Tristan Murail est, avec Gérard Grisey, un des deux grands représentants de ce qu'il est convenu d'appeler la "musique spectrale". L'expression indique une référence constante à la structure microscopique des spectres sonores : c'est la vie intérieure des sons, avec leur harmonicité ou inharmonicité, leurs transitoires d'attaque ou d'extinction, qui constitue chez Murail le modèle par excellence pour construire des formes musicales. Cet ouvrage - le premier entièrement consacré à l'œuvre de Murail - évoque sa situation esthétique face à (...) d'autres courants de la musique d'après 1945. Un long entretien donne la parole au compositeur, pour retracer un parcours qui l'a mené de Messiaen à Scelsi et au-delà, ainsi qu'au pédagogue (Murail enseigne depuis plusieurs années aux Etats-Unis). Une analyse approfondie de l'une de ses pièces marquantes, L'Esprit des dunes, permet d'entrer dans son atelier, de suivre le processus de création qui conduit de l'analyse des sons à l'invention des formes. Enfin, Tristan Murail lui-même revient en détail sur chacune de ses œuvres, nous livrant son regard rétrospectif en un document précieux. (shrink)

Propose un parcours initiatique parmi des extraits d'oeuvres picturales et musicales du XXe siècle et des idées leur étant contemporaines, issues de la philosophie et des sciences humaines. L'argumentation vise aussi à étayer l'hypothèse de correspondances entre les langages des arts et des idées. La problématique concerne ainsi l'esthétique, l'éducation et la communication.

Introduction -- L'action et la création comme manifestations intensives de la vie -- Le primat de l'action et la place de la création dans les philosophies de l'action -- Le primat contemporain de la création -- Danse et musique, corps et rythme -- La création musicale aujourd'hui : du démembrement à la recomposition? -- Conclusion.

This essay focuses on the phenomenon of synesthesia. In an attempt to differentiate between genuine synesthesia and metaphorical synesthesia, I have searched for shared traits among synesthetic visual artists, as well as among composers and performing musicians. The field of synesthesia has been rife with misunderstandings. Though ever increasing numbers of exhibitions, books, and articles have used the title or subtitle, “Synesthesia in art and/or music”, few of these adequately define synesthesia. The major cause of the problem is that art (...) and music historians and curators, as well as artists and composers themselves, have confused the desire to intermingle various art forms with the phenomenon of genuine synesthesia. I show the existence of recurrent patterns of artistic response to synesthetic experience, the evidence of shared characteristics, by taking the examples of Carol Steen, Marcia Smilack, Joan Mitchell, David Hockney, Messiaen. I also present the results of my investigation on the synesthetic perceptions of the pianist Joyce Yang. Cet essai porte sur le phénomène de la synesthésie. Pour bien différencier synesthésie authentique et synesthésie métaphorique, j’ai recherché des traits communs chez les artistes visuels synesthètes, ainsi que chez les compositeurs et les musiciens interprètes. Le champ de la synesthésie a été envahi par des malentendus. Bien que de plus en plus d’expositions, de livres et d’articles utilisent le titre ou le sous-titre « Synesthésie dans l’art et/ou la musique », peu d’entre eux définissent adéquatement la synesthésie. La principale cause du problème est que les historiens et les conservateurs d’art et de musique, ainsi que les artistes et les compositeurs eux-mêmes, ont confondu le désir d’entremêler diverses formes d’art avec le phénomène de la véritable synesthésie. Je montre l’existence de modèles récurrents de réponse artistique à l’expérience synesthésique, l’évidence de caractéristiques partagées, en prenant les exemples de Carol Steen, Marcia Smilack, Joan Mitchell, David Hockney, Messiaen. Je présente également les résultats de ma recherche sur les perceptions synesthétiques de la pianiste Joyce Yang. (shrink)

Résumé — Au même titre que les autres activités artistiques, mais encore plus intensément, la musique exprime le questionnement métaphysique, d’une part en le doublant à sa manière, d’autre part en veillant à le rendre plus intense, plus direct, plus total ; enfin, en se prêtant elle-même à manifester l’essence réelle du monde, de l’être et de l’absolu. Par son caractère à la fois intuitif et discursif, elle rend compte plus globalement de la réalité pour la connaissance de laquelle (...) elle partage avec la métaphysique un intérêt intégral, authentique et constamment renouvelé. Ses particularités essentielles la désignent indiscutablement comme l’alliée la plus sûre de la métaphysique, mais aussi de la philosophie dans son ensemble. De ce point de vue, elle est loin de s’attaquer aux seuls problèmes propres à la pure contemplation, et illustre la thèse de Socrate pour qui « la vie qui n’est pas soumise à un examen est invivable », formule que Platon reprendra plus tard à son compte, en parlant d’une vie privée des bienfaits du grand art. On affronte les problèmes de la vie humaine en suivant chacune de ces deux pistes ; de cette même vie qui tout entière nécessite rythme et harmonie, ce rythme et cette harmonie qu’au dire du Protagoras platonicien seule la musique est à même d’offrir pour la meilleure intégration de l’homme dans l’univers.— In the same way as the other artistic activities, but even more intensively music expresses the metaphysical questioning on the one hand by duplicating it in its own manner ; on the other hand, by trying to render it more intense, more direct and total ; finally, by manifesting itself the real essence of the world, of the being and of the absolute. Through its character, both intuitive and discursive, it globally expresses the reality for the knowledge of which it shares, together with metaphysics, an integral, authentic and constantly renewed interest. Its essential particularities undoubtedly designate it as the most reliable ally of metaphysics and of philosophy as a whole as well. From this viewpoint, far from dealing with problems proper to pure contemplation, it illustrates Socrates’ thesis according to which « a life not submitted to examination is not worthy to be lived », a formula that Plato resumed later on his own terms by referring to a life deprived of the benefits of the great art. One faces the problems of human life by following either of these two tracks ; of this same life which, in its whole, needs rhythm and harmony, values that, according to Plato’s Protagoras, only music is able to offer for man’s best integration into the universe. (shrink)

L'art est la chair de la vie. Il incarne la vie intérieure comme renonciation. L'art est en effet la réalité même de l'affect en tant que ce dernier s'annonce comme étant, dans son essence universelle, à la fois aspiration et renoncement à l'absolu. C'est cette thèse que le philosophe Patrice Guillamaud avait déjà défendue à propos du cinéma et qu'il développe ici à propos de l'ensemble des différents arts. Il s'agit ainsi d'un nouveau système des Beaux-Arts. Celui-ci met en évidence (...) les différentes essences de l'art à partir des différentes manières dont celui-ci fait participer la vie aux différentes sphères de la réalité que sont notamment la pensée, la nature et l'histoire. De la littérature à la musique, en passant par la peinture et l'architecture, l'art est la vie comme renonciation. De Proust à Schönberg, de Botticelli au Corbusier et de Dostoïevski à Beckmann, c'est la même essence universelle de la vie qui se livre dans chacune des grandes oeuvres de l'art. (shrink)

Ces textes sont ceux d'un artiste engagé dans la société et d'un critique affirmé. Ils abordent des thématiques fondamentales: le rapport de l'artiste avec son sujet de travail, la lecture explicative de textes littéraires et le dialogue avec les auteurs, le questionnement sur les fondements des manifestations culturelles en société. Mais ils évoquent aussi des aspects plus régionaux, avec un entretien sur un rite de société, l'explication de quelques fondamentaux de la musique en Afrique, un historique des arts visuels (...) en Côte d'Ivoire et au Togo. Ils ne pouvaient se clore que par l'analyse des corrélations entre fonds et formes, pour trouver et déterminer des évidences plastiques. (shrink)

"Music before all else..." yes, but what music, when the last century focused on discussing the very concept itself? This work studies the passage from modern art to contemporary art while considering the fundamental transformations of the musical paradigm.

"En fabriquant des outils, en accédant au langage articulé, en s'affranchissant progressivement des contraintes de la sélection naturelle, l'homme a donné toute liberté à son imagination, à ses rêves et à ses émotions. Peu à peu, la conscience du beau s'est imposée à lui, avec l'acquisition de la notion de symétrie, l'émergence du sens de l'harmonie, puis l'apparition de la parure, de l'art mobilier, de l'art pariétal, et même de la musique... Le sens de la beauté est une des (...) aspirations les plus profondes de la nature humaine à la recherche de la transcendance. Mais quand, et comment, ce sentiment de la beauté émerge-t-il? Qu'elle est la signification du beau? Peut-il y avoir une beauté en mathématique? Quelles ont été les grandes étapes de l'évolution de l'art préhistorique? De l'art médiéval? Qu'est-ce que le " Beau idéal "? Peut-on avoir une émotion esthétique? Que signifie le beau dans l'art contemporain? C'est à ces questions essentielles que répondent Henry de Lumley et son équipe, composée d'historiens, de physiciens, de mathématiciens, d'artistes, de philosophes et de théologiens. Ce livre, tiré d'un cycle de conférence tenu au collège des Bernardins, est une grande synthèse qui bouscule les interprétations dominantes sur l'idée de la beauté." [Source : 4e de couv.]. (shrink)

L'esthétique étant considérée en Occident comme la science du beau, celle de Marc-Mathieu Münch stipule qu'une oeuvre littéraire belle est celle qui suscite dans la psyché du lecteur-auditeur un effet de vie à travers le jeu cohérent des mots. Les études interartistiques (prenant en compte tous les domaines artistiques à la fois - littérature, musique, architecture, peinture) serait le lieu idéal d'évaluation d'une telle théorie.

Par-delà toute prise de position idéologique ou politicienne, la réflexion sur l'écologie est devenue de plus en plus présente dans notre société contemporaine, et les musiciens n'ont pas tardé à se sentir fortement concernés, ce qui a suscité, de leur part, des réponses de multiples natures. Certains compositeurs ont cherché à investir des lieux plus ouverts que la traditionnelle salle de concert, tandis que d'autres ont eu recours aux moyens technologiques et médiatiques les plus récents pour capter et diffuser les (...) sons qui nous entourent afin de les reprendre à leur compte ou de dialoguer avec eux, voire les révéler tels quels. La musique ayant de plus en plus tendance à envahir notre quotidien, d'autres encore ont entrepris de créer de nouveaux types d'environnement et de signalétique sonores. Et ces tentatives s'accompagnent fréquemment de confrontations avec différentes disciplines artistiques. L'initiateur d'une telle démarche n'était-il pas Erik Satie avec sa "musique d'ameublement"? Mais qu'aurait-il pensé du matraquage de la Muzak quelques décennies plus tard? (shrink)

Ioulia Podoroga | : Dans cet article, je pose le problème des rapports entre philosophie et littérature à partir du cas de Boris Pasternak, dont la vie et l’oeuvre permettent d’envisager une nouvelle articulation entre les deux disciplines, en mobilisant un schème paradoxalement hégélien. Schème hégélien, car fait de trois mouvements, de sa pratique musicale vers la philosophie pour aboutir à une relève dans la poésie. Mais schème anti-hégélien, parce que la triade hégélienne est inversée : la philosophie est le (...) moyen-terme, mais qui reste central, dans l’acheminement vers l’accomplissement du système par la poésie. | : In this article I raise the problem of the relationship between philosophy and literature basing it on the case-study of Boris Pasternak’s writings, whose life and work enable us to envisage a new linkage between the two disciplines by mobilizing a paradoxically Hegelian scheme. Hegelian scheme because of its three movements : from his musical practice towards poetry via philosophy. But anti-Hegelian scheme, because the Hegelian triad is reversed : philosophy is the medium-term but still central in the movement towards the completion of the system by poetry. (shrink)

Silence et sagesse montre combien les innombrables expériences et ascèses du silence, à travers la littérature ou les arts aussi bien que la philosophie ou la théologie, ont contribué à la constitution de la culture des hommes et de leur hominisation, au-delà ou en deça du logos et de son primat.

Dans la musique récente ainsi que dans les arts sonores, l'émergence du son s'affirme comme noeud de questionnements théoriques et pratiques. Parmi ces questions, plusieurs portent sur l'interaction permanente du son avec ce qui l'entoure : l'espace physique, l'environnement, le milieu, l'auditeur... Ainsi débouche-t-on sur l'écologie du son au sens large du terme "écologie" comme rapport du son à l'oikos, le monde. On pourrait donc demander : quels sont les liens de la musique ou du son avec l'environnement (...) et la nature, avec la société, et, plus généralement, quels sont les liens entre musique-son et monde? (shrink)

Dans les Cours d'Esthétique, qu'il prononce à Berlin entre 1820 et 1829, Hegel propose une théorie de la musique et analyse le rapport de celle-ci avec les autres arts dans l'ensemble du système philosophique. Mais comment le philosophe, qui n'est pas connaisseur, peut-il penser la musique de son temps? Sur quelle base se construit la réflexion? Et comment la reconstituer scientifiquement à partir des différentes sources? Le présent ouvrage apporte une réponse à ces questions en replaçant le discours (...) hégélien dans l'arrière-plan socio-historique de la vie musicale contemporaine, et en reconstituant, pour la première fois, la théorie de Hegel à partir des manuscrits inédits des différents cours. La spéculation apparaît alors dans toute son originalité, comme le prolongement des multiples expériences faites au théâtre et au concert. La conception de la musique comme manifestation de l'esprit absolu se vérifie alors dans l'expérience la plus concrète. (shrink)

In the realm of language a special case of mimetic illusion is the calembour, where the sound of a phrase signifies something else than what is written. At the end of the XVI century the artistic expression of this phenomenon gave birth to the paintings of Arcimboldo, who separated the contour of an object form the linear organization of the surface, in order to feature another object, through a kind of “polyphonic” dissociation between meaning and form. Strangely enough, nothing has (...) been written, in modern musicology, about the musical analogue of this phenomenon, but one can prove that it was not confined to paintings. The art of dissociating signs and meanings, was very well known by musicians not only through poetics, but also through musical mathematics, and above all by the study of the ancient Greek theory of metabolai, about the qualitative change of an harmonic form through the ambiguity created with others forms. (shrink)

Une enquête sur le statut et les usages du document sonore dans la musique contemporaine depuis les débuts de la phonographie, par le compositeur et musicologue qui travaille au croisement de la musique électroacoustique, de la composition contemporaine et de l'art sonore.

J’appelle « présentation esthétique » le fait, pour un artiste, de présenter certaines conditions ou certains moyens de son art dans les formes même de son art, de manière sensible (« esthétique ») et non pas discursive. Dans certaines œuvres, le musicien présente esthétiquement certains instruments de musique : l’instrument n’est plus seulement au service de la musique, il est mis en avant pour lui-même. La musique devient alors l’instrument de son instrument. J’analyse de ce point de (...) vue les Six Concerts à plusieurs instruments de Jean-Sébastien Bach et la série des seize Sequenze de Luciano Berio. Mais la distinction entre « utiliser » simplement un instrument et le « présenter » n’est pas simple. Il est difficile d’utiliser un instrument sans le présenter au moins tendanciellement, et impossible de le présenter sans l’utiliser. L’attention esthétique de l’auditeur a aussi sa part dans ce processus. (shrink)

Le tissu comme support, matériau ou modèle traverse l'histoire de l'art, et se manifeste également sous la forme d'analogies ou de métaphores dans d'autres disciplines artistiques. La racine étymologique qui lie la notion de texte au champ lexical du tissage établit un jeu d'échos entre la patience de Pénélope à défaire et refaire son ouvrage et le travail même du poète et l'image du tissage surgit encore, tout naturellement, dans la terminologie de Derrida pour définir ce qui fait l'essence même (...) d'un texte. La diversité des hantises exercées par la notion de texture et par l'objet tissu conduit à un questionnement mettant en jeu la connaissance des textiles aussi bien que l'analyse des pratiques artistiques et des formes esthétiques auxquelles le tissage a pu donner lieu. Ce volume se fonde donc sur une approche croisant histoire de l'art, esthétique et littérature pour interroger la façon dont l'image de la chose tissée travaille le monde de la création artistique. La recherche collective qui prend forme dans ces pages propose d'explorer les prouesses d'une métaphore peut-être irremplaçable, et peut-être nécessaire à la survie de l'oeuvre d'art en son essence. (shrink)

L'humour en musique n'a pas bonne presse. Labile, déroutant, anecdotique, il a été vilipendé par certains philosophes et compositeurs de la modernité – Schopenhauer, Adorno, Varèse et Boulez en tête – tandis que d'autres – Bergson, Jankélévitch – y voyaient l'expression d'une légèreté sérieuse, l'essence même de l'art. Après une période de déni, consécutive à la Seconde Guerre mondiale, l'humour musical se manifeste depuis les années 1960 chez de multiples compositeurs comme Mauricio Kagel, Gyêrgy Ligeti, Luc Ferrari, Luciano Berio, (...) Bruno Maderna, Arvo Part, Krzysztof Penderecki, Régis Campo, etc. Les quatorze articles réunis dans ce volume tentent tout d'abord d'en éclaircir les principales nuances et de caractériser les cousinages avec le comique, la satire, la parodie, l'ironie. Un deuxième temps est consacré à l'étude du rire musical, ses techniques et sa sémantique. Sans être toujours attaché à l'humour, il engendre des significations secondaires : la peur, la folie, le désespoir. La dernière partie aborde l'esthétique de la satire, qui révèle de riches intertextualités, en particulier à travers le détournement de citations. Y sont également abordés les liens qu'entretiennent l'humour et ses dérivés avec les mutations postmodernes et hypermodernes des sociétés occidentales. (shrink)

ArgumentIl s’agira, en s’appuyant sur les analyses de Heidegger, Merleau-Ponty et Gadamer, et sur des exemples empruntés aussi bien à l’architecture et à la peinture qu’à la littérature, à la poésie et à la musique, de montrer que l’œuvre d’art, loin d’être intemporelle, possède une temporalité spécifique, qui est celle de la présence actuelle et de la contemporanéité.

L'auteur se demande ce qui fait que la musique, qui ne montre ni ne dit rien de précis, se fasse si bien écouter au point de saisir l'être tout entier. A travers peinture et littérature, il propose une promenade à travers le langage de la musique et des arts.

Aucune discussion d'ensemble des ecrits de Lyotard sur l'art n'avait ete entreprise. Or sa reflexion sur les arts - musique, cinema, peinture surtout - est une part essentielle de son oeuvre, comme en temoignent les analyses proposees dans Discours, figure, Que peindre?, Moralites postmodernes, L'Inhumain et Les Ecrits sur l'art contemporain et les artistes. Moins remarque pourtant est le fait que Lyotard a collabore avec des peintres (Monory, Guiffrey, Adami, Sam Francis, Appel, Buren, etc). Il a ete commissaire d'une (...) exposition en 1985 qui a fait date, " Les Immateriaux ", au Centre Georges-Pompidou. Plusieurs textes du volume ainsi qu'un entretien inedit avec Bernard Blistene sont consacres a cette manifestation. Pour ce livre Francoise Coblence et Michel Enaudeau ont sollicite non seulement des lecteurs avertis de Lyotard (Christine Buci-Glucksmann, Elisabeth de Fontenay, Jean-Michel Rey, Jean-Loup Thebaud, Herman Parret, Anne Cauquelin, Gerald Sfez, Jean-Claude Rolland, Claudine Eizykman et Guy Fihman, Jean-Francois Nordmann, Jean-Patrice Courtois), mais aussi de plus jeunes chercheurs (Gaelle Bernard, Frederic Fruteau de Laclos, Claire Pages, Jerome Glicenstein, Maud Pouradier, Evelyne Toussaint) qui decouvrent pour leur propre compte le travail de Lyotard sur les arts. Les contributions rassemblees analysent les concepts forges par Lyotard, tels que " figural ", "libidinal ", " sublime ", " immateriau ", " matiere ", " impresentable " " affect ", " ecriture ". A travers eux, cette pensee de l'art veut rompre avec l'esthetique au sens academique du terme pour voir ou entendre dans les oeuvres l'evenement de la couleur ou du son. C'est donc bien d'un enjeu " ontologique " qu'il y va : l'art est seul a nous presenter la frappe sensible de l'etre. (shrink)

Depuis le milieu du XIXe siecle, on a generalement considere qu'un cycle de sept disciplines scolaires (grammaire, dialectique, rhetorique, musique, astronomie, geometrie et arithmetique), connu au Moyen Age sous le nom des sept arts liberaux, avait constitue la base de l'instruction habituelle et cela depuis l'epoque hellenistique jusqu'a l'epoque imperiale et au Moyen Age. Cette these, largement vulgarisee par le livre Histoire de l'education dans l'Antiquite d'Henri-Irenee Marrou, est fondamentalement remise en question dans le present ouvrage, qui montre que (...) ce fameux cycle des sept arts, que l'on croyait deja connu par Varron au Ier siecle avant J.-C., est ne en realite dans le neoplatonisme et n'a jamais constitue le programme d'education des jeunes gens de rang social eleve au cours de l'Antiquite. Cette nouvelle edition comprend des notes additionnelles au texte prealablement publie, un reexamen de la question varronienne qui tient compte de publications parues entre 1983 et 2003 (B. Cardauns, N. Cipriani, J. Doignon et D. Shanzer), et six articles sur certains themes fondamentaux traites dans la premiere edition, comme l'enseignement des mathematiques et de la medecine a l'epoque imperiale, l'organisation de l'enseignement philosophique, l'attitude des philosophes a l'egard du savoir encyclopedique ou la signification du terme eclectique dans la philosophie antique. (shrink)

Les propos du professeur Claude Dauphin exposent les fondements de la pédagogie musicale, depuis les philosophes de l'Antiquité jusqu'aux grands innovateurs du XXe siècle. Tour à tour théorique et passionné, l'auteur inscrit son discours dans la réalité sociale et politique contemporaine et ne se prive pas de critiquer les dérives utilitaristes de certaines réformes. Contre le conformisme académique, rappelle-t-il, il n'est de meilleur remède que la transmission de l'amour de l'art. Il en fait une brillante démonstration dans ce livre, notamment (...) par ses études sur les oeuvres de Mozart et de Beethoven, dans le contexte de la diversité des genres et du croisement des cultures. (shrink)

Toutes les cultures ont accordé à la musique un pouvoir surnaturel. Elle fascine le philosophe qui a pu y voir le langage même de l'Idée. Dans l'opéra, elle exalte les grandes figures littéraires auxquelles elle confère la force des mythes. Mais elle est aussi un instrument de fascination des peuples, comme en témoignent son utilisation sous les divers fascismes ou la toute puissance de l'actuel fétichisme musical. Les textes de ce recueil envisagent quatre aspects majeurs de cette fascination musicale. (...) Celle du philosophe qui, de Platon à Nietzsche ou Husserl, parait à la fois enchanté et médusé par le charme de la musique. Celle du poète qui rêve de porter le langage à la limite du dicible, mais redoute, comme Mallarmé, de le voir s'évanouir en musique pure. Celle de l'écrivain qui, tel Hoffmann, Stendhal ou Butor, rivalise parfois avec le compositeur dans l'invention d'une écriture musicale. Celle, enfin, qui nous saisit lorsque l'art lyrique donne à la voix une puissance de séduction démoniaque, où la jouissance esthétique, l'érotisme et la mort se confondent en une expérience sublime. La question de la fascination musicale conduit à s'interroger sur l'essence même de la littérature comme sur les limites de la pensée rationnelle, dans une approche qui unit intimement la poétique et l'éthique, l'esthétique et le politique. (shrink)

Depuis le milieu du XIXe siecle, on a generalement considere qu'un cycle de sept disciplines scolaires (grammaire, dialectique, rhetorique, musique, astronomie, geometrie et arithmetique), connu au Moyen Age sous le nom des sept arts liberaux, avait constitue la base de l'instruction habituelle et cela depuis l'epoque hellenistique jusqu'a l'epoque imperiale et au Moyen Age. Cette these, largement vulgarisee par le livre Histoire de l'education dans l'Antiquite d'Henri-Irenee Marrou, est fondamentalement remise en question dans le present ouvrage, qui montre que (...) ce fameux cycle des sept arts, que l'on croyait deja connu par Varron au Ier siecle avant J.-C., est ne en realite dans le neoplatonisme et n'a jamais constitue le programme d'education des jeunes gens de rang social eleve au cours de l'Antiquite. Cette nouvelle edition comprend des notes additionnelles au texte prealablement publie, un reexamen de la question varronienne qui tient compte de publications parues entre 1983 et 2003 (B. Cardauns, N. Cipriani, J. Doignon et D. Shanzer), et six articles sur certains themes fondamentaux traites dans la premiere edition, comme l'enseignement des mathematiques et de la medecine a l'epoque imperiale, l'organisation de l'enseignement philosophique, l'attitude des philosophes a l'egard du savoir encyclopedique ou la signification du terme eclectique dans la philosophie antique. (shrink)

E.T.A. Hoffmann invente la notion de structure pour décrire la forme musicale, lorsque, dans la célèbre recension de la Cinquième symphonie de Beethoven, il l’emploie pour défendre le compositeur contre les accusations de fantaisie débridée et d’imagination désordonnée. Mais est-ce à dire que l’écrivain romantique est un précurseur du structuralisme ? Le langage musical a selon lui un sens spirituel qui ne se laisse pas réduire à l’analyse structurelle. Nécessaire à la pensée de la musique, la notion de structure (...) est néanmoins insuffisante car elle ne relève précisément que de la pensée langagière. La structure est une échelle pour s’élever au-dessus d’une écoute chaotique, mais dont il faut se débarrasser si on veut retrouver la signification de la musique. La pensée de l’art, du point de vue du romantisme hoffmannien, est aussi une autocritique de la pensée face à l’art. (shrink)

Tu es plongé dans le mystère de l'être. Mais il y a, dans ce grand mystère, une luminosité qu'il est possible de saisir. Je te propose donc ici ce qu'on pourrait appeler une carte dressée dont tu puisses te servir pour bien vivre en ce monde, un petit guide sur la voie de ton devenir humain, une aide qui te permette d'avancer dans l'accomplissement de ton être essentiel. Tu es un fils ou une fille de l'univers. Apprends donc à écouter (...) la mélodie du cosmos en toi-même. Dans sa beauté, elle peut fonder ton art de vivre aujourd'hui. Malgré les catastrophes inévitables et la mort tragique des individus, l'univers demeure un texte cohérent écrit de main de maître. Rappelle-toi que ton désir d'être est plus profond que tous tes désirs particuliers, et que la vie est un acte de courage, par lequel tu deviens dans ton existence quotidienne ce que tu es par essence. Veille donc à ce que tes actions, tes pensées et tes amours soient toujours les fruits du meilleur de toi-même. Vis enfin à la hauteur de ta plus haute espérance, en misant sur un sens ultime de ton existence et en continuant de croire que malgré les puissances du mal, l'Etre peut triompher du néant et la Vie de la mort. Ton courage d'être sera l'expression de ta foi dans le sens et de ta reconnaissance du noeud divin qui lie toute chose. Bénir la vie, n'est-ce pas le premier et le dernier mot d'un authentique art de vivre? (shrink)

L’auteur d’une introduction et d’une traduction de l’Abrégé de musique de Descartes aux éditions Méridiens-Klincksieck en 1990 revient sur la scène philosophique avec la publication d’un second ouvrage sur Descartes. «Le propos du présent ouvrage est de dégager la contribution proprement cartésienne à l’esthétique [...], de repartir du texte cartésien pour y saisir le statut de la dimension esthétique», peut-on lire sur la quatrième de couverture. Entreprise nouvelle s’il en est, et c’est pourquoi l’ouvrage se présente comme un essai (...) philosophique, au sens d’un livre à thèse, d’un livre à risques: «[...] l’absence d’une esthétique explicitement donnée par Descartes semble faire de notre propos une gageure», annonce d’emblée Pascal Dumont. L’essentiel consiste dès lors à savoir si cet ouvrage vient combler un manque cruel dans les études sur Descartes, en révélant une face trop peu connue de celui-ci jusqu’alors, ou à l’inverse si l’absence simple et nette d’intérêt de Descartes pour ce qu’on appelle aujourd’hui l’esthétique, ne fait pas de tout discours visant à «restituer au cartésianisme [...] sa potentialité esthétique» un bavardage vain. La publication de cet ouvrage dans une collection fort respectable semble indiquer à elle seule que Pascal Dumont ouvre la voie à un type d’étude qui en vaut la peine. Mais l’ouvrage lui-même nous en convainc-t-il? (shrink)

Dans le Phédon, Platon déclare que la philosophie est la musique suprême. C’est donc qu’à ses yeux l’art des sons possède des affinités avec la dialectique. De même, dans le Phèdre, le musicien est rapproché du philosophe, compte tenu de la ressemblance de leurs âmes, ce qui renforce l’hypothèse a priori que Platon conçoit des liens entre ces deux disciplines. Enfin, dans le neuvième livre de la République, il est questions des efforts continus de l’homme raisonnable pour maintenir en (...) lui une sorte d’harmonie. Il faut donc définir les rapports de la musique et de la philosophie selon Platon. La musique et l’harmonique comme disciplines préparant à la dialectique ne sont-elles considérées comme telles qu’en théorie? Ou bien cette conception est-elle fondée sur des faits réels? (shrink)

Résumé L’art américain des années 1960 et 1970 témoigne de mutations singulières à la fois en termes de pratiques et de lieux qui les accueillent. Le processus – processus de création, processus d’altération des matériaux, de développement de l’image filmé, de déploiement des gestes dansés ou d’une musique sérielle – œuvre comme une expérience primant sur l’objet et ouvrant vers la conjonction de temporalités distinctes, celle de l’atelier et celle de l’espace d’exposition. Le glissement esthétique de l’œuvre vers le (...) processus, accompagné d’un glissement sémantique de l’œuvre vers le « travail », participe alors d’un contexte plus vaste, dépassant le domaine artistique, comme un symptôme de mutations politiques, sociales et institutionnelles. (shrink)

Résumé L’art musical suscite la question de l’interprétation en sa complexité dans la mesure où il superpose et emmêle les trois sens que généralement nous accordons à l’interprétation : traduction, exécution et manifestation ou recollection du sens. Ce faisant, la musique engendre avec une très grande acuité la question suivante : en quels sens et à quel degré l’interprétation est-elle constitutive de l’œuvre d’art musicale? Sans doute aussi laisse-t-elle l’ensemble des problèmes qu’elle engendre à ses apories. Ce sont quelques-unes (...) de ses apories que l’article voudrait relever avec l’hypothèse qu’elles sont les principes d’un travail musical infini. Ce travail interprétatif et musical infini n’est pas seulement la condition de l’œuvre ; il est l’œuvre conçue comme processus ou comme passage. (shrink)