatorio de su ciudad que se aprovechaban de tener unos conocimientos en teoría musical pero cuyas composiciones no tenían nada de especial. Solo se salvan de esta desvalorización general, los grandes nombres de siempre, por su cantidad de obras complejas producida como Bach o por su talento único como Mozart o por su complejidad técnica de sus obras, de Beethoven y de otros. El resto de compositores ahora se nos presentan como gente como cualquier otra que se beneficiaba de ser profesor de música en un conservatorio y que gracias a ello sabían cómo componer obras musicales, y no eran nada más. En el pasado, muy poca gente tenía la posibilidad de hacer música, porque las orquestas sinfónicas eran caras de contratar, los estudios de teoría musical y armonía y composición eran largos y pesados y poca gente accedía a esos conocimientos reservados a unos pocos y a esas oportunidades de que una orquesta o un cuarteto de cuerda tocara tus obras. Pero hoy en día todo el mundo hace música en su casa y la gente se ha dado cuenta de que no es difícil, así que la gente ha perdido el respeto por muchas de las obras musicales del pasado. La música " culta", que durante muchos siglos había sido cosa de una minoría de profesores de conservatorio, ahora se enfrenta con la realidad de que la mayoría de la gente hace música en su casa, según los gustos y conceptos de cada uno, lo cual ha llevado a los conservatorios a una crisis, ahora son los lugares, como las facultades de ciencia muscial de las universidades de USA y otros países, donde se aprende y se toca un tipo de música muy concreto: la música muy difícil y compleja, mientras que fuera de esos conservatorios y facultades de música, todo el mundo hace la música que quiere y fácilmente. Así se ha democratizado la música y se ha puesto a la música al alcance de todo el pueblo. Pero, desafortunadamente, han aparecido los tiranos de siempre que , surgidos de entre la masa de gente que en otras épocas quería hacer música pero no podía por falta de conocimientos, ahora hace músicaa en su casa pero se le va la olla enseguida y pretende ganar dinero con ello, sin darse cuenta de que no es más que uno entre otros millones que hacen música en su casa gracias a los medios actuales. Estos tiranos, muchas veces practicando la música electrónica, que no es más que un montón de efectos de sonido, o que son DJ , estos individuos pretenden ganar dinero haciendo música sin tener estudios musicales y encima se comportan como tiranos que acaparan todas las posibilidades de tocar en festivales y que de una manera mafiosa no dejan tocar a los músicos profesionales: esta es la parte fea que ha traído la democratización de la música, y es que es muy difícil quitarle de la cabeza a cualquier advenedizo la posibilidad de ganar mucho dinero con la tontería de musica que ha hecho en su casa, si ve que puede ganar efectivamente mucho dinero: nos encontramos con el mismo problema que se sufre en tantas otras profesiones, donde aparece alguien que por casualidad descubre o inventa algo, sin tener estudios, y luego quiere ganar mucho dinero con su invento casual, y se vuelve peligroso mafioso e incluso criminal porque la posibilidad de ganar mucho dinero con algo que le ha salido por casualidad, como al burro de Iriarte, este individuo se le va la olla enseguida e intenta controlar el negocio musical para ser él , el unico que se beneficie de los dividendos que da el negocio musical. Este tipo de mal músico es muy frecuente en la actualidad , en realidad es una plaga y es muy difícil controlarlos porque no hay legislación que proteja a los músicos profesionales en España frente a estos intrusos. Los médicos tienen mejor situación porque los colegios de médicos enseguida denuncian a los curanderos que sin tener estudios médicos pretenden ganar dinero haciendo de médicos, pero nosotros los músicos no tenemos medios legales para defendernos de los intrusos profesionales. Lo peor de todo es cuando uno de estos malos músicos sin estudios musicales , resulta que el tipo tiene algún talento para encontrar melodías pegadizas o para hacer temas musicales impactantes y entonces, como todos los tiranos , reinvidica su derecho a enriquecerse gracias a ese don que tiene , y exige que como ciudadano de esta democracia, pueda tener el derecho a la libre empresa, para ganar mucho dinero con ese supuesto talento musical único que tiene, y además justifica el dinero que gana con sus musiquillas diciendo que es lo que el público quiere escuchar, que sus conciertos se llenan de público y que si él tiene éxito y otros músicos no lo tienen es porque no tienen su don natural. Así piensan todos los cantantes comerciales que tienen éxito y se consideran especiales comparados con tantos otros músicos , muchos de ellos con toda la carrera de conservatorio, solo por haber sido agraciados por Dios con algún talento musical, que ellos siempre exageran, cuando muchas veces es solo talento para gritar mucho o para dramatizar mucho sus canciones románticas o algún otro detalle de su personalidad o estilo que gusta al público. Todo músico que se da cuenta de que tiene algo especial en su manera de tocar o de cantar, o al que se le ocurren al componer melodías y temas musicales de gran impacto, todo músico de este tipo enseguida reinvindica que es diferente a los demás músicos, aunque tengan la carrera completa de conservatorio, porque dice que él tiene un don especial que no tienen muchos músicos de conservatorio que se han pasado muchos años estudiando música, y como dice que tiene un don especial ( que casi siempre no es más que alguna habilidad musical y poco más ) exige que se le trate como una figura y que se le pague mucho dinero por tocar. Es otra manera más de irse la olla que se da entre los músicos. Puede ser un cantante que no sabe música pero que canta desde niño en su iglesia o en el colegio y que desde niño ha observado que tiene facilidad para cantar y para agradar a la gente, y a este tipo de le va la olla enseguida y se cree una figura musical por encima de cientos de miles de músicos de carrera, que conocen, por supuesto, muchas más habilidades musicales que la única que exhibe en todo tiempo este individuo. Si este tipo de cantantes comerciales hubiera pasado por un conservatorio, sería mucho más humilde, al conocer lo compleja que es la historia de la música, los muchos estilos que se han dado en la historia de la música y las muchas habilidades que se necesitan para poder llamarse uno mismo , un músico de verdad. Y vería que una vida entera no le bastaría para estudiar todo lo que se ha hecho en música en el mundo desde hace siglos. Pero la mayoría de músicos comerciales y los del rock o heavy no han pasado por un conservatorio , y en su ignorancia, no saben nada de la historia de la música. Hay que ser muy ignorante para salir a un escenario creyéndose superior a los músicos de carrera, solo por saber cantar cuatro canciones sencillas de cuatro acordes. Pero el músico vulgar sin estudios exige que como él gusta más al público que los músicos de carrera, entonces debe ganar mucho dinero con su " arte" y es entonces cuando dice aquello de que: " hay músicos sin estudios musicales que son mejores y comunican más y gustan más al público que los músicos de conservatorio con todos sus años de estudios ", lo que no dicen es que la mayoría de los músicos de conservatorio no se rebaja a tocar la mierda de canciones que canta él , ni quiere usar los trucos baratos para gustar al público que utiliza este mal músico vulgar. Además, este mal músico depende muchas veces de compositores que le hacen las canciones, de arreglistas y de músicos profesionales que tocan bien sus tonadas tontas, y sin ellos no sería nada, pero ni de eso se da cuenta. Además, este fenómeno del músico malo al que se le va al olla si ve que tocando cuatro cosas puede ganar mucho dinero o hacerse famoso, este fenómeno también lo sufren muchos músicos profesionales con estudios, si ven que han conseguido alguna canción o estilo o manera de tocar que pueda convertirse en un éxito y que puede dar mucho dinero: a ellos también se les va la olla y se vuelven mafiosos, peligrosos y tiránicos, además de que como músicos degeneran enseguida en la personalidad de ese músico de rock que es tan frecuente y que es muy engreído y de trato difícil . Pero todo esto es lo mismo que ocurre en todas las fiebres del oro, mucha gente enloquece si ve que puede ganar mucho dinero fácilmente y el mundo de la canción comercial está lleno de este tipo de chusma. El músico verdadero toca por amor al arte y no por dinero y lo haría igualmente aunque no ganara ni un duro con ello , así les ocurre a cientos de miles de cantautores y otros músicos que han caído en la "melomanía", es decir en no querer hacer otra cosa en la vida que música aunque no tengan ningún éxito y se mueran de hambre. La " melomanía" es una verdadera enfermedad que afecta a mucha más gente de lo que se cree, y es un error: hay que tener otro trabajo con el que ganarse la vida , y dedicarse a la música en las horas libres. En cambio, el cantante comercial solo se dedica a esto si ve que puede ganar mucho dinero con la música, y si ve que no es así, busca otro medio para enriquecerse. Por todo ello, ya puede darse cuenta quien lea esto y sea una persona normal, al que la música no le haya afectado todavía el coco, que la profesión musical está llena de mierda, aunque la música en sí misma sea muy bonita. Los malos rollos y celos entre grupos musicales rivales son constantes, se quitan actuaciones unos a otros y se difaman y no hay legislación que proteja a los músicos contra todo este mal ambiente de trabajo, intolerado en tantas otras profesiones en la actualidad. Los propietarios de salas musicales solo dejan tocar allí a los grupos que a ellos les gustan y no dejan tocar a nadie más. Lo mismo hacen los malos periodistas musicales de la radio, casi todos ellos sin estudios musicales, que solo ponen en sus radios lo que a ellos les gusta. Los que criticamos toda esta mala situación profesional de la música en España se nos llama envidiosos del éxito de aquellos grupos musicales y cantantes comerciales que sí tienen mucho éxito, sin atender a que muchos de nosotros no tenemos ningún interés ni en hacer música comercial ni en tener lo que ellos llaman éxito, sino que pedimos solamente nuestro derecho a poder trabajar como músico. Criticamos lo que desde hace 40 años se llama rock o pop español y que nadie se traga en el mundo, excepto en algunos países latinoamericanos tontos, pues fuera de España ya se ve que lamayoría de músicos y grupos españoles de los últimos 40 años solo son malas imitaciones de grupos ingleses y norteamericanos, pero eso sí, con mucha marcha típica española. Desde la Transición se nos ha impuesto un tipo de rock y pop español de mala calidad, por parte de unos cuantos periodistas musicales que controlaban Radio 3 y otras, como Ordovás, Arguyol y otros, presentando a esos grupos malos que aparecieron en la Transición , como los heraldos de la nueva democracia española, los representantes de los nuevos tiempos para España después del franquismo, eran grupos que casi no sabían tocar pero esos periodistas madrileños los promocionaban cada día, y después de 40 años de aguantar esos bodrios es hora de decir claramente que la movida madrileña fue una mierda, sus grupos eran de bajo nivel y lo peor de todo, se han instalado y oficializado como los grupos correspondientes a estos 40 años de democracia y se les sigue contratando por toda España solo por eso, aunque muchos de ellos siguen cantando tan mal como hace 40 años, como Auserón o Urrutia, y otros ahora son de derechas y millonarios como Alaska, es hora de acabar ya con el mito del rock y pop español de estos 40 años de democracia, ya hemos tenido bastante de esa mierda y muy pocas cosas se pueden salvar de todos esos grupos, algunas canciones de Mecano ( aunque ellos se crean genios ) y algunas de Amaral y poco más. Hemos tenido que aguantar durante 40 años una mala música por parte de docenas de malos grupos que casi no sabían tocar, y ya está bien. Grupos que muchas veces presumían de dar mucha marcha, cuando dar marcha es lo más fácil de hacer en música, basta con tocar con furia y tener buena forma física, por eso la mayoría de esos grupos malos solo sabía dar marcha, porque eso es lo más fácil de hacer en música y lo primero que aprenden a tocar todos los grupos principiantes. Como es también lo primero que se aprende a tocar el rocanrolear, o sea improvisar usando escalas pentatónicas y sus notas rebajadas tercera y séptima , mezcladas con algunas notas de la escala natural, en USA llevan más de 100 años improvisando de esta manera, en estilos y subestilos como el ragtime, el boogie woogie , el blues y el rock and roll , y a esto se le puede llamar simplemente rocanrolear: esto es fácil de hacer y es lo segundo que se aprende en música. Pues hay muchos grupos que por simplemente dar marcha y rocanrolear, quieren ganar dinero, cuando eso es lo más fácil que hay en la música y lo más fácil de hacer que hay. Es lo mismo que ocurre con tantos cantantes y músicos vulgares, sobretodo del flamenco más vulgar del tipo de Lola Flores o de la rumba catalana tipo Peret o de blues y otras músicas primarias , además de las músicas propias de los pueblos primitivos , que creen que hacer música es tocar con mucha pasión y con mucha fuerza, y luego , si les sale bien, exigen cobrar por tocar, cuando en realidad tocar con pasión, con marcha, o con mucha fuerza es lo más fácil que hay en música, solo se necesitan músculos y mala leche y por eso tantos músicos sin formación confían todo su supuesto " arte " en dar una exhibición de fuerza y de potencia muscular o pulmonar, o en dar mucha marcha o con mucha pasión, que sale sola si llevas dentro mucha rabia por algo malo que te haya pasado en la vida. Y es que en música lo más fácil de hacer es eso mismo, dar marcha, cantar o tocar con pasión, poner mucha fuerza en la actuación, y en cambio lo realmente difícil de hacer en música es aprender de memoria una partitura con miles de notas y con complicadas relaciones entre estas notas y los acordes, o sea lo que se entiende por la música más elevada y difícil, qeu , por supuesto, está totlamente fuera del alcance de los patilleros que tocan sin saber música. No vale decir, como dicen muchos de estos malos músicos , que poner pasión, fuerza y marcha les cuesta mucho y que es un trabajo y que por eso tienen que cobrar por hacer ese triste papelón en un escenario: no vale decir eso porque dar marcha, meter pasión y fuerza es lo más fácil de hacer en música y lo sabe hacer cualquiera que no sabe música, como vemos en tantos que cantan en un karaoke. Por lo tanto, no se debería cobrar por hacer esos shows en que todo es dar marcha o pasión, como hacía Lola Flores que no sabía de nada y que tenía que basar su espectáculo en la pasión y la fuerza física, como hacen todavía hoy en día los músicos de las tribus primitivas que todavía existen, porque no poseen una ciencia musical y tienen que tocar de la manera más básica posible, que es confiar todo a la fuerza física y a la pasión, como hacía Lola Flores. Muchos cantantes y bailarines del flamenco más vulgar hacen lo mismo, pero también son así muchos rockeros y blueseros. Y nos encontramos con un público ignorante que no sabe nada de música, y que se pone a aplaudir a aquellos cantantes, bailarines y músicos que tocan con más fuerza y pasión, entendiendo mal que son los mejores precisamente porque son los que tocan con más fuerza y pasión, sin saber que eso es lo más fácil de hacer en música, mientras que este público vulgar ignorante no aprecia cuando tocan músicos que tocan piezas realmente difíciles , como por ejemplo Astor Piazzola tocando uno de sus tangos tan complicados. Pero los responsables de la música en España, sean políticos o sean directivos, no deberían rebajarse al nivel del públcio ignorante que solo aplaude a aquellos que se matan en el escenario ( la mayoría de veces fingiendo) y exhiben sus ataques de pasión y toda su fuerza, porque eso no tiene ningún mérito, como no sea el de dar un show en un escenario, pero la música es otra cosa y los responsables de la música en España no deberían caer también en el error en que caen tantos que van a conciertos y que se ponen a aplaudir al que toca con más fuerza. La fuerza no es en música nada más que un componente más entre otros cientos, y solo está justificada en aquellos pasajes musicales que deban tocarse fuerte o enérgicamente, que en una pieza musical equilibrada son pocos. Aquellos que basan su show en la exhibición de su fuerza, como muchos cantantes comerciales, de heavy y algunos de flamenco vulgar, no se diferencian en nada de un culturista que exhibe sus músculos o de un levantador de pesos y lo que hacen no tiene nada que ver con la música, pero hay un público ignorante que los aplaude, especialmente si como cantantes se dejan los pulmones al cantar . Además en un país de brutos como es todavía España y como ha sido por siglos, en su música popular hay una tradición de apludir a aquellos cantantes o músicos que toquen con más pasión o fuerza y se dejen la vida en ello. Lo vemos entre los que cantan saetas en la semana santa andaluza y en los cantantes de jotas. Pero las músicas más refinadas y sofisticadas no funcionan así, sino que llevan mucha teoría y técnica detrás. Se puede decir que hay una " evolución" de la música, que en los pueblos primitivos es una música sin teoría ni técnica y se basa en la fuerza y la pasión, mientras que en las músicas más " evolucionadas" , la teoría msuical y la técnica son primordiales. Pero los responsables de la música en España no deberían caer tan bajo y creer también que es mejor músico el que pone más pasión, marcha o fuerza en su interpretación y no deberían dejarse engañar por muchos malos músicos que no saben tocar y que deben confiar todo su show a una exhibición de fuerza y pasión. Además existe el tipo de músico acomplejado de inferioridad por ser pequeño o de constitución física ligera y que se pone a tocar a todo volumen porque así se siente más poderoso y fuerte, como hacían los grupos que a principios de los años 70 convirtieron el rock de los años 60, en hard-rock , a base de tocar al máximo volumen y con la máxima fuerza posible, como hacían Black Sabbath, Deep Purple y tantos otros, y unos años más tarde llegaron los del heavy metal que llevaron esta tendencia hasta sus últimas monstruosas posibilidades. Y es que muchos grupos, en cuando consiguen aprender a tocar tres acordes, a dar marcha y a rocanrolear, se les va la olla y ya se creen que son estrellas del rock y exigen cobrar por tocar. Cuando eso es lo más fácil de hacer en música. Hay que tener en cuenta , además, de que la música es una actividad que permite que , a base de repetir muchas veces una canción al ensayarla o de repetir muchas veces un pasaje difícil, al final el cuerpo reacciona y se adapta sutilmente a los requerimientos que se le hacen y acaba tocando o cantando bien esa canción, de tanto ensayarla y repetirla, porque el cuerpo humano tiene esta capacidad de adaptarse al esfuerzo que se le pide, si es muy repetido. Por eso vemos que hay grupos musicales y cantantes que prácticamente no saben tocar pero a los que su manager o su manipulador les ha obligado a ensayar una canción cientos de veces hasta que les ha salido perfecta, y entonces este grupo sale en televisión y parece que sabe tocar, pero es una ilusión, fruto de repetir cientos de veces la canción hasta que salía bien, en realidad el grupo no sabe tocar , no sabe música y es solo un producto muy manipulado, por el manager que está detrás de él, que muchas veces puede ser un profesor de colegio que obliga a sus alumnos a ensayar cientos de veces una canción o un tema musical para que lo toquen en la fiesta de final de curso ante los padres de los alumnos y parezca que los niños saben cantar y tocar, cuando no saben y lo único que han hecho es ensayar cientos de veces la canción hasta que les salía bien. Esto no lo hace un músico de carrera, que está formado para aprender una partitura en cinco minutos, si es de dificultad media, y en uno o dos días si es de gran dificultad. El músico de carrera no quiere ni soporta tener que ensayar cientos de veces una partitura, primero porque es muy pesado, luego porque después de ensayar tantas veces una partitura, todos los músicos acaban odiándola, odiando la música y odiándose entre sí, y tercero porque no hace falta si se toca con músicos de carrera que en cinco minutos ya se han aprendido una partitura, puesto que con ensayarla una o dos veces es suficiente, que es lo que hacen las orquestas sinfónicas buenas. Por eso no debemos dejarnos engañar por los cantantes de karaoke encubierto que salen en los programas de televisión, pues la mayoría de ellos no saben ni cantar ni saben música pero se han pasado toda la semana ensayando cientos de veces la canción que van a tocar en ese programa hasta que les ha salido bien. En cambio, los astutos músicos profesionales que tocan la música de esas canciones, en esos programas de karaokes encubiertos, ellos sí saben tocar y se han aprendido esa canción en cinco minutos y con dos ensayos. Estos músicos profesionales tocan en esos programas de karaokes encubiertos porque ganan mucho dinero con ellos, pero te los puedes encontrar luego en los clubs de jazz por la noche, tocando jazz , que es lo que a ellos les gusta, como hacía el personaje que interpretaba Jeff Bridges en "Los fabulosos hermanos Baker". En Barcelona, en esos años de la Transición, la escena musical estaba dominada por los grupos de jazz-rock, una música bastante compleja y difícil de tocar, y cuando escuchaban lo que se estaba haciendo en Madrid en esos años decían: " pero si esto es una mierda, no saben ni tocar ". Pero esa mierda se nos ha impuesto durante 40 años como el rock y el pop español de la democracia y ya está bien. Hay que decir, contra estos señoritos de Barcelona tan engreídos con su jazz-rock mediterráneo, que ellos también eran imitadores de las figuras del jazz-rock norteamericanas. Y que entre ellos también se detestan y se difaman, como los que dicen que Max Sunyer no sabe pisar bien las cuerdas, etc. Y es que los músicos del jazz y del jazz-rock no se salvan tampoco de todos los fenómenos feos que hemos descrito y que sufren los músicos, especialmente los que no tienen una fuerte cultura musical adquirida en un conservatorio y una buena disciplina para no caer en tocar trucos baratos para conseguir el éxito fácil. Efectivamente, el jazz, a pesar de ser una música que requiere gran conocimiento de teoría musical, no se salva de los malos rollos que estropean la relación entre músicos, pues los que tocan bebop no soportan a los que tocan en bigbands el swing de los años 40, los que tocan cool jazz no soportan a los que tocan jazz comercial y a los que tocan jazz manouche no les gustan los experimentos del jazz-rock y así, entre los muchos estilos del jazz, no se soportan unos a otros y se acusan mutuamente de estar anticuados o de tocar estilos muy básicos , o de tocar todos igual según lo que les han enseñado en Berklee y sus sucursales españolas, o de ser imitadores de alguna figura del jazz, y se quitan actuaciones unos a otros y se difaman unos a otros y todo el repertorio de putadas que hemos visto que son tan frecuentes en la música comercial y en el rock. Por eso sorprende ver que en el mundillo del jazz hay los mismos malos rollos que en los otros estilos musicales vulgares, a pesar de que se supone que los músicos de jazz tienen mucha más formación musical. Pero el jazz es una música que, como el resto de las músicas vulgares , depende de impresionar a su público, ya sea con grandes solos , muy rápidos o muy complejos armónicamente, o tocando con gran sensualidad , o con gran originalidad , o de una manera muy excitante y , por ello, los músicos de jazz no se libran de los males que afectan a los otros estilos de la música vulgar, pues todos buscan los trucos y los pasajes musicales que les den más éxito , ante un público que, contrariamente a lo que piensa de sí mismo, no es tan intelectual ni tan " elevado" como cree, sino que el público de jazz es muchas veces tan ignorante acerca de la música , como el público de los otros estilos musicales vulgares y además, exije gran virtuosismo a los músicos de jazz y que le proporcionen grandes sensaciones y climax , o grandes hallazgos en las notas que han encontrado respecto a los acordes que se están tocando y en el uso de escalas raras, o sea que el público del jazz no se diferencia del público de otros estilos musicales vulgares, aunque el público del jazz se considere a sí mismo como más " culto", pero en realidad es un público que busca lo mismo que el público de la música comercial o del rock. Sin tener unos buenos fundamentos musicales y una buena visión de lo que es realmente la música y la historia de la música, se cae enseguida en todos esos trastornos que hemos enumerado antes. Hemos visto tantas veces cómo la musica volvía loca a la gente, no solo al público sino a muchos que tocaban en grupos musicales, que al final le tenemos que dar la razón a nuestro profesor de piano en el conservatorio , que nos decía que la música era un asunto demasiado poderoso y con efectos secundarios peligrosos , como para dejarlo en manos de gente sin estudios y sin formación, y que la música debía estar en manos solamente de los músicos de carrera , de conservatorio, que eran los únicos que podían manejar con cuidado esa materia tan poderosa llamada música y que volvía loca fácilmente a la gente. Como yo vengo de ese ambiente, de un conservatorio, siempre que me he acercado a las músicas vulgares como el rock o el blues o el jazz, lo he hecho con mucha precaución, como me aconsejaban mis profesores del conservatorio, advertido por ellos de que esas músicas vulgares te podían volver loco. En cambio, la gente que nunca ha pasado por un conservatorio es la que es más propensa a que se le vaya la olla y la música la vuelva loca , porque no tiene el punto de referencia que sí tenemos los que hemos pasado por un conservatorio, que es la música clásica con la que comparamos constantemente a la música vulgar, porque no perdemos nunca de vista que la música verdadera, la música artística, es siempre la música clásica mientras que las músicas vulgares solo son un entretenimiento más o menos divertido sin más importancia, como me decían mis profesores del conservatorio. Nosotros los que hemos pasado por un conservatorio, siempre sabemos que lo que estamos haciendo cuando tocamos música vulgar es pasar un rato divertido sin más, y que la música de verdad es la música clásica, pero los que no han pasado por un conservatorio no tienen esta capacidad de comparar constantmente a la música vulgar con la música clásica y por eso caen tan fácilmente en los males de este oficio, la egolatría, el divismo, la competencia desleal, el quere enriquecerse enseguida explotando cuatro cosas que les salen bien cantando o tocando su instrumento, el comportarse mafiosamente para acaparar todo el mercado ellos solos, y muchas más conductas patológicas que llenan las biografías de los grupos musicales y las estrellas de la música vulgar. El músico de carrera ha tenido que estudiar muchos años todo tipo de partituras, tanto las que le gustaban como las que no le gustaban, y además aquellas partituras también que le convenían a su tipo de mano o de constitución física y aquellas que no le convenían nada. Por eso el músico de carrera está entrenado con una disciplina dura para tocar lo que sea, como hacen los profesores de las orquestas sinfónicas que en un mismo concierto pueden tocar una pieza de un siglo y otra pieza totalmente distinta de estilo y de técnica y de otro siglo. El músico de carrera no solo toca lo que le gusta o lo que le conviene a sus manos y particularidades personales, sino que está entrenado durante años para tocar de todo. Esto hace que el músico de carrera no caiga fácilmente en el engreímiento, porque sabe perfectamente que hay partituras y estilos para los que tiene más facilidad y otras partituras y estilos que le cuestan mucho más de aprender y tocar y eso le hace estar con los pies en la tierra y no volverse engreído, porque no hay músico en este mundo que pueda tocar todo tipo de músicas fácilmente, todo músico, incluso una persona con tanta facilidad como Yehudi Menuhin, tiene partituras y estilos favoritos que le convienen más a su persona, y otros que evita porque le resultan muy difíciles. Lo mismo ocurre con los tenores, que se especializan en unas óperas y evitan otras porque les cuestan mucho de cantar. No hay nada para poner a un músico en su sitio, que es el de un hombre como los demás, que obligarle a tocar una pieza que no es de su agrado ni estilo, porque ese músico tan endiosado de pronto va a parecer que no sabe tocar o que toca como un principiante. Cada músico tiene más facilidad para tocar una spiezas y unos estilos que otros y no existe ni ha existido nunca el músico que pueda tocar fácilmente toda la música existente. El músico de carrera es sabio porque sabe que puede tocar muy bien una pieza pero que otra pieza se le puede resistir toda la vida. En cambio, el músico vulgar que no ha pasado por un conservatorio, se cree que porque algunas cosas le resultan fáciles de tocar a la guitarra eléctrica o al cantar, ya es una estrella de la música y una figura, cuando en realidad todos tenemos facilidad para tocar algunos pasajes musicales , por nuestras particularidades físicas, mientras que hay otros pasajes musicales que nos resultan muy difíciles. El músico vulgar se especializa en tocar solamente lo que le sale bien, lo cual significa muchas veces que solo sabe tocar dos o tres tipos de rock and roll y de blues y no sabe tocar nada más, y él mismo se da cuenta de que se repite y de que siempre toca el mismo solo o compone canciones parecidas y entonces se vuelve un neurótico intentando no repetirse y buscar nuevas ideas para canciones, cuando lo que le ocurre realmente es que se ha cerrado él mismo en tocar solo cuatro cosas que le salían muy bien, mientras desconoce totalmente miles de otras fomas musicales y de partituras. La ignorancia es muy mala y la mayoría de los músicos vulgares es tan ignorante de la historia de la música y su enorme riqueza, que por eso se les va la olla cuando ven que puede tocar muy bien algunas cosas que a ellos les salen muy bien. Y entonces se dedican toda su vida a tocar solamente esas cuatro cosas que le salen muy bien, a diferencia de los músicos de carrera que están entrenados para tocar de todo, tanto lo que les sale bien como lo que les resulta difícil. Por eso el músico vulgar es un imbécil ignorante y por eso se le va la olla enseguida en cuando consigue tocar o cantar cuatro cosas que le salen muy bien. Y se especializa cada vez más y más en tocar esas cuatro cosas que le salen muy bien, y se vuelve todavía más loco y engreído. Y su personalidad empeora porque empieza a pelearse con el resto del grupo que le acusa de tocar siempre lo mismo en sus solos o de componer siempre canciones parecidas y entonces se marcha del grupo para ver si con otra gente le salen otras cosas. Es la historia de miles de grupos musicales, siempre la misma historia. Por eso hay tantos grupos musicales que son grupos de " one song band", o sea, grupos que consiguieron una canción de éxito en algún año y que luego no han hecho nada más: la canción que les dió la fama era una canción de las que les salían bien de una manera natural, pero luego el resto de canciones que componían eran variaciones de esta primera canción, porque no sabían tocar nada más, y se quedaron como uno más de otros miles de grupos de " one song band" . Otros, como Jeff Beck, se dan cuenta de que siempre tocan el mismo solo ( una especie de boogie woogie a la inglesa, en su caso) y buscan cambiar de estilo para encontrar nuevas ideas para sus solos, como hizo Jeff Beck al acercarse al jazz-rock. En general, el jazz lleva décadas cambiando cada 10 años, complicándose cada vez más con cada vez más difíciles relaciones entre las escalas y los acordes, precisamente para huir de esa sensación que tienen los jazzistas de que siempre están tocando el mismo solo. Como el jazz tiene mucho de música salvaje, todavía poco formalizada ( aunque ahora se enseñe en las universidades norteamericanas), esta búsqueda de la originalidad por parte de muchos jazzmen a base de encontrar nuevas maneras de relacionar notas y escalas y acordes o de copiar recursos sacados de Chopin y Stravinsky como hacía Miles Davis, degenera fácilmente en una guerra entre jazzistas para ver quién consigue hacer los solos más novedosos o nunca escuchados antes y convierte al mundo de jazz en una selva , como lo es el mundo del rock, lleno de malos rollos y de instintos primarios. En ESPAÑA ESTE FENOMENO EMPEORA PORQUE AQUÍ ADEMÁS, LA MAYORÍA DE NOSOTROS SOMOS IMITADORES DE ALGUNA FIGURA YANQUI O INGLESA , LO CUAL HACE QUE EL ENDIOSAMIENTO QUE SUFRE EL MÚSICO SEA TODAVÍA MÁS GRAVE, PORQUE NO SOLAMENTE SE SUFRE EL ENGREIMIENTO PROPIO DEL MÚSICO VULGAR ESPECIALIZADO EN TOCAR LAS CUATRO COSAS QUE LE SALEN BIEN DE UNA MANERA NATURAL, SINO QUE ADEMÁS SOMOS IMITADORES DE UN EXTRANJERO PERO LO OCULTAMOS AL PÚBLICO Y HACEMOS PASAR POR ORIGINAL NUESTRO LO QUE ESTAMOS TOCANDO, LO CUAL HACE QUE TODAVÍA SE NOS VAYA MÁS LA OLLA. Prácticamente ninguno de los grupos y cantantes españoles, con la excepción de Mecano y algún otro, y alguna canción puntual como el "Black is black" de los Bravos, ni los figuras del jazz-rock catalán, ningún grupo o solista español ha tenido nunca exito fuera de España , excepto en el jazz Tete Montoliu y Carles Benavent por acompañar a Paco de Lucía. Al público español es fácil estafarlo, pero al público de fuera no. El público anglosajón enseguida ve a qué grupo de su país está copiando el grupo español de turno. Otra cosa es en Latinoamérica donde se tragan el rock español porque están muy despistados . No consideramos como grupos o solistas españoles aquellos que se han puesto en manos de managers y músicos americanos y que, por lo tanto, forman parte más de la música vulgar USA que de la española, ya que tocan con músicos americanos y sus métodos y técnicas , y usan sus conceptos de management de la música comercial, al estilo típicamente capitalista salvaje yanqui , como le pasa a Julio Iglesias o a Alejandro Sanz. En otros países avanzados, hay lugares para que el público que quiere escuchar música comercial, pueda hacerlo libremente, y para el público que quiera escuchar jazz o música clásica pueda hacerlo libremente, y el público que quiera escuchar otros estilos y subestilos también tenga sus lugares donde pueda escucharlos, pero en España esto no sucede y actualmente vivimos un monopolio ilegal por parte de la canción comercial y de la música vulgar que lo domina todo y no deja que ninguna otra música pueda existir. Tenemos, por ejemplo, el caso de músicos que proceden de una burguesía acomodada, con estudios , y que se aficionan a alguna de las culturas populares que durante el siglo XX han gozado de una gran riqueza, como el cine, los tebeos, el jazz, el blues, u otros estilos musicales, y se acaban convirtiendo en expertos en ese campo, comprando todos los libros, métodos y partituras existentes sobre el asunto, y luego puede que toquen esa música que han investigado durante años , por ejemplo como Pi de la Serra y Amadeu Casas, que lo saben todo de la historia del blues y de sus muchas técnicas y estilos, y que tienen en sus casas cientos de libros, partituras y métodos sobre este asunto, pero que cuando van a tocar sus blues artísticos , se encuentran con un público que no les entiende ni les atiende, porque es un público que está mal acostumbrado a escuchar solamente los productos que le colocan cada día de Operación triunfo. O es un público que solo quiere escuchar el mal blues comercial puesto de moda por gente como Gary Moore o Joe Bonamassa. Lo mismo les ocurre a las figuras de la música popular en Cataluña de los años 70 como Jordi Sabatés o Amargós ( especializado en mezclar la música contemporánea culta con el jazz ) o Toti Soler, que se ven obligados a tocar para un público minoritario de entendidos. La situación es muy diferente de la que se daba en los años 70, cuando todas estas figuras de la música tenían un público mucho más amplio, formado en gran parte por los "progres" de aquellos años, los que iban de modernos, los antifranquistas de nivel intelectual bastante alto, que ahora han desaparecido de España para ser sustituidos por los monstruos que han creado estos 40 años de mala democracia. Y es que España siempre produce monstruos, cada 40 años, según el ambiente o el régimen que se haya dado en esos 40 años. Cada régimen político crea sus monstruos en España, cada 40 años más o menos. A su vez, estos monstruos muestran los defectos de ese régimen político, mucho mejor que ningún libro crítico con ese régimen. ! Ya lo decía Torres Villarroel ! Y para acabar de demostrar que en el mundillo profesional de la música popular la cosa sigue igual que en el franquismo, basta releer a Francisco Umbral en su libro de 1965 : "Travesía de Madrid" donde habla de las peleas entre distintos grupos musicales para conseguir actuaciones y quitárselas unos a otros o en peleas contra grupos y público de otra generación ( pag. 190), y donde también habla ya de la aparición de un falso flamenco para turistas y para ignorantes de la música, y de un falso jazz comercial que se tocaba en los pequeños clubs de sótanos en el Madrid de los años 60 ( pag. 76 ). Y del fenómeno de la canción del verano: " La música caliente y veraniega ha creado una vez más esa hermandad momentánea e inútil entre toda esta gente que olvida su muerte casi por completo. Hay en todo Madrid a esta hora de la noche de verano, muchas pistas de baile como ésta , muchos puñaditos de gentes sofocadas y un poco felices que creen estar viviendo la gran aventura de la vida dentro de esa comunión suprema que es la música fácil " ( pag. 95 ). Hablemos ahora de la técnica que ha ido desarrollando la música clásica a lo largo de los siglos en Europa, una técnica que buscaba el máximo refinamiento en los movimientos de los dedos y las manos, para que estos movimientos fueran lo más eficaces posibles y a la vez no lastimaran ni a los dedos ni a las manos del músico, y siguiendo estos conceptos, la música clásica ha desarrollado las mejores técnicas posibles para instrumentos como el violín , la trompeta y el piano, y más tarde la guitarra clásica, para que los movimientos de los dedos y las manos fueran lo más eficaces posibles con el menor esfuerzo y buscando una técnica muy estudiada para ese fin y para evitar el agarrotamiento de las manos y su cansancio, que es la causa principal de los errores en la interpretación con esos instrumentos. Por eso, la música clásica se ha dotado de las técnicas más estudiadas y más refinadas, y a la vez las menos lesivas para el músico. Todo esto se fue al garete cuando apareció la tradición africana en la música, una tradición de miles de años durante los cuales los africanos han practicado una música muy rítmica y sexual , propia de gente atlética y fuerte, una música pensada sobre todo para la danza y con conceptos rítmicos totalmente opuestos a los de la tradición europea. En América chocan estas dos tradiciones, la europea y la africana y producen todas las músicas populares que conocemos actualmente procedentes de América, desde el jazz hasta el blues y el rock, pero también la samba y muchas músicas caribeñas. Incluso el tango argentino está cerca de la tradición africana porque se toca el piano con violencia, con fuerza y con movimientos acrobáticos de las manos , aunque armónicamente el tango argentino sea totalmente europeo. Las músicas populares americanas son una fusión de músicas europeas y de músicas africanas. Los músicos americanos se permiten acrobacias digitales y movimientos de las manos que estaban prohibidos en la música europea clásica por considerarlos feos , desagradables, o perjudiciales para la salud del músico. La música popular americana está llena de glissandos, de efectos de sonido, los trompetistas se fuerzan los labios, los carrillos, los pulmones y la lengua ( hasta el punto que Louis Armstrong tenía que ponerse pomada todo el día en sus labios en sus últimos años y otros trompetistas acaban sufriendo enfisema ) , los guitarristas arrastran los dedos por las cuerdas, las estiran y hacen todo tipo de acrobacias con sus dedos , los pianistas no menos y los violinistas como Stephan Grapelli tocan todo el tiempo con glissandos constantes . Todas estas técnicas espectaculares americanas tienen como resultado la producción de una música excitante , sensual y divertida, pero al precio de que sus músicos deben ser muy fuertes para poder tocar de esa manera, o de lo contrario enloquecen o se destrozan los dedos con artritis prematura en ellos o se fastidian la salud en general , que es precisamente lo que quería evitar la tradición europea de la música clásica con sus técnicas muy estudiadas y refinadas. Es importante que el público sepa todos estos datos, porque el público ignorante se queda deslumbrado muchas veces por solos de guitarra eléctrica espectaculares y con ejecuciones con otros instrumentos que arrebatan al público por su fuerza o por su virtuosismo, pero el público debe saber que todo esto es al precio de arruinarse la salud, de destrozarse los dedos o las manos y que si los músicos de la música clásica no tocan de esta manera es precisamente porque quieren conservar su salud muchos años y no quieren hacer daño a su cuerpo. La música clásica puede resultar aburrida, pero es mucho más sana y civilizada que las músicas populares ,especialmente las americanas , y si resulta aburrida es muchas veces porque no quiere hacer las acrobacias digitales que hacen los músicos vulgares para conseguir un aplauso fácil , al precio de arruinarse su salud. La música clásica está mucho más estudiada que la música vulgar y precisa de muchos años de análisis musical y de estudios de las mejores técnicas, no es como la música vulgar, especialmente la improvisada como el jazz y el rock, que es una música que se hace en el momento según como salga y según el día, sino que la música clásica lleva detrás mucho estudio y mucha reflexión . Y , sin embargo, la guerra entre la música clásica y la música vulgar sigue , y viene de lejos, ya existía en los años 60 y no cesa. Los músicos vulgares reclaman que ellos son muchas veces más ingeniosos y tienen más "chispa" al componer o tocar una canción que muchos músicos clásicos que llevan estudiando muchos años y que solamente saben tocar lo que pone la partitura . Muchos músicos vulgares dicen que ellos, incluso sin saber música, tienen más gracia o talento o no se qué , que muchos músicos clásicos que tienen toda la carrera pero que tocan sin inspiración o sin talento. Sobretodo, los músicos vulgares dicen que ellos tienen más éxito y gustan más a la gente que los aburridos músicos clásicos. No negamos que hay muchos músicos vulgares que tienen un don especial y una gracia que no poseen muchos músicos clásicos, pero no tanto como ellos se creen, pues ese supuesto don rápidamente se agota y se estanca en repetir siempre las mismas tonadas que les salen muy bien, y no saben hacer nada más. En cambio, un músico de carrera puede tocar de todo y lo sabe tocar todo. Por su parte, los músicos clásicos no soportan que musiquillos que solo saben tocar cuatro cancioncillas , ganen millonadas mientras que ellos tienen un sueldo bajo como profesores de música en algún colegio. El agravio comparativo es inmenso , en esta profesión mucho más que en ninguna otra, pues cantantes comerciales que solo saben cantar cuatro cosas, ganan una cantidad de dinero totalmente injustificable, mientras que músicos de carrera con muchos años de estudio a sus espaldas, sobreviven como pueden. Los músicos vulgares dicen que ellos se atienen a la ley de la oferta y la demanda y que existe un público que demanda la música comercial que ellos hacen. No dicen, en cambio, que el público es ignorante y que se le puede inducir fácilmente en sus gustos musicales, con grandes campañas de promoción por Televisión y de propaganda. Por su parte, los músicos de carrera desprecian infinitamente a los músicos vulgares y se ríen de ellos en sus conservatorios mientras tocan las difíciles sonatas de Beethoven. El músico de carrera ve en la música comercial un puro negocio y una industria que no tiene nada que ver con la música de verdad, la música artística. Y al final, como hemos escrito antes, los que juzgan qué obras musicales tienen un valor artístico son siempre los músicos de carrera y los historiadores del arte, nunca los periodistas de radio de los 40 principales y todavía menos el público ignorante. Ello no impide que para un historiador del arte tenga interés el caso de una música totalmente degenerada como es el heavy , que aunque como música no posea ningún valor artístico, si que es interesante estudiar como el producto social de una determinada época y de una determinada clase social. El heavy es lo que pasa cuando gente de bajo nivel cultural que no sabe nada de nada , ni de música, se pone a tocar un instrumento, y le sale exactamente eso: el heavy, y además con la ayuda de grandes amplificadores y pedales de efectos como el distorsionador que han permitido a este tipo de gente de bajo nivel cultural y de clase obrera marginal, les ha permitido hacer la música que seguramente ya habrían hecho en otros siglos si hubieran tenido la oportunidad y los instrumentos eléctricos actuales: una música llena de ruido, de fealdad, de suciedad, llena de efectismos, atronadora como las trompetas de Jericó, de épicas ridículas, de fuerza fatua, que se apropia de motivos musicales tomados de la música clásca y de otros estilos y los usa de una manera totalmente fuera de contexto, solo para porducir una música impresionante pero vacía y que haga sentirse dioses poderosos a sus músicos en el escenario, ...es decir, son todos los conceptos musicales propios de alguien que no sabe nada de música. El heavy es la degeneración extrema de la música y además es un síntoma de que hay una parte improtante de la sociedad que no aprende, no estudia y se queda atascada en una ignorancia y en un bajo nivel cultural propio de su clase obrera. De hecho, el heavy es la antimúsica en estado puro : todos los recursos musicales quedan reducidos a tocar fortísimo y con una distorsión que lo llena todo y solo deja que se oigan cuartas y quintas y escalas pentatónicas, es decir, los recursos musicales más primitivos que existen y los preferidos por los pueblos bárbaros y por los ignorantes . Hay que recordar que muchos músicos vulgares actuales pueden hacer música gracias a que la electrónica ha facilitado enormemente la interpretación de muchos instrumentos musicales y también ayuda mucho a los cantantes con sus amplificadores y sus efectos de sonido. La mayoría de los músicos vulgares actuales no podría haber hecho nada en otros siglos, cuando no existían los amplificadores ni toda la electrónica actual. La mayoría de los cantantes actuales no tiene voz ni se puede comparar con un tenor de ópera y solo pueden cantar usando muchos trucos de amplificación y de efectos de sonido, por ejemplo Julio Iglesias y su reverberación o Urrutia y la suya. Lo mismo ocurre con los instrumentistas, en otros siglos los instrumentos eran mucho más duros de tocar y exigían una disciplina diaria de ejercicios para poder tocarlos, pero hoy en día la guitarra eléctrica y los órganos electrónicos son fáciles de tocar . La mayoría de los músicos que hacen música en la actualidad, ya sea como profesionales o como aficionados, en los siglos pasados no habría podido hacer nada porque nunca habrían tenido el tiempo ni la paciencia para estudiar muchos años un instrumento tan difícil como el violín. Por eso en nuestra época hay tantos cientos de miles de músicos, porque en nuestra época ahora es fácil hacer música. Y , como ya hemos explicado antes, en nuestra época de discos y amplificadores, hay gente que en otros siglos se habría dedicado a la piratería y al tráfico de esclavos, que es lo que daba mucho dinero en esas épocas, y que en nuestro tiempo se dedica a la canción comercial porque da mucho dinero actualmente, gracias a la existencia de los discos y de los amplificadores. Este tipo de falsos músicos solo se dedica a la música para enriquecerse y no se diferencia nada de cualquier otro empresario sin escrúpulos que busca fabricar un producto que tenga mucho éxito y mercado y que le haga millonario, sin importarle que ese producto pueda tener efectos secundarios, pueda corromper a los consumidores o sea tóxico y dañino para la gente o cause algún problema al público. De este tipo de empresarios sin escrúpulos está llena España desde que llegó la supuesta " democracia" y forman parte del montaje que llamamos " capitalismo salvaje" tal y como se enseña en sus escuelas empresariales. Por eso hay escuelas empresariales actualmente que dan cursos sobre cómo hay que dirigir un grupo musical como su manager, cómo hay que hacer las campañas de promoción y cómo hay que llevar empresarialmente ese grupo musical ( grupo de música comercial, por supuesto). Por eso nos negamos a llamar a gente como Julio Iglesias o Alejandro Sanz músicos verdaderos, porque no son más que empresarios que han conseguido fabricar un producto musical de mucho éxito, sin ningún escrúpulo pues lo único que les importa realmente es ganar mucho dinero vendiendo este producto. Alejandro Sanz ha tomado muchas secuencias de acordes propias de la música romántica del siglo XIX, especialmente de Chopin y propias también de la canción francesa tradicional, y ha usado todos esos recursos musicales propios del romanticismo, para fabricar un producto al que ha añadido un ritmo latino y unas letras donde no dice más que chorradas para que su público se crea que es colega suyo, cuando no lo es en absoluto porque vive lujosamente en Miami, que es lo que a él le importa realmente. Como fabricante de este producto musical de gran éxito, Sanz vende millones de discos, lo que significa que es un gran vendedor de plásticos, y recibe muchos premios Grammy, que no tienen ningún valor porque son los premios que dan las compañías discográficas a sus empleados que venden más discos, es como si el Corte Inglés premiara cada año a sus empleados que hubieran vendido más. Y este producto de Alejandro Sanz lo ha colocado incluso a sus enemigos de los años 70, gente como Max Sunyer que en los años 70 representaba la música progresista no comercial y que hace unos años acabó grabando una versión instrumental el "Corazón partío" , y es que incluso los grandes guerreros contra la música comercial en los años 70, se han vendido por mucho dinero y ahora trabajan como asesores musicales de los programas de karaoke de la televisión, como hace Kitflus. Y, en general, es lo mismo que ha pasado en todo el país en estos 40 años de supuesta "democracia", los que iban de progres antifranquistas y reformadores sociales en los años 70, ahora los podemos encontrar como millonarios, enriquecidos en todo tipo de negocios y empresas, como sus propietarios o directivos, dentro del capitalismo más salvaje. Y cientos de miles de muchachos se han criado en esta supuesta " democracia" de los últimos años y quieren ser como sus ídolos Alejandro Sanz o Bisbal o Chenoa, porque han visto que han ganado mucho dinero haciendo música comercial, y así nos encontramos con cientos de miles de imitadores de esos falsos músicos por toda España y por todos los concursos de karaoke de la televisión, cantando el "Corazón partío" . Pobres tontos, no saben que están imitando un producto musical muy bien hecho y pensado y que no tienen ninguna posibilidad de llegar a hacerse millonarios, si siguen siendo simples imitadores de ese producto . Y otros cantantes comerciales como Sergio Dalma , temerosos de perder su público, se ponen a imitar las canciones de Alejandro Sanz. En el fondo, el gran problema que es la música comercial en nuestra época , surge de haber sobredimensionado lo que en otros siglos no eran más que cancioncillas populares y canciones de taberna, no son más que eso, canciones como las que cantaba la gente por los pueblos en las épocas de siembra o en las fiestas de primavera , jotas aragonesas y castellanas, tonadas mallorquinas, cientos de canciones que recoge el cancionero popular de cada país. Las canciones actuales que escuchamos por la televisión o la radio o en una discoteca, no son más que canciones como tantas que se han cantado en los siglos anteriores y no hay que darlas más importancia, lo que ocurre es que la industria discográfica ha llenado esas simples canciones, con todo tipo de aditivos, desde una gran calidad de sonido hasta solos de guitarra espectaculares, para convertirlas en un producto irresistible y adictivo de gran consumo. Pues la industria discográfica del siglo XX vió que se podía ganar mucho dinero vendiendo discos y llenando los estadios con 100.000 espectadores gracias a los actuales amplificadores, y nos ha colocado cientos de miles de canciones haciéndolas pasar por "algo más que canciones", como querían los Beatles con sus discos más pretenciosos, cuando en realidad no son más que canciones como millones de otras que se han cantado en otros siglos. Por eso está tan sobredimensionado el mundo de la música comercial, porque da una cantidad de dinero astronómica por un producto que en realidad no es más que una canción, como cualquier otra de las que se cantaban en otros siglos. Y es cierto que la gente tiene necesidad de canciones , de música, sobre todo en las fiestas y después de comer bien y para divertirse los domingos, pero hasta cierto punto, la gente puede absorber muchas canciones pero llega un punto en que se satura y dice basta, ya está bien de "romanços" y ya no está para más coplas. Así que hay un mercado limitado de canciones que la gente quiere escuchar, y aquí empìeza el problema, cuando unos cuantos listillos quieren acaparar este mercado para ellos solos, para que solo se escuchen sus canciones por la televisión y por la radio y así ganen solo ellos mucho dinero, cayendo en una actitud totalmente antidemocrática y además anticonstitucional, por monopolio y por atentar contra la igualdad de oportunidades de todos los españoles y la libertad de empresa en España. Por eso odiamos tanto a los cantantes comerciales, no tanto porque hagan música comercial sino porque son mafiosos que buscan controlar todo el mercado para ellos solos. Si no existieran los músicos comerciales, el público escucharía, cuando tuiviera ganas o en una noche de fiesta, muchas otras canciones que ahora no puede escuchar porque los cantantes comerciales se han apoderado de todo el mercado . Y es que la gente tiene necesidad de escuchar canciones, a veces, pero no todo el día. No tienen por qué ser canciones tontas comerciales. Y canciones hay a millones, y demuestra otra vez que hacer canciones es relativamente fácil y por eso hay tantas. Repetimos que nos encontramos con un problema de sobredimensionar lo que es una canción: no es más que una melodía con unos acordes y dos partes, una que es el estribillo y otra que es la estrofa a las que se añade unas letras , y no hay más, y pretender ganar mucho dinero haciendo estas cosas tan sencillas llamadas canciones es propio de gente que va muy despistada por la vida. Todas las canciones tradicionales no daban dinero en otros siglos y se cantaban por los pueblos por parte de cantantes aficionados que tenían buena voz o por parte de trobadores y juglares que pasaban la gorra, o se cantaban en tabernas por cuatro duros, es lo que le corresponde a un cantante de canciones, pero en nuestra época, debido a los discos y los amplificadores, todo esto se ha ido de madre y se ha convertido en uno de los negocios más salvajes del capitalismo salvaje. Seguramente hay pocos sectores profesionlaes donde el capitalismo salvaje campe tanto a sus anchas, como en el mundillo de la industria de la música comercial, y pocos sectores profesionales tan mal regulados por leyes y donde haya tanto vacío legal del que se aprovechan tantos mafiosos, y es que es en el mundillo de la industria de la música comercial donde se deja que el capitalismo salvaje se muestre en su manera más dura y cruel , y a la vez, primaria. Algún día las canciones volverán a ser lo que siempre fueron, solo canciones y los cantantes de canciones volverán a ser simples y pobres juglares y cantantes de tabernas, como siempre fueron. Y si tenemos que aceptar que la música es una actividad donde chocan los egos, donde chocan de una manera más directa y primaria los gustos y los deseos de músicos y público, donde emerge lo peor de la especie humana en los enfrentamientos entre músicos ,compositores , managers y público, una actividad donde los sentimientos y las sensaciones afloran de una manera más rápida e inmediata y donde se deja que así sea porque los políticos y otros mandarines consideran que la música debe ser el campo donde ocurra exactamente eso y por tanto se dsiculpan diciendo que es imposible legislar en una actividad que es tan reacia a cualquier tipo de regla , de ley o de restricción porque la música desde los tiempos de Dioniso, Orfeo y Pan, es la actividad por antonomasia donde el hombre se comporta de una manera más loca, orgiástica, borracha, desenfrenada y sin control, y si ve que puede ganar mucho dinero, de una forma más mafiosa, y por ello es imposible regular todos los comportamientos mafiosos, feos, de egos chocando, de fanatismo del público, porque forman parte intrínseca de la vida musical, así piensan muchos políticos y otros que deciden sobre la vida legal de los países y mientras piensen de esta manera, la música seguirá siendo la actividad profesional menos regulada, más llena de mafias, más llena de comportamientos ilegales , aticonstitucionales, antidemocráticos y donde todo funciona de una manera prehistórica y salvaje. Minetras haya políticos y legisladores que piensen que la música debe seguir siendo así, alegal y sin regulación, nada va a cambiar en la situación profesional de cientos de miles de músicos españoles. Al mismo tiempo, todo lo que ha ocurrido en el siglo XX en la música, ha puesto en evidencia que la música había abusado en los siglos anteriores, desde el Renacimiento hasta bien llegado Wagner, de un culto a la personalidad del compositor, al que se convertía en un héroe o en un genio o en un semidiós, cuando la música de los últimos 100 años, gracias a la electronica, a los discos y a la amplificación, ha demostrado que la mayoría de los grandes compositores de los siglos anteriores solo eran buenos artesanos conocedores de su oficio, y nada más, puesto que cuando millones de personas han tenido acceso a hacer fácilmente música , como ocurre actualmente gracias a internet y la informática, han demostrado que podían componer perfectamente miles de canciones y músicas de todo tipo , incluso sinfonías, tan válidas como las de los compositores de otros siglos, demostrando así que la música había estado en los siglos anteriores en manos de unos pocos que controlaban la información sobre cómo componer y los secretos de la técnica y la teoría musical ( por ejemplo, pocos conocían el "Tratado de composición" de Czerny donde explica con detalle cómo componer de todo ), mientras que cuando la mayoría de la gente ha podido hacer música fácilmente, ha hecho una música tan válida como la hecha en los siglos anteriores por esos supuestos " genios" . Por lo tanto , lo que ha ocurrido en los últimos 100 años ha sido una clara democratización de la música, hasta el punto de que el mundo está lleno ahora mismo de guitarristas y de compositores, gente que probablemente tenía ganas de hacer música desde hacía generaciones pero que no lo había podido hacer hasta ahora. Y cuando han tenido la oportunidad, como en nuestra época, han demostrado que podían hacer perfectamente música como los demás. Junto a esta democratización de la música que se ha dado en el siglo XX, ha aparecido también una desmitificación del papel del director de orquesta, hasta entonces un tirano, y de los músicos de conservatorio, hasta entonces los únicos que podían tocar música. Ahora todo el mundo hace música , sin saber música o con conocimientos básicos, y no tiene que depender de los caprichos de un compositor ni de un director de orquesta, porque la música de los últimos siglos ha sido , en gran parte, una dictadura de unos compositores con sus caprichos musicales y de unos directores de orquesta mandarines. Ahora nadie soporta a ninguno de los dos y la democratización de la música supone también que ningún músico soporta ahora a un compositor que le obligue a tocar lo que él quiere ni a un director de orquesta que le obligue a tocar de la manera que quiere. En nuetra época, la mayoría de los estilos populares de música se rigen por el principio de la libertad total, cada músico toca lo que quiere y como quiere, y en sus solos es dueño total de su música, y los que intentan ser los dictadores de un grupo musical, pronto son odiados y abandonados. Se asume que , como en los otros órdenes de la vida, cada individuo es distinto y siente la música de manera distinta y tiene ideas musicales distintas y propias , así como una evolución artística también distinta y propia. No tiene sentido, pues , que un compositor obligue a unos músicos a tocar lo que tiene sentido para ese compositor pero no para los otros músicos. En estilos como el jazz, la libertad es esencial de este estilo y cada instrumentista toca lo que quiere con libertad total e incluso este estilo se puede definir como la suma de varias libertades que tocan juntas, especialmente en la época del Dixieland donde cada instrumento iba a la suya, sin importar demasiado si algunas veces no concordaban entre ellos, porque lo fundamental era que se diera una riqueza de personalidades tocando juntas en libertad. Quedan pocos dictadores en la música popular actualmente, excepto en aquellos casos en que unas figuras con mucho nombre se pueden permitir el contratar a músicos y obligarles a tocar lo que la figura quiere. Contrariamente a lo que decía la música clásica desde hacía siglos, acerca de una disciplina necesaria de ejercicios diarios y prácticas diarias para que pudiera tocarse, las músicas populares demuestran que no es necesaria esa disciplina militar a las órdenes de un director para que exista la música, simplemente se reunen unos cuantos músicos de jazz y empiezan a tocar una pieza convenida entre todos y todo funciona por sí mismo, si los músicos tienen una mínima formación musical. Otra cosa que ha quedado en evidencia en los últimos 100 años es que la mayoría de la música compuesta desde la edad Media, o sea desde hace unos 700 años, no es más que música " ambiental" para distracción de aristócratas en sus palacios y de otros poderosos, puesto que en esas épocas no había hilo musical. L a mayoría de la música escrita en los últimos 700 años no es más que esa música ambiental que se oía de fondo en las fiestas de los ricos y los nobles . Cuando aparecieron los discos, ya no era necesaria una costosa orquesta pagada por el conde o barón del lugar y en vez de eso apareció el hilo musical que escuchamos por todos sitios, en el supemercado, en los aeropuertos, etc. Por ello, ha quedado en evidencia que la mayoría de la música llamada clasíca desde hace 700 años, en realidad no era nada más que variaciones sobre otras composiciones, para llenar el tiempo y el espacio sonoro en las fiestas de los palacios. La mayoría de esa música no tiene valor, como no lo tiene la mayoría de millones de canciones y de obras musicales compuestas por millones de compositores de nuestra época, que van a a pasar al olvido en 50 años porque no tenían otra finalidad que llenar el espacio sonoro durante unos días y no tenían ninguna otra importancia. Quedan aparte las pocas obras de la historia de la música que sí tienen valor artístico y musical, por su técnica, sus innovaciones, su lenguaje musical, etc, pero esas piezas son pocas y son las únicas que se estudian merecidamente en los departamentos de historia del arte. El resto es música ambiental, como lo es la mayoría de la música que se hace actualmente, o sea millones de canciones y de otras obras musicales. En estos últimos 100 años también ha quedado en evidencia que la música no es un gran arte , como lo querían presentar en otros siglos, sino que muchas veces es solo un pasatiempo hecho con sonidos y no tiene nada más. Unos acordes, unas melodías, unos ritmos y ya se forma la música, y además podemos añadir unos solos donde el público espera que haya unas cuantas notas blues o picantes y graciosas o sensuales y ya está, eso es la música. Además, como hemos dicho antes, 90 % de lo que han compuesto los supuestos grandes compositores del pasado no son más que caprichos y tonterías propias de alguien que está sentado en su casa con un piano en posición un tanto abandonada y no tienen ningún interés para nadie más. Se ha abusado enormemente de las posibilidades de escribir música en una partitura y se ha obligado a los músicos de orquesta a tocar todo tipo de tonterías simplemente porque un compositor las habia escrito en una partitura , cuando estaba sentado en su casa tocando el piano caprichosamente . 90 % de la supuesta música clásica no es más que eso y esa es la razón por la que es tan aburrida e insoportable. También ha quedado en evidencia en este siglo que mucha de la música escrita en el pasado solo era producto de arranques de ira, de testosterona, de golpes de genio, de rabia, de la musculatura en tensión puesta en música, como lo demuestran cada día los grupos de heavy y otros grupos de rock que basan todo su "arte" en expresar eso mismo. Ello obliga a cuestionarse acerca de qué es la música, cuando vemos tantas veces en el rock que no es más que poner en sonidos una serie de movimientos musculares o de adrenalina o de esfuerzo físico ( características de la música africana desde hace miles de años, una música pensada para la danza) . Lo mismo ocurre respecto a la juventud y la música: vemos que los jóvenes son capaces de hacer una música más fuerte y dinámica que los ya viejos y eso hace pensar que la música joven no es más que poner en sonidos a su juventud, su lozanía, su frescura, su abundancia de hormonas y todo lo que conlleva ser joven, y que gran parte de la música no es más que expresar en sonidos todo lo que ocurre en la juventud desde el punto de vista físico . Y esto nos obliga a preguntarnos si gran parte de la música que se ha escrito y tocado desde hace muchos siglos, no es más que poner en sonidos el buen estado en que se encuentra el compositor o el músico, el buen momento de su vida en que es feliz o todo le va bien y su cuerpo está al máximo de salud y su mente está en plenitud de facultades: vemos que cuando los músicos se encuentran en esas condiciones, es cuando producen su mejor música, mientras que cuando están enfermos o han perdido sus facultades por la edad, su música empeora y se vuelve gris y sin inspiración y no interesa a nadie. Parece que desde hace miles de años , la música es el arte donde se ponen en sonidos los mejores momentos de los seres humanos, especialmente cuando son jóvenes y en el mejor momento de su cuerpo y de su mente , cuando el músico es más feliz, más confiado en sí mismo y en sus fuerzas, cuando siente que todo su cuerpo y su mente están al máximo de sus posibilidades y cuando el músico es feliz y quiere compartir su felicidad con la gente, a través de su música. Parece que la mayor parte de la música compuesta y tocada desde hace miles de años no es más que eso. Lo demuestra el hecho de que a nadie le interesa la música que hacen los que ya no son jóvenes o son viejos y enfermos o con sus facultades mermadas. En cada década aparecen nuevos valores de la música que son jóvenes y llenos de vida y que consiguen el éxito fácilmente, aunque la música que hagan sea muy trillada y gastada , mientras que nadie se interesa por los músicos viejos o enfermos y por lo que producen. Chopin fue una excepción porque dió el modelo de un tipo de música llena de trucos, como el cromatismo y los cambios a tonalidades lastimosas, fabricando un producto musical que afecta fácilmente a la gente que es romántica o depresiva. Pero, al final Chopin no hizo otra cosa que fabricar un producto, es decir, su música siempre tan melancólica y romántica. Por otra parte, la aparición de otras técnicas alternativas para hacer música, como la del jazz, que se desarrolló en USA con toda una nueva manera de hacer música , que era como hacer música a máquina, pues te decían qué escalas podías usar en unos acordes dados y no tenías más que tocar esas escalas sobre esos acordes, como quien pinta por números, poniendo un color donde te dicen que hay un número en el lienzo. Esta novedosa manera de hacer música que supuso el jazz, también puso en evidencia que el sistema académico de los conservatorios no era ya el único posible , sino que ahora existía otra manera de hacer música, por el jazz y su manera de usar los acordes y las escalas, con total vía libre para la improvisación. Lo mismo respecto a las duras y estrictas reglas de armonía clásica que habian usado Mozart y tantos otros compositores y que con la llegada del jazz y luego del rock, se demuestran como innecesarias porque los jazzistas tocan los acordes crudos sin arreglar, sin aplicar las reglas de la armonía clásica, y suenan igualmente bien , aunque eso sí, no suenan a música clásica, y desde entonces se usa la " armonía funcional" en el jazz y el rock, es decir, se disponen las notas de los acordes no según las reglas muy rigurosas de la armonía clásica sino según cómo le suene al ejecutante, según su gusto. Por ello, la armonía clásica tan pesada de estudiar en los conservatorios, ha quedado en evidencia como innecesaria, excepto si quieres sonar como Mozart. Asimismo, la aparición de instrumentos de sonoridad muy potente, como la guitarra eléctrica o el sintetizador, ha dejado obsoleta la armonía clásica, porque uno solo de estos instrumentos ya " llena " tanto como una orquesta entera, sin necesidad de conocer las reglas clásicas para escribir la partitura para cada sección de la orquesta . Un sintetizador que imite a una sección de metales no necesita de las reglas de la armonía clásica para que suene igual de bien , pero puede usarlas y entonces todavía suena mejor. Por ello nos encontramos con millones de grupos musicales que tocan pasajes grandiosos con solo un sintetizador, y sin usar ninguna regla de armonía clásica ni tener ninguna necesidad de conocerla. Así ha caído también el mito de la armonía clásica inamovible ( mito que ya atacaron muchos compositores posteriores al "Tristán e Isolda" de Wagner). Por todo ello, la música es, en nuestra época, más democrática que nunca, y así lo demuestran millones de personas en todo el planeta que estan haciendo música ahora mismo. Lamentablemente, siempre aparecen los tiranos , los de siempre, qeu no se conforman con ser músicos como los demás y hacer su música como hacen los demás en su casa y estar ya satisfechos con esto, sino que quieren imponer la música que hacen como la única que se escuche en TV, radio y otros sitios, para ganar mucho dinero con ella. Estos mafiosos son siempre los enemigos del pueblo,l os enemigos de la democracia. Te los puedes encontrar como directivos de empresas, de recursos humanos, como empresarios mismos o como presidentes y consejeros de grandes compañías y bancos y todos son igual: violan las reglas democráticas para enriquecerse con algún negocio u oportunidad empresarial que les haga muy ricos, hundiendo a su competencia de todas las maneras posibles. Capitalismo salvaje en su forma más extrema, que es lo que ocurre exactamente igual en la música comercial. El deber del Estado, del gobierno, del defensor del pueblo, es controlar a todos los mafiosos que , poníendose ellos mismos por encima de la democracia y de sus valores de igualdad de oportunidades, quieren ganar mucho dinero imponiendo un monopolio exclusivo para ellos. Manuel Valls Gorina , en sus libros de los años 60 sobre la música, se preguntaba cuál sería el futuro de este arte, vistas las revoluciones que se habían dado en la música contemporánea, la llegada de un nuevo género como era la música de película, la industria del disco , los instrumentos electrónicos, el jazz, el rock y el auge de las músicas populares... Valls se preguntaba si el futuro lo estaba señalando un compositor de gran formación como Leonard Berstein que en sus obras mezclaba música clásica, contemporánea, jazz, rock y música de película. El futuro ha sido peor todavía de lo que podía temer Manuel Valls Gorina, porque internet y la informática han puesto al alcance de la mayoría de la población la posibilidad de componer y tocar música y han desvalorizado enormemente a este arte y han roto muchos de sus mitos, como el que se tenía que pasar por un conservatorio a hacer pesados ejercicios durante horas y años y estudiar pesadas materias como la armonía clásica, si se quería hacer algo en música que sonara . En nuestra época, hay millones de individuos que hacen música de todas las maneras posibles y ante tal cantidad e inflación de productos musicales, el público pierde el respeto por la música y no da ningún valor a este trabajo , con lo que la música se cae del pedestal donde la habían puesto tantos escritores románticos en los siglos pasados que cultivaban un culto a los genios compositores , para convertir a la música en un entretenimiento barato, fácil de hacer y que no tiene más importancia. Además, durante siglos los músicos han sido " trovadores" , es decir, que encontraban melodías y secuencias de acordes y con ellas hacían una canción o una obra musical. Los compositores no se obsesionaban por encontrar una melodía única y pegadiza e impactante ni unos acordes que sonaran muy novedosos , sino que la mayoría de las veces, los compositores como Maurice Ravel, dejaban fluir su musicalidad según lo que les sugerían unos acordes dados o las escalas modales que estaban usando, y así les iban saliendo unas melodías. Así componen también sus canciones y temas musicales millones de músicos " de internet", y claro, les salen canciones como tantas otras, ni buenas ni malas. Ni se sabe cuándo empezó la manía por componer música buscando la melodía perfecta y los acordes más poderosos , se dice que Beethoven se pasaba días y noches sin dormir ni comer ni lavarse hasta que encontraba los motivos musciales que estaba buscando, lo mismo hacía Wagner pero en hoteles caros , se puede rastrear ya en ellos esta tendencia del arte musical que dice que no basta con escribir melodías sencillas sugeridas por los acordes, sino que hay que encontrar melodías muy novedosas y originales y con una sonoridad única y distinguible, como la del "Danubio Azul". En la música popular, estas melodías únicas surgen muchas veces por casualidad, desde hace siglos, pero en nuestra época ,y especialmente con los Beatles, se ha convertido en una obligación que una canción o una composición deba tener algo de único, de invención nueva, de melodía especial o algo en su música que suene nuevo o muy original o muy característico, por ejemplo la música de Elmer Berstein para los "Siete magníficos " ( la música del anuncio de Marlboro), que enseguida que la escuchamos la identificamos por su ritmo tan especial y su melodía " del oeste " tan conseguida, una música que , además, por ser música de película , debe poseer cualidades de dinamismo y agilidad, como corresponde al tema de unos cowboys pistoleros. Se puede decir que es con los Beatles de una manera definitiva que la música es entendida por una mayoría del público ignorante, como un asunto de encontrar melodías y secuencias musicales que sean únicas y de gran impacto, como ocurre en las canciones del verano o las que suben al número uno de las listas de éxitos. Sin embargo, en otros siglos no pasaba esto, las melodías eran simplemente las que aparecían , las que " se encontraban" al tocar unos acordes o un aire musical. Pero el público actual se ha mal acostumbrado a escuchar solamentte la música que sea muy impactante y no aprecia ningún otro tipo demúsica. La aparición de internet y de millones de músicos " de internet" y millones de canciones y piezas musicales en internet ha puesto de manifiesto que gran parte de la música hecha en los siglos pasados solo tenía sentido si solo se podía reproducir una vez de cuando en cuando, con ocasión de un concierto en directo , porque no existían los discos, pero que desde que apareció el fonógrafo, la música se ha convertido en un asunto de cómo conseguir fabricar el producto musical que sea adictivo y que se pueda escuchar una y otra vez por horas sin cansarte y además atrapándote y mesmerizándote. Todo esto hace pensar sobre qué es la música y si no hemos dado demasiada importancia a un arte que , en esencia, no era más que unir unas melodías con unos acordes y un ritmo, y quizás también con unas palabras, y que no tenía más importancia. Una diversión que durante muchos siglos ha estado en manos monopolistas de unos pocos privilegiados, pero que internet ahora ha democratizado y ha puesto en manos de toda la humanidad. Quizás es esto lo que nos está enseñando internet sobre qué es realmente la música.

Canción comercial Los chicos que participan en concursos como Operación Triunfo, no entienden por qué las canciones comerciales que cantan ellos no tienen valor artístico, cuando ellos gritan mucho al cantarlas y le ponen mucho " sentimiento" y ellos creen que el arte consiste en eso, es necesario explicarles la diferencia entre una canción comerical y una canción de autor. De la misma manera que existe un periodismo comercial y un periodismo de autor, donde el periodismo comercial es ese que se limita a dar las noticias quele interesan al gobierno de turno, después de manipularlas según lo que esté de moda en la época para que gusten a la mayoría de la población, mientras que el periodismo de autor es aquel donde el director del telediario odel periódico expone sus puntos de vista libremente , asi como lo hacen los otros columnistas del periódico, sin atender a ninguna presión del gobierno de turno ni a ninguna exigencia de la gente ni de otros poderes fácticos. Así, la mayoría de los telediarios que vemos en las televisiones son del tipo comercial, pero de vez en cuando aparece un telediario de autor, como el que hacía José María Carrascal en los años 90, donde hablaba de todo lo que a él le parecía, sin ninguna presión ni injerencia exterior, siguiendo solamente su propio criterio y su propio pensamiento. En la canción ocurre lo mismo, hay los cantantes comerciales que hacen música para ganar mucho dinero y que al interpretar una canción, fingen creerse la letra que dice la canción y le ponen mucho " sentimiento" a esa canción, todo fingido, pues estamos ante un actor que está interpretando un papel, para ganar mucho dinero con esa canción comercial que está fabricada en estudios de grabación muy caros para ser vendida a millones y así lucrar tanto al cantante comercial como a losproductores de la canción, al compositor, al ingeniero de sonido y a algún otrolistillo metido también en el asunto. En cambio, la canción de autor, que desde hace muchos años es interpretada por los conocidos como "cantautores", no se hace para vender millones de plásticos ni para ganar dinero sino que el autor la hace para expresarse libremente y sin ninguna presión de ninguna compañía de discos ni de ningún manager ni de la moda ni del público. El cantante autor habla en sus canciones de su vida, de sus pensamientos y sentimientos y siempre es sincero, no está interpretando un papel y además solo sigue su propia evolución musical como creador y su propia consistencia de su obra artística y no sigue ningún otro dictado externo a él, como pueda ser los gustos de la mayoría de la gente. Es cierto que en la música comercial se da a veces alguna canción que es honesta, como por ejemplo "La vida sigue igual" de Julio Iglesias, que sin duda habla de una época muy mala del autor, pero estos casos son excepcionales, ya que la mayoría de las canciones comerciales no tienen otro sentido que crear adicción en el consumidor y dar enormes beneficios a sus fabricantes, como cualquier otro producto de consumo rápido y efímero. La mayoría de las otras canciones de Julio Iglesias son canciones comerciales, aunque hay que reconocer que están muy bien hechas como canciones comerciales, como su "Me va, me va, me va " o su "Soy un truhán, soy un señor". Además, este tipo de cantante comercial que en USA se llama "crooner", no solamente vende música a su público, sino que además tiene que vender estilo de vida , glamour, elegancia, atractivo físico, imagen . Por eso en la canción comerical es necesario que sus inérpretes sean guapos, atléticos y atractivos. En el caso de las chicas, tienen que ir bien vestidas y maquilladas y ser atractivas y glamourosas. En algunos casos extremos, deben comportarse como p. en el escenario pues además de canciones y de imagen, venden también sexo, como en el caso de Madonna o de Hanna Montana o como se llame ahora, cuyas actuaciones muchas veces no se diferencian nada de ir a ver una película porno. Algunas veces, coincide que el cantante comercial es además un gran músico ypor sí mismo posee valores artísticos, como fue el caso de Frank Sinatra, pero estos casos son excepcionales. Otras veces la canción comercial es música de baile, divertida y para pasarlo bien en las fiestas, como la mayoría de canciones de Georgie Dann, y este tipo de canción comercial hay que aceptar que ha existido siempre, pues los cancioneros tradicionales de todos los países están llenos de música divertida, de canciones infantiles para bailar , de canciones de siega, de fiesta , de primavera. En este sentido, se podría aceptar la canción comercial actual que sigue la tradición de la música bailable y divertida que siempre ha existido en todos lospaíses. Pero desafortunadamente, en cuando esta canción bailable entra en un estudio de grabación caro y se pone en manos de un productor pesetero, enseguida la convierten en un producto de consumo masivo adictivo. El cantante de autor no recurre a todos estos aditivos extramusicales como la imagen, el glamour o el sexo , para tener éxito, sino que muchas veces se presenta él solo, feo como es , con un jersey y su guitarra y nada más. Los cantantes comerciales no entienden que lo que ellos hacen no tenga valor artístico, y tampoco lo entiende gran parte de su público, porque mucha gente tiene una canción que es la canción de su vida, esa canción que escuchaba cuando se enamoró de su marido en una discoteca, porejemplo "Stay" que cantaba Jackson Browne a finales de los 70 o las canciones de los Bee Gees o de ABBA, pero el hecho de que una canción comerical sea la canción de tu vida no quieredecir que tenga valores artísticos. Para que una música tenga valores artísticos debe ser , en primer lugar, sincera , después debe seguir la evolución artística de su autor y su consistencia interna como creador, después debe tener méritos musicales , por su creatividad , originalidad, o innovación , o por la perfección de su composición y su interpretación. Mucha gente confunde a una canción comercial fabricada para engancharle, con una canción buena , porque esa canción comercial le ha emocionado o le ha hecho sentir un subidón, pero no se da cuenta de que la mayoría de las canciones comerciales están fabricadas precisamente para conseguir esos efectos. La canción de autor no se fabrica así, sino que depende de la inspiración del autor y del momento de su carrera, y si alguna vez le sale una canción realmente buena, es más por casualidad que por otra cosa, pues no estaba buscando componer una canción así. Y si esta canción emociona o impresiona a un público, es tmabién más por casualidad que por otra cosa, porque el autor no se proponía nada al componer esa canción, solo expresarse. por eso de vez en cuando aparecen canciones sencillas, no comerciales, auténticas, que llegan a mucha gente sin proponérselo, porque la gente nota cuándo una canción es auténtica y cuándo una canción es un producto de fábrica. Ser auténtico en la música quiere decir: seguir uno mismo su propio camino sin ninguna injerencia ni presión exterior, yendo allí donde te lleve tu evolución artística y humana , sin buscar ganar dinero con la música ni tener éxito. Pero los chicos que participan en operación triunfo no entienden esto y no entienden tampoco por qué sus canciones comerciales no tienen valor artístico. En otros estilos como el rock y el jazz también nos encontramos con el mismo problema de distinguir entre canción comercial y canción auténtica o de autor.En el jazz, la mayoría de músicos son imitadores de la figura de turno que aparezca en USA o en Europa y no hacen otra cosa más que imitar a esa figura, sea Charlie PARKER , MILES DAVIS, BILL EVANS, JOHN COLTRANE , y esta figura es la única que puede considerarse realmente como creadora de su estilo y , por lo tanto, como el equivalente a un cantante autor, mientras que los miles de sus imitadores como músicos de jazz , no son más que eso, imitadores y lo que hacen no tiene ningún valor artístico. Entre los grupos de rock , la mayoría son grupos comerciales que además aspiran a ganar mucho dinero con esto, pero de vez en cuando hay grupos de rock " de autor" que hacen música auténtica , aunque no guste a nadie, ni vendan discos ni tengan público, son grupos que siguen solamente su propia evolución artística y no siguen ninguna moda ni les importa la falta de éxito ni el silencio de los periodistas musicales y sus revistas, y hay incluso el caso de que algún grupo de rock " de autor", con el tiempo se ha vuelto un grupo de culto, como Velvet Underground, aunque en su época fuera un grupo despreciado por la gente y muy minoritario. Además, son siempre estos grupos " de autor" los que crean nuevas tendencias y estilos en el rock, y que luego van a ser imitados por miles de otros grupos de rock comerciales. Estos grupos de "autor" son siempre los más creativos, originales y experimentales , por ejemplo los Doors, y si el rock tiene algún valor artístico como música (lo cual es dudoso) , sin duda es gracias a estos grupos de rock " de autor". En el blues ocurre lo mismo, hay los auténticos blueseros de los años 30 y 40, muchas veces negros ciegos que cantaban por las esquinas por un duro, ellos son los que crearon los blues más auténticos y sinceros y de mayor valor artístico, ( y por eso constan en la "Northon Anthology of music" ) y luego vinieron los blueseros comerciales , casi siempre blancos como los Rolling Stones, Eric Clapton, Joe Bonamassa, que convirtieron a esos blues auténticos en un producto comercial que conocemos con el nombre de blues comercial, llegando a extremos como el de Gary Moore que muchas veces no se sabía si tocaba blues comercial o heavy. Pero todos estos blueseros comerciales siempre tienen que volver a los blueseros auténticos de los años 30 para buscar inspiración, porque ellos fueron los más creativos y de mayor valor artistico. Con Jimi Hndrix ocurrió lo mismo, creó un estilo nuevo y una manera de tocar la guitarra nueva y luego fue imitado por miles de grupos de rock duro y heavy, que convirtieron la música de Hendrix en un producto comercial, pero cuando necesitan inspiración, deben volver una y otra vez a escuchar los discos de Hendrix porque allí está todo . Por eso, para juzgar qué músicos han sido realmente artísticos y creadores, tenemos que fijarnos en aquellos músicos seminales que los otros músicos imitan y buscan y acuden cuando están faltos de ideas y necesitan inspirarse: y estos músicos seminales son siempre los más importantes artísticamente . En el cine ocurre lo mismo, tenemos el cine comercial y el cine " de autor". El cine comercial se fabrica para llenar las muchas horas de programación de televisión que se consumen cada día en todo el mundo y es un cine que no tiene otro siginificado y frecuentemente trata de temas de acción con muchos efectos especiales . El cine de autor es otra cosa, es una obra artística de primer nivel , a la altura de cualquier obra literaria o de otro arte, es un cine donde hay mucha creación de personajes, de escenas, de diálogos, se usan todos los recursos estilísticos que permite el cine y refleja el pensamiento o el estilo del director de la película, que es su autor casi siempre. El cine de autor no tiene por qué ser comercial, a veces es muy minoritario y solo para entendidos. Así hemos visto que en la música, como en otras profesiones, existe el músico que va a ganar dinero y existe el músico que es artista de verdad aunque no gane ni un duro con ello ( porque un cantante comercial no es un artista, aunque la gente lo llame así). Los compositores de carrera, los que componen óperas y sinfonias, son músicos de verdad, artistas que solo siguen su propio camino y su propia evolución artística comoprincipios de su vida y de su obra. Después de ellos se pueden considerar también músicos auténticos los que hacen canciones en diversos estilos, como medio de expresión personal y no para ganar dinero, es la canción de "autor. En el rango más bajo de la escala están los que hacen música comercial que novale nada artísticamente, y los imitadores y los plagiaros. Aunque el público que ve operación Triunfo no lo sepa, así funciona el mundo del arte, solo vale el creador original y auténtico, los imitadores y los falsos músicos que buscan un provecho comercial del arte utilizando técnicas y estilos creados por los músicos auténticos, no tienen ningún valor en el arte. Por supuesto, los que se enriquecen con Operacion Triunfo les da igual lo quedigan los teóricos del arte, solo les importa tener éxito y ganar mucho dinero. Su excusa es decir siempre que su producto musical se vende porque hay demanda , porque hay un público que lo pide, pero no dicen que este público está muy sugestionado por campañas de marketing y por un desconocimiento total del mundo musical real . POST ROCKVamos a ver qué entendemos por post -rock. Algunos grupos entienden por eso el tocar con acordeslo más raros posibles y con melodías disonantes, sin privarse de acompañarse por ritmos de batería derock, es decir, que siguen haciendo rock aunquepresuman de haber dejado ya atrás ese estilo que paraellos es muy anticuado ya. Para nosotros, el post-rock debería ser lo que indica elnombre, un estilo nuevo que llega despues de 70 añosde rock, un estilo que quiere ofrecer nuevas posibilidades a losmúsicos, ahora que el rock ya está bastante explotado y de todaslas maneras posibles y es un pozo seco de donde cuesta mucho trabajo sacaralgo nuevo y además los países están llenos de grupos imitadores otribute o grupos de versiones que todavía contribuyen más al hartazgo de ese estilo. El rock es visto por nosotros como un estilo yaanticuado, que pertenece a otra época, y nosotros queremos hacer un estilo nuevo despúes delrock, dejando el rock para los anticuados y losretrasados que están todavía en el siglo pasado. El post-rock es una reacción contra lo que se haconvertido el rock en estos sus 70 años de historia, cuando empezó era un estilo fresco, sencillo, rebelde,que permitía expresar sentimientos básicos gracias a susimplicidad musical, luego se ha convertido en un espectáculo de masas queda beneficios millonarios y en un "opio para el pueblo " utilizado por losgobiernos para tener contenta a la población. Han aparecido todo tipo de músicos especializados entocar en este estilo y que lo han llevado a su agotamiento por unvirtuosismo vacío en los instrumentos o por un abuso de los efectismos electrónicos así como por la utilización de todo tipo de técnicas dedudosa moralidad para inducir al consumo de los productos musicales,para hipnotizar a las serpientes ( el público ) y para mantenerle ignorante sobre la teoría musical ylas técnicas musicales, porque un público tonto es más fácil de manipular . El rock se ha convertido en una música fascista, como han denunciado sus mismos músicos como Sting, en una música totalmente integrada en el sistemapolítico y económico actual, una música utilizada por el sistema y que ha perdido las cualidades de estilo rebelde ,crítico y libre que tenía en sus primeros años, para venderse al sistema capitalista y para que lasestrellas del rock sean millonarias. El rock defiende actualmente y totalmente al sistemaactual y lo representa y le pone la música, por todo ello el rock ha pasado a ser un estiloanticuado, propio de gente atrasada y anclada en elpasado, gente que no deja que el actual sistema progrese y mejore,porque gana mucho dinero con el actual sistema. Las estrellas del rock, y de la canción comercial, se han convertido en los nuevos señores feudales queviven muy bien de explotar a la masa de gente obreraque llena nuestros países. La mayoría de estos músicos especializados en tocarrock, han conseguido encontrar fórmulas musicales quefueran a la vez muy comerciales, excitantes, divertidas yestimulantes, creando productos musicales de gran éxito que todosconocemos. Por todo esto decimos que ya ha pasado el tiempo delrock como estilo musical y que es necesario que llegue otro estilo nuevo, el post-rock., que evite todas las trampas en que ha caído el rock ensus 70 años de historia. El rock empezó como una música primitiva para gentede bajo nivel cultural y luego fue asimilada por el sistema porque dabamuchos beneficios económicos , pero el rock sigue siendo una música primitiva paragente de bajo nivel en conocimiento de la música, solo que ahora el rock es mayoritario y oficial en elsistema actual, que quiere que la gente sea así de ignorante ymanipulada. La gente consume productos musicales como el rockoficial y la canción comercial, sin darse cuenta de que son productos fabricados enestudios de grabación, utilizando todo tipo de técnicas yde trucos electrónicos para conseguir un producto deéxito inmediato , irresistible y adictivo. Si en los años 60 y 70 todavia se podían encontraralgunos grupos de rock que hacian una música sinconcesiones, totalmente auténtica, solo pensada parasus valores artísticos, desde entonces han desaparecido estos grupos minoritarios y verdaderos para que la canción comercial y el rock oficializado seanlo único que existe, desplazando y ahogando la posibilidad de cualquierexistencia de músicos fuera del sistema ( exceptuando a grupos punk que siguen existiendo ennúmero de cientos pero que nunca tienen laoportunidad de darse a conocer , fuera de sus comunasy de sus casas okupadas) , desde los años 70 hasta la actualidad la músicacomercial y el rock oficializado se han convertido en las únicas músicas existentes ,desplazando incluso a la música clásica que se ha tenido que reconvertir, como vemos hoy en día en que muchas orquestas clásicas tocan éxitoscomerciales, para sobrevivir. Desde los años 70 , el rock comercial se ha impuesto dade tal manera que hoy en día los jóvenes no saben queexisten otros estilos alternativos y más auténticos y se creen que la única música que existe es la cancióncomercial. Contra este estado de cosas aparece el post-rock. En el post-rock no vas a encontrar guitarristas quetocan a mil por hora con todo tipo de pedales de sonido, ni vas a encontrar grupos que os den una gran subidónde marcha y excitación, ni vas a encontrar grandes canciones que no podéisparar de escuchar una y otra vez, ni una calidad de sonido extaordinaria, ni un producto musical muy bien hecho y acabado, ni la perfección al tocar que es propia de los músicos deestudio de grabación, ni nada de lo que es característico de la músicacomercial de los ultimos 40 años, porque el post-rock quiere evitar precisamente todoesto, en especial la manía por la perfección que es propia dela música comercial que quiere grabar discos perfectoscon sonido perfecto y ejecución perfecta ( a base de repetir una y otra vez las tomas en el estudiode grabación hasta que salgan perfectas ), el post-rock se conforma con simplemente tocar, sinbuscar la máxima perfección de las grabaciones.En el post-rock solo váis a encontrar música y nada más.El post-rock puede mantener todavía ritmos de rock a labatería, pero sin pasarse y sin convicción , solo como unos ritmos más que se pueden usar . El post-rock, en cambio sí debería prescindir de laguitarra eléctrica porque es un instrumento demasiado comprometidocon el rock antiguo y molesta ahora en el post-rock, sobre todo porque la guitarra eléctrica se ha abusadomucho de ella, con solos larguísimos de los guitar-heroes que las másde las veces no tocaban otra cosa que efectismos llenosde pedales de sonido y escalas pentatónicas ya muygastadas. En estilos como el country, llevamos muchos años yaescuchando canciones que siempre se parecen unas alas otras y con los mismos solos de guitarra Telecaster y lo mismo pasa en el heavy, siempre los mismos riffs ysolos de guitarra con Marshalls al límite. El jazz es una música para esnobs que se creen que eljazz es una música "superior" para gente "superior", cuando solo es un estilo más de la música vulgar, que fabrica sus productos jazzisticos de gran éxito, que crea fanáticos de este estilo viciados en soloescuchar jazz, donde tantos músicos de jazz no son más queimitadores de las grandes figuras del jazz y copian sussolos, y después de 100 años de historia , el jazz ya está muygastado también, y además el jazz se ha convertido en la música delsistema y oficializada en lugares donde su población esesnob y muy creída, que cree que el jazz es una música para gente "superior"de nivel " superior" , cuando el jazz solo es un música vulgar más, y que depende, como las otras musicas vulgares, de queaparezcan figuras que pongan de moda un subestilo deljazz o una manera de tocar que luego todos los otrosmúsicos de jazz imitan, o de la aparición de productos musicales de jazz muybien pensados que luego todos los otros músicos de jazzquieren tocar.El postrock debería dejar a un lado así a muchos de lossubestilos de los que se ha nutrido el rock, como elblues, el jazz , el country, la canción melódica ycomercial e incluso la música clásica. El post-rock debería ser muy experimental y usar todaslas técnicas ensayadas por los compositores del siglo XXcomo Stravinsky o Schoenberg, y debería hacer canciones no comerciales, sino simplemente canciones que tuvieran sentido paralos músicos autores. El post-rock debería evitar entrar en el circuito de lamúsica comercial y de los grandes festivales quegeneran miles de millones de euros en beneficios, porque esos lugares pertenecen al pasado, a la explotación del rock y de la música comercial paraganar mucho dinero dentro del sistema ultra capitalistasalvaje, el post-rock sería un estilo underground, minoritario,marginal, que nunca aspiraría a ganar dinero con lamúsica sino solo a tocar su música. El público para este nuevo estilo post-rock no sería, porsupuesto, el gran público de la televisión y de losgrandes conciertos de rock, sino un público de connoisseurs, entendidos , siempreselecto , elitista y culto. Un público de intelectuales, como tenía VelvetUnderground, que nunca fue un grupo de mayorías. El post-rock debería evitar el uso de todos los trucosque utilizan los músicos de la música comercial y delrock , como los grandes estudios de grabación de sonido dealtísima calidad, los pedales de efectos, las mezclas , las multipistas ysus manipulaciones, y los grandes equipos de sonido de los grandesconciertos. Los grupos de post-rock deberían usar amplificadoressencillos, de poca potencia, no deberían abusar de lospedales de efectos y otros trucos y usarlos solo cuando tuvieran un significado en lacanción. LOS GRUPOS DE POST-ROCK, COMO LOS GRUPOS DEPUNK DE mediados de los años 70, se rebelan contra el actual negocio de la música rock ,contra sus figuras millonarias, contra el culto a la estrella del rock, contra el control que tienen grandes compañíasdiscográficas y managers sobre el negocio de la músicarock, contra los vendedores de plásticos a millones, contra los compositores de canciones comercialesestúpidas y adictivas, contra el público ignorante que compra toda esa basura,contra los concursos de televisión tipo OperacionTriunfo que convierten en millonarios en dos días aniñatos que solo cantan canciones bobas y de cuatronotas, contra los gobiernos que permiten este estado de cosasy contra los gobiernos que no hacen nada pararegularizar la profesión de músico y permiten que existan todo tipo de mafias y demonopolios y de chanchullos en televisiòn y radio con la música y su negocio. El post-rock no busca, como el rock, impresionar alpúblico y tocar solos de guitarra a mil por hora, ni busca someter al público por un volumen de sonidoaplastante, ni por canciones pegadizas irresistibles, ni busca ganar dinero con la música , el post rock aspira solamente a tocar música y nadamás. Este movimiento post-rock se parece mucho almovimiento punk de mediados de los años 70, ellos protestaban contra los grupos dinosaurios comoYes o Led Zeppelin que llenaban estadios de 100.000 espectadores yvendían millones de discos y no dejaban que existiera ningún otro grupo. Los punk se rebelaron contra ese ambiente asfixiante demediados de los años 70 y propusieron hacer canciones sencillas y tocar parapasarlo bien, pasando totalmente de los grandes grupossuperventas. Nosotros proponemos lo mismo, que cada grupo quehace post-rock se lo pase bien tocando, pasando totalmente de la televisión y la radio y lamúsica comercial y de todo el tinglado supercapitalistaen que se ha convertido el rock, convirtiendo en millonarios a sus figuras que tienen susdineros en paraísos fiscales. Los grupos de post-rock prefieren tocar para ellosmismos en vez de apalancarse a ver los supergrupos derock en un estadio. Los grupos de postrock además, dejan a un lado granparte del material musical , instrumentos, y equipos quese han usado hasta ahora en el rock , para hacer una música más experimental, más libre, no atada a la necesidad de vender discos ni de conseguirun éxito comercial, una música que no tiene por qué usar la guitarraeléctrica y sí otros instrumentos, una música donde es más importante la creatividad delos músicos que la perfección técnica del resultado final. Una música libre porque los músicos tengan la libertadde tocar lo que quieran y de improvisar y deexperimentar lo que quieran. UNA MÚSICA QUE PUEDE SEGUIR USANDO FORMULASDE CANCIONES Y ESCALAS USADAS EN EL ROCK O ENEL JAZZ PERO CON UN SENTIDO DISTINTO. Una música que no tiene porqué llevar el ritmomachacón del rock para tener éxito sino que puede experimentar con muchos otros ritmosposibles. Unas canciones donde exista realmente la libertad deexpresion y se pueda decir lo que se quiera, contra los políticos, contra el sistema, contra la vida ocontra lo que sea. Sin necesidad de que las letras tengan métrica , puedenser en verso libre. Una música que a principios de los años 70 se llamaba "rock progresivo " y que era todo lo opuesto a la música comercial deentonces, representada por gente como Julio Iglesias oCamilo Sesto. Una música donde los músicos no tengan la sensaciónde que están trabajando en una fábrica, como pasa al tocar la música comercial, sino que estén felices porque hacen lo que quieren y contotal libertad y pueden expresar libremente sus ideas musicales y sucreatividad. Una música democrática donde todos los miembros delgrupo pueden contribuir libremente a las canciones delgrupo añadiendo y aportando lo que quieran sinninguna censura ni prohibición. Así debería ser un grupo democrático, cuya músicafuera realmente la suma de las aportaciones de todossus miembros, cada uno con sus ideas y estilo, sin ninguna censura . El post-rock se ofrece , como el rock hippie y progresivode finales de los años 60 y el punk de mediados de los70, como alternativa a la muy mayoritaria música comercialque se nos impone actualmente por todos sitios,especialmente por la televisión y las radios, como alternativa a esa música comercial, el post -rockes todo lo contrario que pueda ser de la músicacomercial. En Cataluña, donde todo el negocio musical estácontrolado por la música pachanga en catalán, el post -rock debería ser una protesta contra la músicacomercial en catalán y una protesta contra su dominio de todo el negocio musical en Cataluña. El post-rock en Cataluña debería ser una protestacontra el rock comercial en catalán.En resumen , el post-rock debería ser una musica másartística que comercial, donde primara el desarrollo artístico de los músicos , de sus ideas musicales y de su progresomusical, una música artística relacionada con las otras artes y losmovimientos artísticos de vanguardia y de otras épocas. La música debe existir por sí misma como arte aunqueno guste a nadie ni tenga público ni dé dinero, pero sí realice al músico como artista. El post-rock, es, pues, arte por amor al arte.