L'objectif de cet article est de nous reconduire au projet des fondateurs de l'esthétique, – Alexander Baumgarten (1714-1762) et Kant, – c'est-à-dire à la considération du sentir sous toutes ses formes comme objet de réflexion privilégié de l'esthétique, qui n'est pas la science de la beauté, mais l'ontologie du sentir, c'est-à-dire le savoir de ce qu'est sentir. Comment un tel savoir est-il accessible? Par l'expérience esthétique, entendue comme l'unité d'une attitude (sentir) et d'une affection (plaisir). S'appuyant sur les analyses (...) d'Erwin Straus dans Du sens des sens (1935), l'auteur montre que le sentir n'est pas réductible à un mode du connaître, car sa dimension affective nous est cachée par les nécessités de l'action, qui ordonnent « le sentir au connaître, et le connaître à l'agir » et nous conduisent illusoirement « à voir dans le sentir un connaître et non un ressentir ». On comprend dès lors que le plaisir esthétique, – c'est-à-dire les plaisirs simultanés du sentir comme état, de la présence du sensible et de la conscience de se sentir sentant, – doit être cherché dans l'immanence du sentir. (shrink)

Parue en 1953, la Phénoménologie de l'expérience esthétique applique pour la première fois à l'esthétique l'appareil conceptuel de la phénoménologie. Elle élabore une analyse de l'oeuvre d'art et, plus largement, de l'objet esthétique, si divers et changeants qu'en soient les traits singuliers. Elle s'attache à décrire l'expérience esthétique vécue, ce moyen privilégié que nous avons d'éprouver notre présence au sensible. Elle célèbre cette forme heureuse du sentir, ce haut moment de la perception où se révèle, à la limite (...) du pensable, la connivence originaire de l'homme et du monde. (shrink)

L’œuvre de Gaston Bachelard n’est pas toujours prise en considération dans le cadre de l’histoire de l’esthétique française. S’il est vrai que le philosophe n’a pas élaboré une théorie esthétique accomplie, ses travaux sur l’imagination et la rêverie non seulement démontrent une connaissance des débats théoriques de l’époque, mais, plus profondément, représentent une prise de position en faveur d’une « esthétique concrète » qui s’écarte des stériles disputes philosophiques d’académie pour s’appuyer directement sur la présence matérielle de l’œuvre d’art, aussi (...) poétique que visuelle, afin de réintégrer le sentir dans le penser. Il s’agit donc d’interroger cette manière de réintégrer l’ aisthesis dans le logos à travers le travail de l’imagination, en retrouvant ainsi « une unité du monde ». C’est précisément dans la rencontre avec la beauté que le sujet s’ouvre au monde de façon pré-catégoriale et, en même temps, que le monde fait l’objet d’une expérience non-objective. Cela ouvre la voie à une esthéticité transcendantale jamais théorisée explicitement, mais concrètement mise au travail dans les œuvres du philosophe. (shrink)

With this article we intend to explore the concept of «esthetical object» proposed in Dufrenne’s text entitled La Phénoménologie de l’experience estéthique I. The potentiality/activity binomial appears as the ground for Dufrenne’s definition of esthetical object as perceived work of art. According to this, the happening of any artwork truly finds its proper place in esthetical experience, which arises as the meeting point of art’s expressive potentiality and the spectator’s perception act. Establishing an accurate distinction between esthetical perception and other (...) kinds of human perception, Dufrenne sees the former as the pure presence of the sensitive. Advocating the inseparability of significant and signification for the esthetical object, the author declares the meaning of esthetical experience as immanent to its own sensitive presentation. Dufrenne presents authentic esthetical perception as something, which has the power to, engage subjectivity in a radical experience. Under the light projected by the work of art, human beings are enabled to actualise other modes of being-in-the-world. With expression as its proper signifying mode, the esthetical object reveals itself as a world beginning, proposing an affective atmosphere, which opens the subject of esthetical experience to new existential possibilities. (shrink)

L’exercice artistique suppose un rapport au temps spécifique : l’homme s’exerçant à son art répète, reprend, corrige ses gestes. Mais en va-t-il de même concernant la réception des œuvres : la perception du spectateur s’exerce-t-elle par répétition et variation des expériences esthétiques? L’objet de cet article est de montrer qu’il existe un type d’exercice dont le mécanisme repose plutôt sur la déstabilisation des habitudes de perception. À partir des réflexions valéryennes sur l’informe dans l’Introduction à la méthode de Léonard de (...) Vinci et Degas, Danse, Dessin, nous proposons de penser un exercice de la perception qui passe par la décomposition de ses mécanismes. Cette idée trouve sa réalisation dans des dispositifs artistiques labyrinthiques tels que l’exposition Contact d’Olafur Eliasson qui, en perturbant les échelles d’espace et de temps, oblige le récepteur à produire consciemment le travail de cohérence de la synthèse perceptive. (shrink)

L’exercice artistique suppose un rapport au temps spécifique : l’homme s’exerçant à son art répète, reprend, corrige ses gestes. Mais en va-t-il de même concernant la réception des œuvres : la perception du spectateur s’exerce-t-elle par répétition et variation des expériences esthétiques? L’objet de cet article est de montrer qu’il existe un type d’exercice dont le mécanisme repose plutôt sur la déstabilisation des habitudes de perception. À partir des réflexions valéryennes sur l’informe dans l’_Introduction à la méthode de Léonard de (...) Vinci_ et _Degas, Danse, Dessin_, nous proposons de penser un exercice de la perception qui passe par la décomposition de ses mécanismes. Cette idée trouve sa réalisation dans des dispositifs artistiques labyrinthiques tels que l’exposition _Contact_ d’Olafur Eliasson qui, en perturbant les échelles d’espace et de temps, oblige le récepteur à produire consciemment le travail de cohérence de la synthèse perceptive. (shrink)

This book has two main tasks: (1) to call attention to the special challenges presented by our experience of affect—all varieties of pleasure and pain—and (2) to show how these challenges can be overcome by an “enrichment approach” that understands affect as the enrichment or deterioration of conscious activity as a whole. This “enrichment approach” draws from Alfred North Whitehead as well as the pragmatists John Dewey and William James, all of whom thought of affect as a fundamental aspect of (...) experience rather than a special class of feelings. It also draws from recent scientific research that suggests that the dynamic repertoire of consciousness can change, effectively expanding and contracting our capacity to feel. Weaving these perspectives together, the book develops a theory that accounts for the peculiar phenomenology of affect and sheds new light on a diverse range of experiences, from everyday pleasures and pains to the special satisfactions of the arts and religious festivity. At the same time, it presents a fresh and distinctively affect-centered perspective on the nature of consciousness. (shrink)

L’« artification » peut être conçue comme un processus entraînant « le passage du non-art à l’art ». Selon une perspective phénoménologique (notamment husserlienne), ce passage semble impliquer deux mouvements neutralisants qui le constituent et que l’on pourrait nommer « imagification » et « esthétisation ». D’une part, une telle neutralisation est l’indice d’une suspension de tout intérêt, à la fois de l’artiste et du spectateur, pour l’existence ou la non-existence de « l’objet artifié » (Husserl reprend et relance ici (...) une ligne kantienne). D’autre part, ce désintéressement ouvre en même temps l’expérience, pour l’artiste et pour le spectateur, à un intérêt diffèrent, à savoir un intérêt axiologique visant à une saisie de valeurs. (shrink)

Résumé L’une des théories les plus répandues concernant le rapport de l’art à l’éthique s’appelle parfois la Vicarious Experience Theory. Cette approche basée sur la notion d’une expérience par procuration va toutefois avoir du mal à expliquer la valeur (morale ou autre) de tout art « abstrait », non figuratif et/ou non narratif. Il faudrait alors démontrer que l’art (abstrait ou pas) provoque également une expérience directe – et non pas uniquement une expérience par procuration – et (...) que cette expérience directe est toujours déjà « métaéthique ». Cet effet méta-éthique serait inscrit au sein d’une définition (pragmatiste, pluraliste et institutionnelle) de l’art dans son ensemble, alors que la théorie de l’expérience par procuration s’appliquerait uniquement à quelques arts. Je compte défendre cette thèse par un examen des écrits et des pratiques d’Olafur Eliasson. (shrink)

Cet article éclaire par leur analyse différentes conceptions de l’expérience esthétique qui ont joué un rôle significatif dans la philosophie de l’art et de l’esthétique. Cette analyse approfondit mon étude antérieure des caractéristiques hédoniques, évaluatives, phénoménologiques, sémantiques et définitionnelles du modèle traditionnellement dominant de l’expérience esthétique et s’élargit à des critères pertinents supplémentaires pour évaluer les différentes fonctions et valeurs de l’expérience esthétique. Ce cadre analytique plus large nous permet de considérer une forme importante d’expérience – (...) l’expérience sexuelle – que les philosophes excluent habituellement de l’expérience esthétique. En examinant d’un œil critique les raisons qui motivent une telle exclusion (le plus souvent, elles ne sont pas explicitement formulées dans les arguments), l’article suggère comment l’expérience sexuelle (ou ce que je préfère appeler l’expérience érotique) peut être utilement décrite et valorisée comme esthétique. (shrink)

Le discours amoureux dans ses fondements comme ses impensés philosophiques peut éclairer d’une manière pertinente l’entreprise de l’abstraction picturale, ses ambitions comme ses limites. Moins analogique que métaphorique au sens de Hans Blummer le présent article tente de tisser des liens entre deux domaines d’ordinaire séparés : l’art et… l’amour!

Cette étude est née de la remarque troublante d’un roman dans lequel un personnage relit Anna Karénine et se rend compte qu’il a tout oublié de sa première lecture : l’histoire, les émotions vécues alors, tout cela paraît n’avoir pas laissé de traces. Je me suis donc interrogée sur la nature de l’expérience esthétique et le type de souvenir qu’elle engendre. Une expé­rience peut-elle ne pas laisser de traces ? mais alors est-elle encore une expérience ? ou bien (...) peut-on envisager des traces qui ne soient pas des souvenirs disponibles, mobilisables à volonté ? et comment alors les conce­voir ? Il s’agissait donc de cerner à la fois le type d’expérience que forme l’expérience esthétique et le type de souvenirs qui s’y constituent. Partant de Husserl, l’analyse a permis de définir l’expérience esthétique comme expé­rience menée dans la neutralité, sur le mode du quasi ; ce faisant cela paraît accréditer la possibilité qu’il n’y ait pas de réels souvenirs mais seulement des quasi-souvenirs. Néanmoins parce que cette thèse reste paradoxale, j’ai cherché le moyen de concilier à la fois la neutralité existentielle de cette expérience dans l’appréhension de l’objet esthétique et la possibilité d’une affection réelle voire d’une transformation en profondeur du sujet. J’ai alors poursuivi l’examen en m’appuyant sur un texte de Roman Ingarden ( Vom Erkennen des literarischen Kunstwerks , § 24) et sur les leçons des synthèses passives de Husserl. L’enjeu de cette recherche engage donc la place et le rôle de l’expérience esthétique dans la constitution de la personnalité. (shrink)

À la manière de Sartre, qui renonce à la question de l'essence de la littérature et lui préfère celle de son utilité, Deleuze interroge, non l'essence de l'art, mais son usage pour le philosophe. Selon Deleuze, l'art est nécessaire au philosophe pour penser sa propre condition. En effet, pour échapper à la représentation qui dénature et assujettit la pensée, la philosophie exige un détour par l'art qui transforme à la fois l'exercice de la pensée et les conditions de l'expérience. (...) L'usage de l'art, c'est ce que fait l'art. L'art capte des forces (il rend visibles des forces invisibles) et transforme, à la fois, l'artiste et le corps social (il bouleverse les manières de sentir et de penser). Cette nouvelle manière de penser et d'user de l'art déborde le cadre habituel des études esthétiques. Il s'agit ici d'établir une périodisation de la question de l'art dans l'oeuvre de Deleuze, en fonction des problèmes qu'il pose. On retiendra trois périodes qui sont trois philosophies de l'art : la première accorde la priorité à la littérature ; la deuxième opère le passage du littéraire au sémiotique, en mettant en lumière le rôle politique de l'art ; et la troisième élabore une sémiotique de l'image, à partir de la peinture et du cinéma. (shrink)

Cette édition numérique a été réalisée à partir d'un support physique, parfois ancien, conservé au sein du dépôt légal de la Bibliothèque nationale de France, conformément à la loi n° 2012-287 du 1er mars 2012 relative à l'exploitation des Livres indisponibles du XXe siècle. Pages de début Chapitre premier - La leçon des masques Première partie - L'imitation et son modèle introuvable Chapitre II - L'art comme illusionnisme Chapitre III - L'art selon Diderot : idéal de la vérité ou vérité (...) de l'idéal? Chapitre IV - La nature comme dictionnaire de l'art Chapitre V - L'art comme réformation de la nature Chapitre VI - La peinture hollandaise selon Hegel : le réalisme dans l'art comme déréalisation de la nature Chapitre VII - La nature comme effet de style Deuxième partie - Le monde de l'art 1 - L'art et la nature2 - L'expérience esthétique Bibliographie Index Pages de fin. (shrink)

To give concrete meaning to the phrase "Art for Life's Sake," Jenkins assumes that "the general purpose that animates all of man's activities and artifacts is adaptation to the environment and satisfaction of the conditions of life." A phenomenological survey of human experience reveals three basic modes of viewing or adapting to the world--the affective, the cognitive, and the aesthetic. Each is intertwined with the others, and all three are necessary if man is to adapt to his environment; but (...) as one or another mode dominates experience, attention is focused on the self, the relatedness of entities, and the particular entities themselves. The view of art that emerges is a reformulation of the imitation theory; skillfully and systematically applied to the persistent facts of aesthetic life, it offers solid, common-sense illumination of traditionally obscure problems.--D. W. S. (shrink)

La perception à travers l’imaginationDans le présent travail, je mets en relation les lectures de Wittgensteil et de Gadamer avec les manuscrits de Merleau-Ponty avec l’intention de traverser la construction du « concept de représentation » et de réfléchir sur les questions suivantes : quel lieu occupe la dimension esthétique dans l’expérience humaine? Dans l’expérience esthétique, faut-il retrouver autant le profil émotionnel que le profil cognitif? Le point de départ est que l’esthétique ne doit pas être comprise comme (...) une simple perception par les sens; ce qu’aucun discours sur l’esthétique ne peut occulter est sa nécessaire implication de l’horizon problématique de la perception, à partir de l’étymologie même du terme, dérivé du grec aisthesis.Un tel terme porte en lui autant le champ subjectif instable des sensation que le champ stable et tendanciellement structuré des discriminations perceptives.L’affirmation théorique est que l’expérience de la rencontre d’une oeuvre d’art dévoile un monde et à peine cessons-nous de voir une oeuvre d’art comme objet pour la voir comme un monde que nous nous rendons compte que l’art se révèle être l’expédient pour clarifier le sens de notre rapport perceptif avec le monde, cette syntonie perceptive entre l’essence du monde et le sentir des sujets, cette processualité expressive dans laquelle activité et passivité sont les horizons, qu’on peut certes distinguer dans la description, mais qui coopèrent à l’intérieur d’elle-même.Perception Through ImaginationIn the present work, I bring the lectures of Wittgenstein and Gadamer into contact with the manuscripts of Merleau-Ponty with the intention of going over the construction of the “concept of representation” and of reflecting on the following questions: what place does the aesthetic dimension occupy in human experience? In aesthetic experience, is just as necessary to recognize the emotional profile as the cognitive profile? The point of the departure is that aesthetics must not be understood as a simple perception by the senses. That which no discourse of aesthetics may conceal is its necessary implication of the problematic horizon of perception, following the actual etymology of the term, derived from the Greek aisthēsis.This term contains just as much the subjective and unstable field of sensation as it does the stable field of perceptual discriminations that tend to be structured. The theoretical affirmation is that the experience of the encounter with a work of art unveils a world. No sooner do we stop seeing the work of art as an object and start seeing as a world, then we realize that art reveals itself to be the expedient that clarifies the meaning of our perceptual relationship with the world, this perceptual syntony between the essence of the world and the sensing of subjects, this expressive processuality in which activity and passivity are horizons that can certainly be distinguished in description, but that cooperate internally. (shrink)

La perception à travers l’imaginationDans le présent travail, je mets en relation les lectures de Wittgensteil et de Gadamer avec les manuscrits de Merleau-Ponty avec l’intention de traverser la construction du « concept de représentation » et de réfléchir sur les questions suivantes : quel lieu occupe la dimension esthétique dans l’expérience humaine? Dans l’expérience esthétique, faut-il retrouver autant le profil émotionnel que le profil cognitif? Le point de départ est que l’esthétique ne doit pas être comprise comme (...) une simple perception par les sens; ce qu’aucun discours sur l’esthétique ne peut occulter est sa nécessaire implication de l’horizon problématique de la perception, à partir de l’étymologie même du terme, dérivé du grec aisthesis.Un tel terme porte en lui autant le champ subjectif instable des sensation que le champ stable et tendanciellement structuré des discriminations perceptives.L’affirmation théorique est que l’expérience de la rencontre d’une oeuvre d’art dévoile un monde et à peine cessons-nous de voir une oeuvre d’art comme objet pour la voir comme un monde que nous nous rendons compte que l’art se révèle être l’expédient pour clarifier le sens de notre rapport perceptif avec le monde, cette syntonie perceptive entre l’essence du monde et le sentir des sujets, cette processualité expressive dans laquelle activité et passivité sont les horizons, qu’on peut certes distinguer dans la description, mais qui coopèrent à l’intérieur d’elle-même.Perception Through ImaginationIn the present work, I bring the lectures of Wittgenstein and Gadamer into contact with the manuscripts of Merleau-Ponty with the intention of going over the construction of the “concept of representation” and of reflecting on the following questions: what place does the aesthetic dimension occupy in human experience? In aesthetic experience, is just as necessary to recognize the emotional profile as the cognitive profile? The point of the departure is that aesthetics must not be understood as a simple perception by the senses. That which no discourse of aesthetics may conceal is its necessary implication of the problematic horizon of perception, following the actual etymology of the term, derived from the Greek aisthēsis.This term contains just as much the subjective and unstable field of sensation as it does the stable field of perceptual discriminations that tend to be structured. The theoretical affirmation is that the experience of the encounter with a work of art unveils a world. No sooner do we stop seeing the work of art as an object and start seeing as a world, then we realize that art reveals itself to be the expedient that clarifies the meaning of our perceptual relationship with the world, this perceptual syntony between the essence of the world and the sensing of subjects, this expressive processuality in which activity and passivity are horizons that can certainly be distinguished in description, but that cooperate internally. (shrink)

Cet article vise à exposer et discuter les thèses du phénoménologue Mikel Dufrenne au sujet de la danse. Dans _Phénoménologie de l’expérience esthétique_, Dufrenne interroge l’art chorégraphique aux côtés des autres arts et depuis les concepts « d’objet esthétique », « d’_a priori _existentiel » et de « monde ». Plus exactement, il soutient que l’œuvre chorégraphique déploie, par l’entremise des danseurs, de leurs mouvements et des autres éléments scéniques, une atmosphère affective qui correspond à l’attitude existentielle du chorégraphe. (...) Après élucidation du sens de ces formules, et en vue d’approcher davantage du phénomène chorégraphique, nous soulevons une triple réserve vis-à-vis de la position dufrennienne. (shrink)

The theory of taste faces a neglected epistemological problem. The cultivation of taste is functionally dependent upon self-knowledge of aesthetic satisfaction and its causes, in other words, knowing what we like and why. However, reservations about the reliability of our knowledge of our responses, commonplace in social psychology and the philosophy of mind, pose serious obstacles to the theory of taste. I argue for a weak fallibilism with respect to introspective beliefs about aesthetic experience. I call for a naturalistic (...) approach to the theory of taste that accounts for the unreliability of aesthetic self-knowledge. (shrink)

Dans les Cours d'Esthétique, qu'il prononce à Berlin entre 1820 et 1829, Hegel propose une théorie de la musique et analyse le rapport de celle-ci avec les autres arts dans l'ensemble du système philosophique. Mais comment le philosophe, qui n'est pas connaisseur, peut-il penser la musique de son temps? Sur quelle base se construit la réflexion? Et comment la reconstituer scientifiquement à partir des différentes sources? Le présent ouvrage apporte une réponse à ces questions en replaçant le discours hégélien dans (...) l'arrière-plan socio-historique de la vie musicale contemporaine, et en reconstituant, pour la première fois, la théorie de Hegel à partir des manuscrits inédits des différents cours. La spéculation apparaît alors dans toute son originalité, comme le prolongement des multiples expériences faites au théâtre et au concert. La conception de la musique comme manifestation de l'esprit absolu se vérifie alors dans l'expérience la plus concrète. (shrink)

Why should one go to see works of art if one can look at faces in clouds and other somewhat more complex forms in tarmac? Does my aesthetic experience discover something unprecedented when it takes products of human Intentionality as substrate rather than “natural objects” supposedly lacking all Intentionality? These questions raise that of the contribution of authorship in the framework of aesthetic experience ; they question the role of the author from one of a number of possible points of (...) view. The aim here is to advance this thought setting out from an experience of thought. Borrowing from the methodology of Arthur Danto displayed in The transfiguration of the commonplace, this experience of thought seeks to determine the structural differences between an aesthetic experience undertaken concerning Robert Smithson’s Spiral Jetty and that undertaken concerning an indiscernable perceptible said to have been generated randomly by nature. The question at the heart of this article is how to characterize the difference implied by the presence of the data-author for the aesthetic experience (transl. J. Dudley). (shrink)

The studies in this book set out to examine the labile resonances of phenomenology and art in Michel Henry, by examining the different figures of movement given to the concept of the aesthetic by the philosopher. They are preceded by one of Michel Henry’s own texts. Les études qui composent ce livre proposent d’interroger les résonances labiles de la phénoménologie et de l’art chez Michel Henry, en examinant les différentes figures du déplacement imprimé par le philosophe au concept d’esthétique. Le (...) tout est précédé d’un texte de Michel Henry. (shrink)

L’image cinématographique, en tant que produit de l’art cinématographique, a souvent été associée au mode de production spécifique de cet art, à savoir l’industrie cinématographique1. Dans le domaine philosophique, les premières critiques majeures ont consisté à dénoncer l’accointance de cette industrie avec le capitalisme et l’inauthenticité consumériste des images qu’il produit, ou en un sens davantage ontologique le caractère mécanique de la production de cette image qui la condamnerait à...

Philosophe polonais et disciple d'Edmund Husserl, Ingarden envisage la relation a l'oeuvre d'art comme une experience menee dans un echange reciproque et continu avec l'objet. Il defend ainsi une esthetique qui n'est ni purement subjectiviste en ce qu'elle n'est en rien reductible aux sentiments emotionnels d'un sujet, ni purement objectiviste en ce que les determinations reelles et materielles de l'oeuvre donnee exigent la participation intentionnelle du spectateur pour s'accomplir en manifestation intuitive concrete. Objet intentionnel par excellence, l'oeuvre d'art se tient (...) entre monde reel et monde spirituel, entre realite et jeu imaginaire. Elle se donne au spectateur comme une invitation a deployer son activite intentionnelle et, ce faisant, a participer a la vie de l'oeuvre a travers l'histoire de ses receptions. Les textes reunis ici offrent un large panorama des preoccupations esthetiques d'Ingarden. Ils presentent les principaux resultats de ses recherches theoriques concernant la nature des vecus et des objets esthetiques, ainsi que des applications concretes des analyses ontologiques menees sur differents types d'oeuvres d'art (litterature, peinture, architecture et film). L'ensemble des analyses ontologiques et phenomenologiques y est egalement toujours adosse a la question des valeurs, et de l'evaluation artistique ainsi qu'a la recherche d'un fondement objectif des valeurs. (shrink)

Une forme d'art comprend-elle le critère de son acceptation ou de son rejet par la société dans laquelle elle prend forme? Le public auquel une oeuvre d'art s'adresse possède-t-il la compétence de faire l'exploration qu'elle lui propose? La Lettre à d'Alembert sur les spectacles de Rousseau et la Conférence de Schiller : « Was kann eine gute stehende Schaubùhne eigentlich wirken ? » donnent chacune réponse à ces deux questions par la caractérisation d'une manière de sentir et d'agir propre aux (...) protagonistes du domaine esthétique. Je propose d'examiner si les principes sur lesquels l'un appuie sa condamnation de la représentation théâtrale, l'autre son apologie de l'efficace de la scène, ont leur source et leur valeur dans l'expérience du plaisir du théâtre.Does a kind of art hold in itself the criterion of its acceptance or of its reject by the society in which it takes shape ? Is the public to whom a work of art is aimed enabled to make the exploration it suggests to him ? The Lettre à d'Alembert sur les spectacles by Rousseau and the lecture of Schiller: "Was kann eine gute stehende Schaubùhne eigentlich wirken?" give each one answer to both questions by the caractérisation of a way of feeling and working proper to aesthetic protagonists. I suggest to examine if the principles on which lay the reproof of the theatrical representation by Rousseau and the justification of the stage's efficacious by Schiller stem from and are worth according to the experience of theatrical enjoyment. (shrink)

The Art Experience: An Introduction to Philosophy and the Arts takes readers on an engaging and accessible journey that explores a series of fundamental questions about the nature of art and aesthetic value. Three of these questions serve as the major sections for the book's 12 chapters: What makes something a work of art? How should we experience art in order to get the most out of it? And once we understand art, how should we evaluate whether it is good (...) or bad? Philosophical theory is illustrated with concrete examples: the paintings of Frida Kahlo, the music of Johann Sebastian Bach, the masks of the Nso people, and many others. Classic questions are balanced with cutting-edge challenges, such as Linda Nochlin's work on the exclusion of women from the artistic canon. The Art Experience presupposes no prior knowledge of philosophy or art, and it will be of interest to any reader seeking an accessible and engaging introduction to this field. Along the way, readers learn how philosophical theories can affect our real-world experiences with painting, music, theater, and many more art forms. Key Features Accessible for any college student and assumes no knowledge of philosophy, art theory, or any artistic medium Organizes topics conceptually, rather than historically, allowing students to more easily grasp the core issues themselves rather than tracing their historical evolution Offers readers a large number of contemporary examples and a consistent focus on the way theory can affect people's real-world experiences with art Explores questions about bias - for example, whether the artistic canon has excluded some groups unfairly and whether definitions of art are Western-biased. (shrink)

Dans son livre d’anthropologie esthétique sur L’art chorégraphique occidental, une fabrique du féminin, inspiré de sa thèse soutenue en 2005 à l’Université de Toulouse 2, Virginie Valentin propose d’étudier le « nœud entre émotion esthétique et danse classique » (p. 11) qui donnerait aujourd’hui aux jeunes filles françaises l’envie de pratiquer le ballet. Croisant entretiens de danseuses professionnelles et amatrices sur leurs expériences de l’apprentissage du ballet, avec une analyse littéra...

Disability, mad and d/Deaf arts are motivated to transform the arts sector and beyond in ways that foreground differing embodiments. But how do we know if such arts-based interventions are actually disrupting conventional ways of experiencing and consuming art? This article presents three themes from a critical literature review relevant to curating and creating artwork meant to spur social change related to non-normative bodies. We highlight examples that push beyond standard survey measurement techniques, such as talk-back walls and guided tours (...) by people with lived experiences. We also explore the myriad affective outcomes of art and how we might measure emotional reactions, recognizing that disability itself is imbricated in structures of feeling. We argue that such efforts must integrate concepts of access from the field of critical disability studies. Ultimately, tools for measuring audience response to politicized art must contribute to challenging and transforming these structures. (shrink)

In the ontology of the artwork and its regimes of existence, Gérard Genette gives but little room to the theory and practice of restoration. However, restoration is seen in relation to the identity of the work itself and to its material and pragmatic temporality and anachronism. In the wake of Nelson Goodman, it is also understood as a form of actuation and implementaion of the aesthetic experience. Starting from these premises, the present essay intends to examine the relationship between Genette’s (...) and Daniel Arasse’s reflections on restoration and the history of art, highlighting their similarities and differences with Cesare Brandi’s theory of restoration and, therefore, pointing out their as yet undischarged debts to Sartre’s phenomenology of image. (shrink)

L’angle sous lequel Kant aborde le jugement esthétique (de goût) est transcendantal, il s’agit d’établir la possibilité qu’un tel jugement soit de validité universelle et nécessaire. On est donc loin d’une perspective historique sur les arts que développera Hegel. Cependant, les conditions de possibilité recherchées sont celles de jugements appartenant à l’expérience d’individus humains et à celle de l’humanité au cours des siècles. C’est sur la présence de cet aspect temporel du jugement réfléchissant esthétique et de la production des (...) beaux-arts dans la première partie de la troisième Critique et sur ses enjeux que se centre le propos de ce texte. (shrink)

Why do people seemingly want to be scared by movies and feel pity for fictional characters when they avoid situations in real life that arouse these same negative emotions? Although the domain of relevant artworks encompasses far more than just tragedy, the general problem is typically called the paradox of tragedy. The paradox boils down to a simple question: If people avoid pain then why do people want to experience art that is painful? I discuss six popular solutions to the (...) paradox: conversion, control, compensatory, meta-response, catharsis, and rich experience theories. (shrink)

Résumé -/- Anna Caterina Dalmasso L’artiste et l’adversité. Hasard et création chez Merleau-Ponty -/- À plusieurs reprises, Merleau-Ponty tisse une correspondance entre art et histoire, entre pratique artistique et action politique : plus précisément il nous invite à former le concept d’histoire sur l’exemple de l’art. À première vue, un tel rapprochement pourrait paraître abstrait, sinon provocateur, l’art étant souvent conçu comme un domaine qui semble avoir peu à faire avec l’espace de l’action. Mais, nous pouvons aujourd’hui comprendre davantage l’intérêt (...) de l’intuition merleau-pontienne, nous, qui faisons l’expérience de la connexion étroite entre l’univers visuel et le milieu politique ou historique, comme des dimensions devenues désormais inséparables. Au fur et à mesure qu’une conception positiviste de l’histoire ou de la politique entendue comme progrès, ou du moins comme projet, échoue sous nos yeux interdits, la question de l’historicité se fait de plus en plus urgente : Merleau-Ponty nous invite à penser l’histoire comme le « lieu de nos interrogations et de nos étonnements », le lieu d’une réponse, voire d’une responsabilité que nos organismes technologiques exigent. C’est à partir de l’expérience de la création artistique et de son rapport constitutif au hasard qu’une pensée de l’historicité peut s’élaborer, là où l’esthétique merleau-pontienne rejoint le mystère d’un sens historique et esquisse implicitement une éthique de la contingence, en ce qu’elle nous appelle à un exercice de la liberté. -/- Abstract -/- Anna Caterina Dalmasso The Artist and the Adversity. Chance and Creation in Merleau-Ponty -/- Throughout his works, Merleau-Ponty has developed the analogy between art and history, between art practice and political action: more precisely he invites us to think about the concept of history on the example of art. At first sight, such an equivalence could seem abstract, if not provocative, insofar as art is still sometimes regarded as a field having little to share with action. But today, experiencing the close connection between the visual and the political environment, we can understand, perhaps better than his contemporaries, what is at stake in Merleau-Ponty’s insight for a new comprehension of history. Whereas a positivist conception of history and politics understood as progress or project seems to be failing before our astonished eyes, the question of historicity becomes more and more urgent: Merleau-Ponty prompts us to think of history as a mysterious junction between facticity and intention, as the beginning of our wonder, as the place of the responsibility that our technological organisms demand. The experience of creation is the figure through which Merleau-Ponty tries to conceive contingency, which is the kernel of the Geneva conference, later called The Man and the Adversity. So, drawing on Merleau-Ponty’s constant reference to the operation of artistic creation, especially on the reference to El Greco, I aim at examining how a new conception of history can spring by a comprehension of the experience of creation. I will argue that, from the analysis of the relationship between the artist and the sensible, between the artist and her body, Merleau-Ponty comes to outline what I would call an ethics of contingency, insofar as it calls us to the exercise of our freedom. (shrink)

Anders Pettersson presents a comprehensive account of the foundations of literature, grounded in an original analysis of the interactions between author and reader. Drawing on post-Gricean pragmatics and Nicholas Wolterstorff's notion of presentationality, Pettersson develops the idea of the verbal text and conveys an integrated and nuanced understanding of literary experience, its conditions, and the values it affords. In the second part of Verbal Art he systematically examines the cognitive, affective, and formal aspects of the literary work and explores their (...) interrelations.Pettersson demonstrates the implications and applications of the theory through a series of detailed studies of literary works, taking care to show that his theory is compatible with a broad variety of perspectives. Combining an intimate knowledge of modern literary theory and the aesthetics of literature with innovative applications of linguistics and cognitive psychology to the literary work, he provides a thorough treatment of fundamental problems in the area, including the concept of a text or work, the concept of form, and the distinctiveness of the literary use of language. (shrink)

This book analyzes contemporary visual art produced in the context of conflict and trauma from a range of countries, including Colombia, Northern Ireland, South Africa, and Australia. It focuses on what makes visual language unique, arguing that the "affective" quality of art contributes to a new understanding of the experience of trauma and loss. By extending the concept of empathy, it also demonstrates how we might, through art, make connections with people in different parts of the world whose experiences differ (...) from our own. The book makes a distinct contribution to trauma studies, which has tended to concentrate on literary forms of expression. It also offers a sophisticated theoretical analysis of the operations of art, drawing on philosophers such as Gilles Deleuze, but setting this within a postcolonial framework. _Empathic Vision_ will appeal to anyone interested in the role of culture in post-September 11 global politics. (shrink)

Résumé L’art américain des années 1960 et 1970 témoigne de mutations singulières à la fois en termes de pratiques et de lieux qui les accueillent. Le processus – processus de création, processus d’altération des matériaux, de développement de l’image filmé, de déploiement des gestes dansés ou d’une musique sérielle – œuvre comme une expérience primant sur l’objet et ouvrant vers la conjonction de temporalités distinctes, celle de l’atelier et celle de l’espace d’exposition. Le glissement esthétique de l’œuvre vers le (...) processus, accompagné d’un glissement sémantique de l’œuvre vers le « travail », participe alors d’un contexte plus vaste, dépassant le domaine artistique, comme un symptôme de mutations politiques, sociales et institutionnelles. (shrink)

L’article tente de montrer l’influence du contact direct et vivant avec les œuvres d’art sur l’élaboration de la pensée esthétique diderotienne. Alors que dans l’article « Beau » de l’Encyclopédie, l’auteur reprend des concepts et des hypothèses élaborés par d’autres, l’ouvrage des Salons donne lieu à la véritable esthétique de Diderot. L’écriture des Salons transcrit ainsi le processus d’une impression sensible devenu affect esthétique et jugement critique. On trouve ainsi, dans les Salons, les germes d’une esthétique à la française, dont (...) les successeurs sont le Baudelaire des Salons et le Merleau-Ponty du « Doute de Cézanne » et de L’Œil et l’Esprit. Les Essais sur la peinture marquent cependant, dans la réflexion diderotienne, une césure : il ne s’agit plus de s’interroger séparément sur le dessin d’une part, et la composition d’autre part. Le philosophe doit montrer au peintre le lien qui unifie toute chose et la nature entière. La ligne s’avère ainsi, en deçà du dessin académique, ce qui unifie l’objet et la nature même. Mais comment comprendre l’articulation de la pluralité des ouvrages de la nature, thématisée dans les Essais sur la peinture, et l’unité de la « ligne vraie » recherchée dans le Salon de 1767? Le peintre doit-il rechercher la pluralité des lignes ou l’unité d’une ligne vraie et idéale? Selon Anne Elisabeth Sejten, il faut concevoir la pluralité des lignes de la nature comme vibrant autour de la ligne idéale – et ce faisant la désignant. Telle serait la leçon des Grecs selon Diderot. Le philosophe du XVIIIe siècle s’avère ainsi être le précurseur de l’esthétique de la fin du XIXe siècle et du début du XXe siècle, telle qu’elle fut développée par Valéry à propos de Degas, ou Lyotard à propos d’Adami. (shrink)

The article investigates how the use of extended reality technologies and interactive digital interfaces have affected the design of exhibition spaces. Its main objective is to shed light on how these technologies have influenced the ways in which immersive art installations are conceived and experienced. Particular emphasis is placed on the impact of interactive technologies on how visitors experience exhibition spaces. The article examines an ensemble of immersive art cases, paying special attention to the distinction between immersion and interactivity. Two (...) concepts that are pivotal for understanding the transformations concerning the subjectivity of the exhibition visitor those of the “imagineer” and the “ultra-technologist”, which are analysed in the article. The intention is to render explicit how extended reality technologies have contributed to the design of immersive experiences, significantly influencing the interrelations between the technical, aesthetic and institutional aspects concerning exhibition design and the methods of dissemination of art. (shrink)

This essay discusses certain problems raised by Edmund Husserl’s conception of meaning with regard to the analysis of aesthetic experience. By referring to Jacques Derrida’s critique of phenomenological idealism I show that the metaphor of “stratification”, adopted by Husserl in his “Ideas” to a problem of discursive expression, if applied to the analysis of a work of art i.e. painting, allows to avoid the objection of “metaphysics of presence” commonly raised towards the phenomenological method.To present the major issue from the (...) perspective of artistic practice, I interpret Honore de Balzac’s short story “Chef-d’oeuvre inconnu”. In conclusion I show that aesthetic consciousness establishes an affective and receptive dimension that is no longer logocentric. This is the main reason why modern phenomenology should focus on the problem of aesthetic experience. (shrink)

The French phenomenologist Michel Henry sees a similarity between the primordial experience of what he calls ‘Life’ and the aesthetic experience occasioned by Wassily Kandinsky’s abstract art. The triple aim of this essay is to explain and assess how Henry interprets Kandinsky’s abstract art and theory; what the consequences of his interpretation mean for the theory of the experience of abstract art; and what doubts and questions emerge from Henry’s interpretations of Kandinsky’s theory and practice. Despite its containing many interesting (...) ideas, Henry’s phenomenological approach is insufficient to describe the aesthetic experience of Kandinsky’s abstract art. For Henry, aesthetic experience is corporeal, primordial, non-intentional, and independent of knowledge and culture.By contrast, I believe that it is possible and more suitable to connect the direct, corporeal, and affective character of the aesthetic experience of abstract art with intentionality and embeddedness in culture and knowledge. (shrink)

There is an aesthetic undercurrent traversing Deleuze's philosophy along confluent trajectories of Baruch Spinoza and Friedrich Nietzsche, which harbours untapped potentials and far-reaching consequences for contemporary discussions of art and architecture. According to this subterranean stream, aesthetic experience is generated, neither in ready-made mental faculties of a subject, nor in essential qualities of an object, but through affective interactions of a relational field. A cartographic inquiry of affective aesthetics constitutes the subject matter of this paper, beginning with a philosophical elaboration (...) that connects aesthetic theories of Spinoza, Nietzsche and Deleuze, evolving via a comparative analysis of aesthetic processes specific to Francis Bacon's artistic assemblages and Vogelkop bowerbirds' architectural constructs, and concluding with the possibility of a non-anthropocentric aesthetics. (shrink)

In the first part of the paper the author briefly revisits two of the most important traditions that stand behind the contemporary conceptualizations of affect: the Deleuzian tradition and the Lacanian one. Having pointed to the most important features of the two lines of thinking affect, as well as to certain difficulties that arise within them, the author proceeds to offer his own simple conceptual model that would be operative in thinking about film experience. The model involves feeling, emotion and (...) affect as three distinct phenomena; the concept of “ex-spectator” is introduced in order to account for the crucial difference between emotion and affect. In the second part of the paper, the model is tested against the later films by Quentin Tarantino. The films are presented as “affective”: by skilfully operating with “reflective images” they are able to deconstruct the subject of the ex-spectator into the split-but-real, affected self of the true spectator. (shrink)

How does an audience receive a work of art? Does the experience only affect the viewer or does it have an effect and thus influence his or her actions? It is the cultural philosopher Ernst Cassirer and his successors in philosophy and developmental psychology as well as in neuroscience to this day who postulate that perception in general and perception of art in particular are not neutral in their origins but alive and thus meaningful. They assume that both are based (...) on analogous principles: in the perception of moving forms and spatial forms in the world and rhythms of forms, colors, light and shadow in art. In practice, this means that perception and its felt effects have an effect on the feelings of the viewer and thus help him to inform himself directly and intensively about the world through art. In contrast to this general epistemological aesthetic theory, which philosophers in particular accept, it is to be shown that this assumption must be redefined not with reference to the world, but with reference to art and design. For the latter, the approach will be extended to a semiotic theory. The background is that in contrast to the world, the designed forms and thus the designed intentions of the artist and designer or his client in relation to the chosen theme have an impact on the viewer and thus on culture and its communicative dynamics. (shrink)

Un des problèmes centraux des discussions sur la relation entre éthique et esthétique tourne autour de la question de la violence. Celle-ci emprunte deux avenues dans le texte. La première traite d'aspects déterminés de la peinture de Francis Bacon, comme la façon dont l'art représente la violence. À ce propos, on formule la thèse que la provocation éthique de cette peinture ne repose pas tant sur le fait qu'elle représente la violence, mais qu'elle engendre en sa présence un détachement esthétique, (...) et même, un plaisir à l'occasion de cette présentation. La deuxième avenue proposée interroge l'effet éthique du plaisir esthétique en face de la violence. La théorie aristotélicienne de la catharsis est alors amenée comme modèle d'une « économie de la différence » qui permet d'élucider la relation entre plaisir esthétique et jugement éthique.A central problem in the discussion about the relation between Ethic and Aesthetic is the question of violence. This question follows two paths in the text. The first one debates the determinated aspects in Francis Bacon painting, the way art represents violence. On that matter, we draw up the thesis that the ethical provocation in his painting don't stand upon the representation of violence but also his tryptic creates an aesthetical indifference and even a pleasure. The second part questions the ethical effects of the aesthetical pleasure in front of violence. The aristotelien catharsis theory is therefore proposed as a model of an "economy of the difference" that allows the elucidation of the relation between aesthetical pleasure and ethical judgment. (shrink)