Dans les années 1900, la cérémonie du thé fut érigée en art total, comme la quintessence même de l’esprit japonais. Par-delà le biais des enjeux politiques de cette artification, le discours académique portant sur la cérémonie du thé a également été perméable à l’esprit contradictoire inhérent à cette pratique. Nous tentons de dépasser ces difficultés par une vision réticulaire de l’art telle que la défend Simondon dans sa techno-esthétique, tandis que la Glass Tea House Mondrian de Sugimoto Hiroshi offre une (...) métaphore permettant d’approfondir la place de l’abstraction dans la voie du thé. Dans cette réflexion, au détriment de l’objet réel conçu comme une entité isolée, le geste technique, outillé, s’avère jouer un rôle plus déterminant que ne lui accorde la tradition. (shrink)

Quelles sont les implications esthétiques de la définition de l’œuvre d’art musicale comme objet purement intentionnel dans Das Musikwerk de Roman Ingarden? Atemporelle et supra-individuelle, l’œuvre musicale n’accède à la temporalité et à l’individualité qu’à l’occasion d’une concrétisation, à partir de laquelle un objet esthétique peut être produit, quoique non nécessairement. Les conditions d’un tel passage et les problèmes qu’il pose du point de vue d’une esthétique phénoménologique conduisent à interroger les présuppositions d’historicité du vécu esthétique et à distinguer (...) la concrétisation phénoménologique de l’interprétation herméneutique à partir de la question de la multiplicité possible des exécutions d’une même œuvre et de leur inégale légitimité esthétique. (shrink)

L’article tente de montrer l’influence du contact direct et vivant avec les œuvres d’art sur l’élaboration de la pensée esthétique diderotienne. Alors que dans l’article « Beau » de l’Encyclopédie, l’auteur reprend des concepts et des hypothèses élaborés par d’autres, l’ouvrage des Salons donne lieu à la véritable esthétique de Diderot. L’écriture des Salons transcrit ainsi le processus d’une impression sensible devenu affect esthétique et jugement critique. On trouve ainsi, dans les Salons, les germes d’une esthétique à la française, (...) dont les successeurs sont le Baudelaire des Salons et le Merleau-Ponty du « Doute de Cézanne » et de L’Œil et l’Esprit. Les Essais sur la peinture marquent cependant, dans la réflexion diderotienne, une césure : il ne s’agit plus de s’interroger séparément sur le dessin d’une part, et la composition d’autre part. Le philosophe doit montrer au peintre le lien qui unifie toute chose et la nature entière. La ligne s’avère ainsi, en deçà du dessin académique, ce qui unifie l’objet et la nature même. Mais comment comprendre l’articulation de la pluralité des ouvrages de la nature, thématisée dans les Essais sur la peinture, et l’unité de la « ligne vraie » recherchée dans le Salon de 1767? Le peintre doit-il rechercher la pluralité des lignes ou l’unité d’une ligne vraie et idéale? Selon Anne Elisabeth Sejten, il faut concevoir la pluralité des lignes de la nature comme vibrant autour de la ligne idéale – et ce faisant la désignant. Telle serait la leçon des Grecs selon Diderot. Le philosophe du XVIIIe siècle s’avère ainsi être le précurseur de l’esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, telle qu’elle fut développée par Valéry à propos de Degas, ou Lyotard à propos d’Adami. (shrink)

L'oeuvre et le concept! Tels sont bien les deux objets, par excellence, de la philosophie de l'art. L'oeuvre d'art sur laquelle " philosophe " Olivier Revault d'Allonnes n'est pas l'oeuvre achevee, celebree, sacralisee, sanctifiee, mais au contraire l'oeuvre qui, de tout temps, deroute, irrite, scandalise, dejoue le discours apprete et conciliant de l'esthetique traditionnelle. Le concept est l'autre nom de la critique, parole enfin donnee aux oeuvres, passees et presentes, afin qu'elles puissent dire non aux ordres etablis... Leur interpretation (...) se joue donc a l'infini, mais non pas dans l'indetermination, car ce qu'elles expriment, qu'il s'agisse d'un tableau de Rembrandt, d'un quatuor de Beethoven, ou d'une piece pour piano de Schonberg, est chaque fois identique, a savoir l'irreductible et " irrespectueuse " liberte de la creation artistique. Cette esthetique, a l'ecart des dogmatismes, des systemes et des modes, est ici pretexte aux reflexions et aux temoignages qui composent cet ouvrage. (shrink)

Le problème de l’identité dans le monde de l’art est pertinent sous de nombreux aspects. Cet article vise à examiner l’identité de l’oeuvre d’art. L’examen est construit en trois étapes : le problème d’identification d’un objet en tant qu’oeuvre d’art, le problème des propriétés pertinentes d’une oeuvre d’art et la question de l’auteur de l’oeuvre comme décisive (ou pas) pour l’identification d’une oeuvre d’art. Ces questions se sont posées avec l’évolution de la pratique artistique et de (...) la théorie de l’art au siècle dernier. L’apparition du “readymade” a déstabilisé l’identité solide de l’oeuvre d’art de sorte que nous devons maintenant déterminer quelle est la différence entre une oeuvre d’art et son pendant perceptuellement identique. Les caractéristiques traditionnellement pertinentes ayant perdu leur importance dans l’art conceptuel, nous devons déterminer quelles sont les caractéristiques pertinentes, même aujourd’hui, des oeuvres d’art. Enfin, la pratique de l’appropriation dans l’art post-moderne défie la notion d’artiste et celle du sens de la création authentique. (shrink)

According to Arthur Danto, it is illegitimate to seek a neutral, or pre-interpretative, description of an artwork, since such descriptions necessarily fail to respect the artwork as such. Instead, we must begin by interpreting, so as to constitute the work : interpretation is what distinguishes artworks from mere physical objects. In this paper, I argue that, while Danto is right to distance artworks from mere things, this can be done without suggesting that artworks are constituted by interpretation. Moreover, Danto’s view (...) leaves us unable to account for the fact that interpretations are constrained to be responsive to the work’s features. I demonstrate that, by appealing to conventions of description that are specific to art, it is possible to offer a neutral description that respects the work as an artwork. This view accords with our common sense understanding of the relation between description and interpretation, and avoids the unfortunate consequences of Danto’s theory. // Selon Arthur Danto, il est illégitime de chercher une description « neutre » ou préinterprétative d’une oeuvre d’art, parce qu’une telle description ne peut respecter l’oeuvre d’art en tant que telle. Nous ne pouvons aborder une oeuvre sans l’interpréter, puisque l’interprétation constitue l’oeuvre d’art et distingue celle-ci d’un simple objet physique. Dans cet article je soutiens que, bien que Danto ait raison de vouloir distinguer les oeuvres d’art des simples choses, on peut effectuer cette distinction sans conclure que les oeuvres d’art sont constituées par l’interprétation. Je soutiens en outre que le point de vue de Danto ne nous permet pas de tenir compte du fait que les interprétations doivent respecter les caractéristiques de l’oeuvre. Je montre qu’en faisant appel aux conventions de description spécifiques à l’art, on peut proposer une description neutre qui respecte l’oeuvre d’art en tant qu’oeuvre. Mon point de vue est conforme à la relation généralement admise entre la description et l’interprétation des oeuvres d’art, et évite les conséquences négatives de la théorie de Danto. (shrink)

Philosophe polonais et disciple d'Edmund Husserl, Ingarden envisage la relation a l'oeuvre d'art comme une experience menee dans un echange reciproque et continu avec l'objet. Il defend ainsi une esthetique qui n'est ni purement subjectiviste en ce qu'elle n'est en rien reductible aux sentiments emotionnels d'un sujet, ni purement objectiviste en ce que les determinations reelles et materielles de l'oeuvre donnee exigent la participation intentionnelle du spectateur pour s'accomplir en manifestation intuitive concrete. Objet intentionnel par excellence, l'oeuvre d'art se tient (...) entre monde reel et monde spirituel, entre realite et jeu imaginaire. Elle se donne au spectateur comme une invitation a deployer son activite intentionnelle et, ce faisant, a participer a la vie de l'oeuvre a travers l'histoire de ses receptions. Les textes reunis ici offrent un large panorama des preoccupations esthetiques d'Ingarden. Ils presentent les principaux resultats de ses recherches theoriques concernant la nature des vecus et des objets esthetiques, ainsi que des applications concretes des analyses ontologiques menees sur differents types d'oeuvres d'art (litterature, peinture, architecture et film). L'ensemble des analyses ontologiques et phenomenologiques y est egalement toujours adosse a la question des valeurs, et de l'evaluation artistique ainsi qu'a la recherche d'un fondement objectif des valeurs. (shrink)

Cet ouvrage porte sur la notion de surface, ses plans, ses dimensions et ses propriétés, mais surtout sur ses fonctions dans l'univers artistique. Dès les premiers collages cubistes, ce sont les avant-gardes du début du XXe siècle qui ont fait de cette entité l'élément principal de l'art, de ses opérations et de ses visions. Avec l'invention du cinématographe, du phonographe, et la nouvelle typographie, elle a été repensée en profondeur, vouée à une existence renouvelée au travers de procédés artistiques comme (...) le collage et le montage. C'est dire qu'elle n'a rien d'une catégorie figée et qu'il s'agit d'en faire l'histoire en même temps que la théorie. C'est ce à quoi s'attache cette étude, véritable traversée des avant-gardes occidentales (arts plastiques, cinéma, théâtre, poésie) élaborée au filtre d'une logique des surfaces généralisée. De Picasso à Abel Gance, de Braque à Fernand Léger, d'Apollinaire à Eisenstein, c'est tout un pan de la pensée et de la création qui est ici mis puissamment en perspective au moyen d'analyses aussi précises dans la saisie de leurs objets que dans la traversée de la littérature qu'ils ont suscitée. On y découvrira non seulement une nouvelle histoire des avant-gardes, largement critique par rapport à l'approche formaliste des surfaces (celle de Clement Greenberg notamment), mais aussi une nouvelle histoire de la quatrième dimension, enjeu majeur d'un grand nombre de travaux modernistes. Des surfaces donc ou d'une vision profondément renouvelée du sens et des effets de la création."--back cover. (shrink)

Si l’on juge et apprécie les objets uniquement par concepts, on perd toute représentation de la beauté.Emmanuel Kant Toute la duplicité de l’art contemporain est là : revendiquer la nullité, l’insignifiance, le non-sens, viser la nullité alors qu’on est déjà nul. Viser le non-sens alors qu’on est déjà insignifiant. Prétendre à la superficialité en des termes superficiels.Jean Baudrillard En 1934, dans une conférence prononcée à Bruxelles sur « Le surréalisme », André Breton faisait état d’une...

C’est à travers la lecture de l’Isagoge de Porphyre commentée par Boèce que l’idée d’une organisation hiérarchique du réel, fondée sur la division des genres, des espèces et des différences, était introduite dans le patrimoine culturel des intellectuels du haut Moyen Âge au niveau élémentaire de l’étude de la dialectique. Cette étude, fondement du curriculum pédagogique des arts libéraux, impliquait une considération réaliste des formes de la pensée logiquement ordonnées : seules structures authentiques du point de vue ontologique, les formes (...) sont aussi les seuls objets de la connaissance scientifique puisqu’elles seules sont véritablement exemptes de la vicissitude et de l’accidentalité. Tout au long du haut Moyen Âge, le débat, polymorphe et complexe, sur la nature des universaux introduit donc la comparaison dynamique entre différentes conceptions du réel, de la connaissance et de la science, et aussi de la capacité du langage humain de dire, de manifester et de communiquer la vérité. L’analyse historique de l’évolution et des conséquences de cette perspective philosophique, d’origine porphyrienne d’une part, boécienne et augustinienne de l’autre, se développe ici à travers certains épisodes de la spéculation du haut Moyen Âge, et en particulier à l’époque carolingienne, cherchant à contribuer à une meilleure intelligence de la naissance de la méthodologie des sciences particulières et, plus spécifiquement, de la théologie. (shrink)

Balthazar-Georges Sage (1740–1824), a chemist, mineralogist, and the founder of the École Royale des Mines (1783), owned two mineral collections: a mineralogy collection used for his research and teaching, which later became the property of the École Royale itself; and a private cabinet of objets d'art, consisting largely of artistically worked mineral objects. Although created for different purposes, Sage valued both for their utility and their aesthetics. This paper explores the dual character of the collections by presenting Sage as (...) a man of science and an art lover. It argues that his lifelong concern with aesthetics was the underlying link between the two collections, his teaching practices, and his aim in founding of the École Royale des Mines to improve France's mining industry. Through aesthetics, Sage sought to build a coherent whole, which he referred to as a “national monument,” consisting of the collections, the school, and his work as a teacher and a mineralogist. In the years leading up to the French Revolution, the collections—a central part within this coherent whole—were the key element in establishing the social identity of the new institution as well as that of Sage himself. In the context of political upheaval, the social, economic, and aesthetic value of the collections became tied to the political aims of the republic, in particular, its interest in building the new nation through its heritage as conserved in its national monuments: the new republican museums. Sage used the term museum to define both collections: this analysis of their relationship and the different functions he attributed to them reveals how profoundly collecting practices were changing in revolutionary and post-revolutionary France. (shrink)

Sur la couverture du catalogue de l'exposition présentée à l'automne 2003 au Muséum d'histoire naturelle de Lyon, on peut voir la photographie pleine page d'une femme en foulard, prise dans un décor oriental traditionnel, un lecteur de CD collé à l'oreille. Le décalage entre la pose, la tenue traditionnelle de cette femme et la modernité de l'objet surprend et accroche le regard. Le cliché de l'artiste iranienne, Shadi Ghaditian, date de 1998. Comme d'autres photographies exposées et...

Contrairement à ce que l’on entend généralement par mécénat - la commande d’images, peintes ou sculptées, passée entre deux individus vivants – on propose ici d’en élargir les termes pour y englober une autre modalité de la circulation des biens culturels : l’héritage, particulièrement significatif pour les femmes, qui disposaient souvent d’un important patrimoine artistique sans en avoir été les commanditaires. En examinant la manière dont Blanche de Navarre († 1398), épouse de Philippe VI de Valois et reine douairière pendant (...) près d’un demi-siècle, disposa de ses objets les plus précieux, joyaux et livres, dans un testament exceptionnel par son détail, l’accent est mis sur l’acte de tester comme un moment créateur, sinon d’objets, du moins de faits sociaux. Car, par la distribution savante de ses objets, Blanche construisit, pour ses successeurs, une mémoire, solidifiée dans des choses, des liens unissant les membres épars, vivants ou morts, de sa parenté. (shrink)

L’oxymore d’« art apophatique » nous sert ici pour envisager la spécificité de l’icône au-delà des mystifications dont elle fait souvent l’objet. L’art byzantin pourrait être entendu « en négations » par rapport à ce qui fut instauré comme principe esthétique à l’Occident depuis le temps de la Renaissance. En essayant de l’illustrer à travers cette juxtaposition, on constate toutefois que l’attitude « apophatique » loge au cœur de l’esthétique byzantine, conditionnant la vie des formes, ainsi que son socle théorique. (...) On pourrait donc y reconnaître un aspect fondamental de l’icône, qui permet de mieux appréhender la civilisation qui l’engendre. (shrink)

Au Centre Pompidou-Metz, faisant écho à l'exposition inaugurale, un colloque international a étudié de manière pluridisciplinaire et transversale la question du chef-d'œuvre. Loin de se focaliser sur le débat esthétique, les diverses approches ont assigné le droit, l'histoire, la sociologie, l'économie et les sciences exactes, pour mieux soumettre cet "objet" à un véritable examen clinique. Cette question ne serait-elle plus d'actualité? Loin s'en faut! Entre cœur et raison, la sacralisation des œuvres d'art produit toujours autant de savoirs, de savoir-faire et (...) de savoirs sur le faire. Mettant en avant le patrimoine, restaurant les objets de l'art, les reconstituant, favorisant le tourisme culturel, exhumant le vrai, condamnant le faux : à sa mesure, le "chef-œuvre" dynamise encore et toujours les divers moments de l'art. (shrink)

Philosophe majeur de notre epoque, Henri Maldiney a elabore une phenomenologie de l'existence centree sur l'Ouvert. Preconisant un - retour aux choses memes -, il refute radicalement la separation instauree entre sujet et objet, insistant sur l'experience de la rencontre comme signifiance insignifiable, transpossibilite et transpassibilite, recueil et deploiement. a partir notamment de Binswanger, Straus, Freud, Szondi, Heidegger et plus largement des textes classiques grecs, allemands, chinois, accordant une importance toute particuliere a l'art, il a contribue de maniere decisive a (...) une philosophie du sentir, du rythme et de l'avenement. Lors du colloque de Cerisy, qui a reuni chercheurs, praticiens et artistes, chacun s'est mis a l'epreuve de cette oeuvre magistrale. Les contributions rassemblees ici manifestent l'evolution et l'impact de cette pensee fondamentale pour le XXIe siecle.". (shrink)

Les esthétiques contemporaines nous ont habitués à penser que la valeur formelle d’un objet d’art n’était pas seulement formelle et que l’attention esthétique n’excluait ni l’intérêt cognitif ni l’émotion morale. Du côté de l’art, on a également observé ces dernières décennies un refus des distinctions trop catégoriques (forme/contenu ; fait/ valeur ; art/vie ; esthétique/cognitif/ émotionnel), en même temps qu’un retour à une pratique ouvertement orientée vers la vie éthique. Aussi, dans un contexte social où les discours et les (...) images médiatiques brouillent la perception du réel et de la mémoire, l’art cherche-t-il, par l’invention d’un autre langage et par le retour à la rhétorique dont l’histoire scientifique s’est défaite, à susciter la fonction imaginaire de la mémoire, en construisant une relation esthétique et critique aux lieux de notre histoire. Cette recherche apparaît notamment dans le travail d’Ernest Pignon-Ernest, Christian Boltanski, Sophie Calle, Pascal Convert, Anne et Patrick Poirier, Arno Gisinger ou Jochen Gerz, dont les œuvres ne se situent pas hors du monde mais au contraire prennent pied dans l’histoire, la mémoire collective et la réalité sociale, pour en explorer les failles et permettre au public une appropriation plus authentique de sa propre existence éthique et sociale. (shrink)

Longtemps restée marginale à l’intérieur des études théâtrales, la théorie du drame d’Étienne Souriau fait l’objet d’une redécouverte liée à « l’évènement anthropocène ». Souriau fait du théâtre un hybride entre le vivant et la machine et opère un renversement entre la scène et le hors-champ grâce à une théorisation de la « situation » en de nombreux point opposée à celle de Sartre.

Depuis une vingtaine d’années on peut observer en France dans le champ de l’art contemporain la présence d’expositions institutionnelles qui font appel aux formes d’expression du militantisme. Deux caractéristiques majeures rendent compte de ce processus particulier d’artification de la politique d’où résulte en partie une désartification de l’œuvre d’art : l’inscription d’objets militants dans des expositions et l’extension du style militant qui en découle au discours des commissaires d’exposition. Fondée sur le courant des études postcoloniales, l’exposition « Tous, (...) des sang-mêlés » (2017, Mac/Val) en offre un cas exemplaire. Les œuvres d’art ne sont pas pleinement devenues des objets militants mais, nimbées de style militant, elles sont enserrées par le fonctionnalisme direct. (shrink)

L'objet chez Duchamp n'est ni la chose ni la matière : c'est un concept artistique. L'objet duchampien fait disparaître la signification habituelle d'une chose quotidienne sous un nouveau titre. Sur la base de cette définition de l'objet duchampien, nous développons trois hypothèses : l'objet ou le mensonge pictural, ce qui n'est pas l'objet ou la chose elle-même, et l'idée de l'objet duchampien ou la chose indirecte. À travers l'esthétique et la méthode de Duchamp, nous en venons à conclure que l'objet (...) duchampien est mensonge pictural et chose indirecte. Car Duchamp profite du mensonge, au sens de Platon, qui ne se réalise que dans l'art, et il présente méthodiquement la chose quotidienne comme chose indirecte. (shrink)

L’objet de l’article est d’interroger le statut d’une œuvre d’art à partir du problème de l’interprétation posé initialement par Arthur Danto. Une œuvre d’art demande-t-elle nécessairement à être interprétée? L’argumentation se déploie à une double échelle. À une échelle ontologique, l’enjeu est de savoir sous quelles conditions un objet appartient à la classe des œuvres d’art. À une échelle dénotative, l’enjeu est de savoir si toute représentation artistique requiert un travail interprétatif. L’auteur défend une théorie de l’interprétation (...) restreinte, d’inspiration pragmatiste, en vertu de laquelle l’interprétation, comme activité suspensive et réflexive, n’intervient que lorsque le rapport au sens est troublé, confus, problématique. Ainsi une œuvre d’art n’est soumise à interprétation que lorsque son statut ontologique ne va pas de soi et lorsque son potentiel de dénotation contrarie notre rapport familier au sens. (shrink)

Résumé Après les avant-gardes historiques qui ont revendiqué la tabula rasa, nombreux sont les artistes des années soixante qui manifestent un regain d’intérêt pour l’histoire : la réflexion sur l’histoire de l’art est au cœur de leur activité artistique, plastique autant que discursive. Cet article se propose d’analyser comment s’écrit, en marge et à rebours de l’histoire de l’art des historiens, une histoire qui leur conteste le monopole de la discipline et qui revendique un point de vue spécifique. Ancrées dans (...) une pratique artistique, ces histoires de l’art des artistes prennent, en effet, le contre-pied d’une histoire de l’art dominante qu’elles critiquent et déconstruisent. Les enjeux de cette prise en charge de l’histoire de l’art par les artistes sont multiples : esthétiques bien sûr mais aussi épistémologiques et politiques. En réaction à la pensée historiciste, les artistes explorent de nouvelles voies d’analyse, s’intéressent à des champs et des objets inexplorés ou sous-évalués par l’histoire de l’art à laquelle ils donnent aussi une orientation subjective. Cultivant délibérément l’anachronisme, ils s’essayent à la construction de nouveaux récits qui révisent les lectures du passé de l’art. (shrink)

Les potières berbères de Sejnane (Tunisie) produisent depuis toujours des objets domestiques qui sont aussi des objets d’art, de collection, et pas seulement un artisanat. Leur savoir-faire fait partie du patrimoine immatériel de l’Unesco et les artistes, les institutions contemporains sont sensibles à cette pratique ancestrale. Dans cet article, on examine en quoi l’art des potières de Sejnane incarne une poétique, une poïétique, une esthétique qui croisent signes et figurations et interrogent les frontières de l’art, la notion (...) de marge. (shrink)

Le present travail propose une analyse philosophique de l'esthetique d'Andre Breton. ;Meme si, en raison de l'importance du surrealisme au XXeme Siecle, cette doctrine semble bien incontournable pour quiconque s'interesse a l'esthetique, elle n'a guere fait, a ce jour, l'objet d'une veritable reflexion philosophique. Notre travail repose donc d'abord sur l'hypothese que l'oeuvre de Breton presente un interet du point de vue philosophique, hypothese qui est etablie en introduction. Faisant ensuite etat des difficultes que rencontre tout examen philosophique du surrealisme, (...) nous precisons le sujet que nous avons retenu compte tenu de ces difficultes: il s'agit de la question de l'art comme manifestation sociale et donc des deux problemes suivants: celui de l'autonomie de l'art, d'une part; celui de l'engagement de l'artiste, d'autre part. ;La suite de notre travail est consacree a une lecture interne des textes de Breton qui permet de cerner le point de vue surrealiste sur ces deux problemes, cette demarche etant menee selon l'approche diachronique que nous avons retenue. Nous sommes parvenus a etablir que Breton croit d'une part en l'autonomie du probleme artistique et d'autre part que l'art authentique est, par la seule vertu de cette authenticite, revolutionnaire et engage. Les corollaires de ces idees sont qu'aucun artiste ne saurait, au risque de nier la signification et la portee de sa demarche propre, ignorer, dans sa discipline, l'etat donne du probleme artistique; que rien ni personne ne saurait dicter a l'art la nature ou la fonction de sa demarche; enfin, que c'est l'art authentique qui fait l'art revolutionnaire et non pas l'art revolutionnaire qui fait l'art authentique. ;Au total, l'oeuvre de Breton promeut une conception revolutionnaire de l'art dont nous avons cherche a degager l'essentiel du point de vue philosophique--option metaphysique moniste d'un univers cryptogrammatique, surrationalisme, surdetermination de l'esthetique par l'ethique--et qui font de son oeuvre une des plus passionnees et des plus convaincantes defense et illustration de l'art au XXeme Siecle. (shrink)

Si les expositions de peinture font l'objet d'une large fréquentation, Hegel est bien souvent décrié, surtout dans les milieux artistiques. Cette présentation de son Esthétique voudrait montrer, en privilégiant les analyses concrètes comme celle de la peinture hollandaise du XVIIe, toute la fécondité de cette approche philosophique. Loin du dogmatisme, Hegel conçoit l'art historiquement, jugeant les œuvres, mais récusant par avance toute norme académique. L'historicité de l'art est-elle solidaire de sa fin, de son dépassement? Dans quelle mesure art et religion (...) sont-ils dissociables? Questions auxquelles nous confronte cette lecture de Hegel. (shrink)

Partant de l'itinéraire d'une chose en plâtre qui avait passionné les statisticiens des années 1880 et qui a procuré à André Breton l'exemple même de l'objet surréaliste, on se demande si la théorie surréaliste du hasard est née par hasard. Il s'agit, en déplaçant la question que posait Ernest Coumet en 1970 à propos de la géométrie pascalienne du hasard, de s'interroger sur les rapports qu'entretiennent l'histoire des sciences, l'histoire de l'art et l'histoire de la culture scientifique au siècle dernier. (...) En retour, on espère faire valoir la démarche mise en oeuvre dans cet article qui ouvrit l'horizon des recherches sur l'histoire du calcul des probabilités il y a trente ans. (shrink)

L’ultime œuvre d’art, c’est la planète. John Cage Le paradoxe contenu dans l’affirmation de Cage selon laquelle « l’ultime œuvre d’art, c’est la planète », tient à ce qu’elle assimile deux choses ordinairement tenues pour distinctes : l’œuvre d’art d’une part, et la nature de l’autre, qui s’opposent comme le produit s’oppose au phénomène, la création à la nécessité, l’objet d’une intention au résultat d’un processus aveugle. Comme l’écrivait Aristote, l’art crée des choses « dont le principe...

A humanidade tem sido tomada por angústias tão sutis que, aos poucos, vai se dissolvendo – física e psicologicamente – como se estivesse sendo consumida de dentro para fora. Neste sentido a saída – ainda que imediata e provisória – é propor um jogo de Xadrez com a morte. Não à toa Ingmar Bergman escolhe o Xadrez como a forma da sua personagem desafiar “alguém” tão poderoso. O jogo é um chamamento à razão, à luz capaz de organizar as ideias (...) e dar um rumo à vida. (shrink)

Si l'art n'est pas d'abord considéré en tant que production d'objets mais comme manière d'être au monde, intéressant tout homme et toute société, si la foi n'est pas considérée en tant qu'adhésion intellectuelle aux vérités de la foi, mais comme acte capable d'illuminer et transformer le monde, alors, loin d'être uniquement en rapport d'interaction, d'interdépendance, ou de ressemblance, l'art, la foi et le politique sont une unique réalité vivante. En ce sens, chacune des trois entités sera d'autant mieux comprise (...) et pensée qu'elle sera vue comme l'une des modalités de la même dynamique. Cette thèse se développe en trois étapes éclairant successivement les présupposés de sa démonstration, son effectivité dans la personne individuelle comme dans la société, enfin sa portée programmatique : le monde n'aura d'avenir qu'en assumant le ressort poétique qui le constitue et l'anime depuis le commencement. (shrink)

Quando assisti pela primeira vez a “Sociedade dos Poetas Mortos”, em 1989 (ano de lançamento no cinema), a história protagonizada pelo saudoso Robin Williams me comoveu profundamente. Naquela época eu caminhava rumo aos meus 20 anos, quando a vida ainda parece uma areia movediça e o futuro, uma eternidade. Eu ainda estava na Faculdade de Filosofia da UFBA, em Salvador, preparando-me para ser professor.

Em 2022 teremos uma celebração muito especial para a Música Popular Brasileira. O icônico disco “Clube da Esquina”, de Milton Nascimento e Lô Borges, completará 50 anos de lançado. O álbum apresentou ao mundo mais do que o resultado de uma parceria musical de rara beleza; ele foi uma espécie de marco zero de um movimento artístico e existencial nascido na bucólica Belo Horizonte da segunda metade da década de 1960, envolvendo amigos, música, cinema e literatura.

Ainda que possa ser visto como clichê sob diversos aspectos, o filme “O Céu da Meia-Noite” (dirigido e protagonizado por George Clooney para a Netflix) traz temas reflexivos na perspectiva existencial. Lançado em dezembro de um ano doloroso para a humanidade, ele teve as suas gravações encerradas pouco antes do início da pandemia, ainda que traga uma atmosfera tão soturna quanto a deste momento histórico.

O início da terceira década do século 21, tão marcado pela globalização tecnológica e virtualização das relações humanas, ainda mantém fortes laços com o obscurantismo religioso da Idade Média. Com outra roupagem, o fanatismo de muitos cristãos das mais variadas igrejas eterniza sentimentos e ações que acreditávamos superados há séculos. A intolerância religiosa, normalmente carregada de outras tantas intolerâncias na pauta moral, revela com clareza que a caça às bruxas nos tempos da chamada Santa Inquisição foi atualizada com sucesso. O (...) Brasil, por exemplo, vive um de seus piores momentos históricos neste sentido, principalmente pelos recorrentes ataques furiosos às religiões de matriz africana e crimes de agressão e morte contra as chamadas minorias sociais. (shrink)

Revendo recentemente o ótimo filme “A Vila”, do diretor indiano M. Night Shyamalan (o mesmo diretor de “O Sexto Sentido”, “Corpo Fechado” e “Sinais”), é possível entender os motivos que levaram os fundadores do vilarejo fictício a criar um mundo à parte para as futuras gerações. O filme, de 2004, é inserido no gênero “suspense” por conta de sua história central em torno de uma lenda sobre criaturas aterradoras que vivem na floresta. Estas são o empecilho para que os moradores (...) cultivem o desejo de deixar o único lugar que conhecem. (shrink)

Desde que foram criados pelos sumérios há mais de 5 mil anos, os livros sempre aterrorizaram os ocupantes do topo de quaisquer formas de poder. Neles estiveram e continuam sendo guardados os sonhos, as ideias, os projetos e as ações da humanidade em todas as vertentes possíveis, sejam eles libertadores e instigantes para as transformações positivas do mundo e do próprio ser humano, sejam eles os caminhos opostos da destruição e da opressão. [...].

Mais de duas décadas após o seu lançamento, em 1999, o primeiro filme da trilogia Matrix tem neste segundo ano da pandemia do coronavírus uma atualidade atordoante. Em muitos aspectos, a humanidade vive dias muito próximos do enredo surreal descrito nos três filmes, que revi recentemente provavelmente pela décima vez. A diferença é que a realidade sombria vivida por bilhões de pessoas nos quatro cantos da Terra desde março de 2020 não tem uma versão amena como a existente dentro da (...) Matrix. (shrink)

“Não existe ninguém que não esteja mais próximo da morte depois de um ano que antes dele, amanhã mais do que hoje, hoje mais do que ontem, pouco depois mais do que agora e agora pouco mais do que antes”. Neste trecho do livro “Cidade de Deus”, um dos mais importantes filósofos da Idade Média – Santo Agostinho (354-430) – enfatiza uma velha constatação da humanidade, mas que a angustia em qualquer época.

Au xviie siècle, la question de la durée de la vie fait l’objet d’un nouveau traitement en termes d’arithmétique politique. Cette mathématisation, avec la construction de la notion de « vie moyenne », permet une intégration de l’art de prolonger la vie aux techniques de gouvernement. Élaborée dans le cadre des pratiques financières de rentes viagères, la notion émigre vers l’économie politique, où la vie n’est plus conçue comme support d’intérêts mais comme force productive. Le problème se pose alors en (...) termes de philosophie politique : le pouvoir peut-il se fonder sur des impératifs de maximisation de la vie moyenne pour contraindre ses sujets ? La question fut posée au sujet de l’inoculation de la petite vérole. Dans le débat qui déchira les Lumières françaises, c’est en réalité la question du fondement de ce que Michel Foucault appelait le biopouvoir qui est en jeu. (shrink)

English summary: French description: Pensees du corps: se peut-il que le corps pense, qu'il ne soit pas un simple objet de reflexion, mais un sujet de pensee a part entiere?La demarche philosophique est ici confrontee a un corpus de pratiques et d'arts gestuels japonais (danse, theatre, arts martiaux). Une serie d'experiences significatives bousculent les idees recues et poussent le penseur a un renouvellement radical de ses methodes et de ses concepts. En resulte une philosophie de terrain, incarnee et immanente, qui (...) met en lumiere la profonde rationalite du corps. Y compris dans ses deploiements qui d'ordinaire resistent a l'analyse: sensation et action.Nul besoin d'avoir recours a un relativisme culturaliste friand d'exotisme, encore moins a un quelconque irrationalisme. Les pensees du corps dessinent un espace de publicite et d'intelligibilite, une forme d'universalite que chacun peut intimement eprouver et affiner. Loin de constituer un dehors, le corps apparait comme le lieu de production d'un savoir et d'une pensee universellement partageables. (shrink)

Comment l’art vient-il aux personnes, aux objets, aux activités? Comment passe-t-on d’une activité quelconque à un art, d’un simple artefact à une oœuvre et d’un praticien à un artiste? C’est cette opération qu’explore ce livre, sous le nom d’« artification » : un déplacement durable et collectivement assumé de la frontière entre art et non-art. Conditions pratiques, techniques, sémantiques, juridiques, institutionnelles, organisationnelles... Les enquêtes réunies ici explorent ces différentes dimensions avec les outils de la sociologie pragmatique, attentive à la (...) matérialité des actions observées en situation. Le lecteur circulera ainsi de la danse hip-hop à la photographie, du graf aux métiers d’art, de l’art naïf à l’art brut, des arts primitifs au théâtre, du cirque à la magie, de la typographie au cinéma, de la mode aux objets de culte et de la bande dessinée au patrimoine. Et c’est au terme de ce petit voyage en artification qu’il aura enfin réponse, précisément, à la question : quand y a-t-il art? (shrink)